Peintures les plus célèbres de René Magritte. René Magritte, peintures, énigmes philosophiques et surréalisme. "Trahison des images", ou Ce n'est pas...

06.12.2019 Des murs

Alogisme, absurdité, combinaison de la variabilité visuelle incongrue et paradoxale des images et des figures - c'est la base des fondements du surréalisme. Le fondateur de cette tendance est considéré comme celui qui, au cœur du surréalisme, a vu l'incarnation de la théorie du subconscient de Sigmund Freud. C'est sur cette base que de nombreux représentants de la direction ont créé des chefs-d'œuvre qui ne reflétaient pas la réalité objective, mais n'étaient que l'incarnation d'images individuelles inspirées par le subconscient. Les toiles peintes par les surréalistes ne pouvaient être le produit ni du bien ni du mal. Tous ont évoqué des émotions différentes chez différentes personnes. Par conséquent, nous pouvons dire avec confiance que cette direction du modernisme est assez controversée, ce qui a contribué à sa diffusion rapide dans la peinture et la littérature.

Le surréalisme comme illusoire et la littérature du XXe siècle

Salvador Dali, Paul Delvaux, René Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes et Dorothy Tanning sont les piliers du surréalisme qui a émergé en France dans les années 1920. Cette direction ne s'est pas limitée territorialement à la France, s'étendant à d'autres pays et continents. Le surréalisme a grandement facilité la perception du cubisme et de l'art abstrait.

L'un des principaux postulats des surréalistes était l'identification de l'énergie des créateurs avec le subconscient humain, qui se manifeste dans un rêve, sous hypnose, dans un délire pendant une maladie, ou des intuitions créatives aléatoires.

Caractéristiques distinctives du surréalisme

Le surréalisme est une direction complexe de la peinture, que de nombreux artistes ont comprise et comprise à leur manière. Il n'est donc pas surprenant que le surréalisme se soit développé dans deux directions conceptuellement différentes. Miro, Max Ernst, Jean Arp et André Masson peuvent être attribués en toute sécurité à la première branche, dans les œuvres de laquelle la place principale était occupée par des images qui se transforment en douceur en abstraction. La deuxième branche prend pour base l'incarnation d'une image irréelle générée par le subconscient d'une personne, avec une précision illusoire. Salvador Dali, qui est un représentant idéal de la peinture académique, a travaillé dans ce sens. Ce sont ses œuvres qui se caractérisent par une transmission précise du clair-obscur et une manière soignée de peindre - les objets denses ont une transparence tangible, tandis que les solides s'étalent, les figures massives et volumineuses acquièrent légèreté et apesanteur, et les incompatibles peuvent être combinées en une seule.

Biographie de René Magritte

Au même titre que les œuvres de Salvador Dali, l'œuvre de René Magritte, célèbre artiste belge né dans la ville de Lesin en 1898. Dans la famille, sauf René. il y avait deux autres enfants et en 1912, un malheur s'est produit qui a affecté la vie et le travail du futur artiste - sa mère est décédée. Cela s'est reflété dans le tableau de René Magritte "In Memory of Mack Sennett", qui a été peint en 1936. L'artiste lui-même a affirmé que les circonstances n'avaient pas affecté sa vie et son travail.

En 1916, René Magritte entre à l'Académie des Beaux-Arts de Bruxelles, où il rencontre sa future muse et épouse, Georgette Berger. Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie, René a travaillé sur la création de matériel promotionnel et l'a traité plutôt avec dédain. Le futurisme, le cubisme et le dadaïsme ont eu une énorme influence sur l'artiste, mais en 1923, René Magritte a vu pour la première fois l'œuvre de Giorgio de Chirico "Chant d'amour". C'est ce moment qui est devenu le point de départ du développement du surréaliste René Magritte. Parallèlement, la formation d'un courant bruxellois s'amorce et René Magritte en devient le représentant avec Marcel Lekamte, André Suri, Paul Nouget et Camille Gemans.

L'oeuvre de René Magritte.

Les œuvres de cet artiste ont toujours été controversées et ont attiré beaucoup d'attention.

À première vue, le tableau de René Magritte est rempli d'images étranges qui sont non seulement mystérieuses, mais aussi ambiguës. René Magritte n'a pas abordé la question de la forme dans le surréalisme, il a mis sa vision sur le sens et le sens de l'image.

De nombreux artistes accordent une attention particulière aux titres. Surtout René Magritte. Les images avec les noms "Ceci n'est pas une pipe" ou "Fils de l'homme" éveillent le penseur et le philosophe chez le spectateur. Selon lui, non seulement l'image doit inciter le spectateur à montrer des émotions, mais le titre doit également surprendre et faire réfléchir.
Quant aux descriptions, de nombreux surréalistes ont donné une brève annotation à leurs toiles. René Magritte ne fait pas exception. Les peintures avec descriptions ont toujours été présentes dans les activités publicitaires de l'artiste.

L'artiste lui-même s'est qualifié de "réaliste magique". Son but était de créer un paradoxe, et le public devrait tirer ses propres conclusions. René Magritte dans ses œuvres a toujours clairement tracé une ligne entre l'image subjective et la réalité réelle.

Tableau "Les amoureux"

René Magritte a peint une série de tableaux "Les amoureux" en 1927-1928 à Paris.

La première photo montre un homme et une femme qui ont fusionné dans un baiser. Leurs têtes sont enveloppées de tissu blanc. La deuxième toile représente le même homme et la même femme en tissu blanc, qui regardent de l'image au public.

Le tissu blanc dans le travail de l'artiste provoque et a provoqué des discussions animées. Il existe deux versions. Selon le premier tissu blanc dans les œuvres de René Magritte apparu en relation avec la mort de sa mère dans la petite enfance. Sa mère a sauté du pont dans la rivière. Lorsque son corps a été retiré de l'eau, un tissu blanc a été retrouvé enroulé autour de sa tête. Quant à la deuxième version, beaucoup savaient que l'artiste était fan de Fantômas, le héros du film populaire. Dès lors, il se peut que le tissu blanc soit un hommage à la passion du cinéma.

De quoi parle cette image ? Beaucoup de gens pensent que le tableau "Lovers" personnifie l'amour aveugle : en tombant amoureux, les gens cessent de remarquer quelqu'un ou quelque chose d'autre que leur âme sœur. Mais les gens restent des mystères pour eux-mêmes. D'un autre côté, en regardant le baiser des amants, on peut dire qu'ils ont perdu la tête par amour et par passion. Le tableau de René Magritte est rempli de sentiments et d'expériences réciproques.

"Le fils de l'homme"

Le tableau de René Magritte "Le Fils de l'homme" est devenu la marque du "réalisme magique" et l'autoportrait de René Magritte. C'est cette œuvre qui est considérée comme l'une des œuvres les plus controversées du maître.

L'artiste a caché son visage derrière une pomme, comme s'il disait que tout n'est pas comme il semble et que les gens veulent constamment entrer dans l'âme d'une personne et comprendre la véritable essence des choses. La peinture de René Magritte cache et révèle à la fois l'essence du maître lui-même.

René Magritte a joué un rôle important dans le développement du surréalisme, et son travail continue d'exciter les esprits de plus en plus de nouvelles générations.

En 1978, Adrian Maben réalise un film sur le grand René Magritte. Ensuite, le monde entier a entendu parler de l'artiste, et pourtant ses peintures méritaient de devenir immortelles dès le début. Magritte a peint dans le style du surréalisme, et il a été hardiment mis au même niveau que Salvador Dali. Magritte était très spirituel dans son travail. Voyez par vous-même : ils méritent l'admiration.

Fils de l'homme, 1964

Shéhérazade, 1948

La chose la plus amusante à propos du style de l'artiste était qu'il ne dessinait pas d'images incompréhensibles, mais utilisait des choses assez primitives comme composants de l'image. Il semble que tous les objets soient reconnaissables, mais le résultat est une sur (surprise !) inimaginable.

Mouvement perpétuel, 1935

De plus, Magritte lui-même a dit qu'il "coud" une pensée dans chaque image, et les images ne sont pas un amas stupide d'éléments, mais une histoire indépendante.

Le principe de plaisir, 1937

Compagnons de la peur, 1942

Les chercheurs disent que si vous évaluez toutes les peintures de l'artiste, vous pouvez vous faire une idée assez claire de son monde intérieur.

Ceci n'est pas une pomme, 1964

Grande famille, 1967

Grande Guerre, 1964

Dormeur serein, 1927

L'artiste est né le 21 novembre 1898 dans la ville de Lessin. Quand il avait 14 ans, la mère de René s'est noyée dans la Sambre, ce qui a été un énorme choc pour l'enfant. Pour une raison quelconque, il est généralement admis que ce fait n'a pas influencé le travail de Magritte, mais il existe certainement une relation.

Amants, 1928

Amants II, 1928

Golconde, 1953

Deux secrets, 1966

Apparemment, en compensation de son enfance difficile, à l'âge de 15 ans, le garçon tombe amoureux de Georgette Berger, et elle devient sa seule femme à vie. Il lui consacre tous ses tableaux, elle est son unique modèle, il lui reste fidèle. Une histoire d'amour respectable ! Quand il a 22 ans, ils se marient, à ce moment-là Magritte est depuis longtemps diplômé de l'académie des beaux-arts.

Georgette Magritte, 1934

Magritte avec Georgette

Sur la vague de l'amour, le futur talent admire les œuvres d'autres maîtres (alors le cubisme était à la mode) et commence à gagner de l'argent supplémentaire en tant que peintre en bâtiment et affichiste.

Thérapeute, 1937

Lampe philosophique, 1936

La première exposition de Magritte a eu lieu en 1927. Puis il a beaucoup lu, s'est déplacé dans un cercle de philosophes et d'écrivains respectés, a étudié la psychanalyse, donc toutes ses peintures étaient pleines de contenu et de sens profonds. Mais il n'aimait pas la psychanalyse et ne se considérait pas comme un surréaliste, puisque les critiques de ses peintures tentaient de "disséquer" son personnage à partir de ses œuvres. Nous sommes arrivés au complexe d'Œdipe, nous nous sommes souvenus de la mère décédée, puis Magritte s'est mis en colère.

"C'est terrible de voir à quel genre de moquerie une personne qui a fait un dessin innocent peut être soumise... Peut-être que la psychanalyse elle-même est le meilleur sujet pour un psychanalyste."

Viol, 1934

Méditation, 1936

Dans les années 1950 une reconnaissance mondiale lui est venue, ses toiles ont été exposées à Rome, Londres, New York, en général, dans les meilleures galeries de la planète. Son art a souvent été qualifié de "rêve éveillé".

Salle d'audition, 1952

Modèle rouge, 1935

Miroir tordu, 1928

Invention collective, 1942

L'artiste a précisé :

"Mes peintures ne sont pas des rêves endormis, mais des rêves éveillés."

Bien sûr, ses peintures sont dessinées en différents styles et techniques : art déco, postimpressionnisme, cubisme, surréalisme, toutes sortes de matériaux ont été utilisés dans les œuvres (de la gouache aux applications), mais il s'est fait connaître précisément à cause du surréalisme atypique de ses œuvres.

Minuit dans le mariage, 1926

En 1967, René meurt d'un cancer du pancréas. Près de 50 ans se sont écoulés et son travail passionne et plaît toujours. Et cela signifie que l'artiste peut être considéré en toute sécurité comme un classique.

Peinture inachevée, 1954

Magritte, René

René Magritte(René Magritte) 1898 - 1967 - Peintre surréaliste belge. Philosophe du surréalisme dans les arts visuels. Connu comme l'auteur de peintures étranges, qui contiennent de l'ambiguïté, du mystère. Contrairement à d'autres surréalistes qui cherchent à déformer l'objet lui-même (forme, image), dans les peintures de René Magritte, "l'objectivité" de l'image n'est presque pas affectée - le sens, la perception, la compréhension et la multiplicité des significations sont surréalistes.

Dans chacun de ses tableaux, Magritte prépare un paradoxe. Chaque peinture est une combinaison d'une image, de la façon dont elle est représentée et même du nom de la peinture. Magritte a porté une attention particulière aux noms des tableaux - ils semblent "diriger" le spectateur dans des reflets, les introduire dans un "rébus". Ils incitent le spectateur à rechercher des indices, mais les réponses trouvées seront un paradoxe ou une aporie de la logique. Cette situation plonge le spectateur dans processus de pensée, dont les conclusions peuvent surprendre le spectateur lui-même. Le spectateur devient involontairement philosophe.

C'est ce que veut l'artiste. Pour l'effet similaire de ses peintures, il se fait appeler " réaliste magique ". Comme René Magritte lui-même l'a dit, son but est de faire réfléchir le spectateur. Et le style de la simplicité primitive délibérée des images vous fait vous concentrer sur leur symbolisme. Comme personne d'autre, René Magritte a utilisé et "spéculé" le principe - le monde est gouverné par des symboles.

Une pratique similaire consistant à percevoir l'ambiguïté et le développement involontaire des processus de pensée existe dans les pratiques du bouddhisme zen, lorsque des tâches paradoxales (contraires à la logique) conduisent à un processus orageux de recherche d'une réponse, et dans résultat final- à comprendre la beauté harmonieuse des réponses. Philosophie de l'unité et de l'intégrité des contraires.

Mais René Magritte ne cherche pas à développer la composante intellectuelle de son œuvre, il exploite cyniquement la popularité déjà acquise. Il ne s'arrête qu'à l'effet de la perception visuelle, ne crée qu'un paradoxe de la perception et laisse les conclusions ultérieures au spectateur.

Malheureusement, l'artiste n'a pas développé son style unique. Bien que Magritte ait eu de nombreuses œuvres ultérieures sous la forme de "variations" de peintures à succès passées qui ont été reconnues. Le contenu sémantique des peintures se concentre sur l'idée - la différence paradoxale de perception entre l'image (image) et la réalité.

La célèbre image d'un homme au chapeau melon devient un symbole de l'artiste lui-même. Peinture - " le fils de l'homme", est devenu un véritable chef-d'œuvre de tout le concept du "réaliste magique" René Magritte, donnant lieu à de nombreuses discussions, variations de lecture. Même pour une société où la perception moderniste du monde et de la religion est devenue la norme, une telle utilisation de les symboles dans l'image peuvent être appelés une provocation intellectuelle.Lorsque des conclusions contradictoires naissent chez le spectateur dans sa propre tête.

Malgré le primitivisme externe dans la technique d'exécution, l'artiste et ses images deviennent une figure très importante de la culture européenne. Ses œuvres et leur symbolique deviennent reconnaissables dans la société. Le portrait de Magritte figure sur le billet de 500 francs belges.

Peintures de René Magritte :

1928-1929

1936

1967 - Magritte meurt d'un cancer du pancréas.

L'un des artistes les plus marquants du siècle dernier, René Magritte (1898-1967) était belge. En 1912, sa mère s'est noyée dans la rivière, ce qui a apparemment fait une grande impression sur le futur artiste alors adolescent, cependant, contrairement à la croyance populaire, il ne faut pas surestimer l'impact de cet événement sur le travail de l'auteur. Magritte a ramené de l'enfance un certain nombre d'autres souvenirs, pas si tragiques, mais non moins mystérieux, dont il a lui-même dit qu'ils se reflétaient dans son travail.

Formé à l'Académie des Beaux-Arts de Bruxelles, il est d'abord fortement influencé par le dadaïsme et le cubisme. 1925 marque un tournant dans son œuvre : le tableau "Roses de Picardie" marque un nouveau style et une nouvelle attitude - le "réalisme poétique". L'artiste s'installe au "centre du surréalisme" - Paris, où il participe à toutes les expositions surréalistes. Et en 1938, la London Art Gallery organise la première grande exposition du maître belge.

Au début des années 1950 L'art de Magritte est de plus en plus reconnu internationalement, comme en témoignent ses grandes expositions à Rome, Londres, New York, Paris et Bruxelles. En 1956, Magritte, en tant que représentant exceptionnel de la culture belge, a reçu le prestigieux prix Guggenheim.

La principale caractéristique de Magritte est l'atmosphère de mystère dans ses œuvres. Le sentiment de mystère, comme vous le savez, est inhérent à l'art véritable. « J'ai toujours considéré Magritte comme un artiste de l'imaginaire, un maître qui se situe quelque part au niveau de Giorgione », écrit Herbert Read. Ces mots détiennent la clé de la poétique de Magritte.

Dans le tableau "False Mirror" (1929), qui exprime le credo idéologique de l'artiste, tout l'espace est occupé par l'image d'un œil immense. Seulement à la place de l'iris, le spectateur voit un ciel bleu d'été avec des nuages transparents flottant dessus. Le titre explique l'idée du tableau : les organes des sens ne reflètent que l'apparence des choses, sans transmettre les profondeurs cachées du monde, ses secrets. Seul l'incompatibilité aide, selon Magritte, à saisir le sens de l'être. Une image ne peut naître que de la convergence de deux réalités plus ou moins éloignées.

Magritte suivra cette méthode tout au long de sa carrière, ce qui est particulièrement visible dans ses peintures "philosophiques". L'un d'eux est Les vacances de Hegel (1958).

"Mon dernier tableau, écrivait-il, commençait par la question : comment représenter un verre d'eau dans un tableau de manière à ce qu'il ne nous soit pas indifférent ? Mais en même temps, et de telle manière que ce ne serait pas particulièrement bizarre, arbitraire ou insignifiant.Un en un mot pour qu'on puisse dire : ingénieux (laissons la honte inutile).
J'ai commencé à dessiner les verres les uns après les autres (trois croquis), à chaque fois d'un trait en travers (croquis). Après le centième ou le cent cinquantième
dessin, le trait est devenu un peu plus large (contour). Au début, le parapluie se tenait à l'intérieur du verre (croquis), mais ensuite, mais ensuite, il s'est avéré être en dessous (croquis).
J'ai donc trouvé une solution à la question initiale : comment représenter ingénieusement un verre d'eau. Je me suis vite rendu compte que ce sujet pouvait être d'un grand intérêt pour Hegel (c'est aussi un génie), car mon sujet combine deux opposés
aspirations : ne veut pas d'eau (la repousse) et veut de l'eau (la ramasse). Je pense qu'il aurait aimé ou trouvé ça drôle (par exemple, pendant les vacances). C'est pourquoi j'ai appelé le tableau "Les vacances de Hegel".

Magritte se démarque nettement parmi les surréalistes : contrairement à eux, il utilise des éléments non pas fantastiques, mais ordinaires, pris de manière bizarre. Tel est son célèbre tableau "Propriété personnelle" (1952).

La "clé" ici est aussi le nom. Des hypertrophies "personnelles" aux proportions monstrueuses. La pièce se transforme en une sorte de "microcosme", fermé, serré, malgré le ciel avec des nuages qui flottent dessus à la place des murs. Toutes les choses ici ont étrangement changé, comme si elles prenaient vie, acquéraient un aspect non utilitaire, même si, comme toujours chez Magritte, les objets n'ont pas changé d'apparence, de texture, de couleur et sont parfaitement "reconnaissables". Le spectateur, comme en passant, admire l'éclat bleuté du verre du verre, la texture meubles en bois, l'habileté à transférer les reflets du miroir. Mais juste en passant, car les objets semblent avoir gagné en indépendance, comme s'ils parlaient au nom de leur propriétaire, usurpant complètement son rôle de « chef de file ». Eux-mêmes sont devenus des « personnalités » et semblent se parler.

L'une des caractéristiques de la peinture des premiers Magritte est sa "littérarité" au bon sens du terme. Magritte gravite dans un cercle de poètes, philosophes, écrivains, étudie les travaux théoriques de célèbres romantiques du XIXe siècle. Grande influence il a été influencé par les œuvres du poète et philosophe romantique anglais début XIX dans. Samuel Taylor Coleridge, qui vénérait principalement le symbolisme dans l'art - une telle "subordination complète de la matière à l'esprit que la matière se transforme en un symbole à travers lequel l'esprit se révèle".

Une illustration de cette pensée est notamment le célèbre tableau de Magritte « Libération » (« Fuite dans les champs »), réalisé en 1933.

Un étrange paysage s'ouvre d'une fenêtre brisée. Collines verdâtres du soir, arbres bleus sphériques, ciel nacré transparent, distances bleues. En utilisant avec brio les techniques de la peinture tonale, l'artiste crée une atmosphère d'exaltation joyeuse, d'attente de quelque chose d'inhabituel, de merveilleux. Ombre chaude des rideaux au premier plan renforcent l'impression de légèreté de ce paysage enchanté... Les tableaux de Magritte semblent faits d'une main calme et intrépide. Maître de la couleur, Magritte l'utilise avec parcimonie, parcimonie. Dans "Libération", le symbolisme des couleurs est utilisé pour exprimer des associations complexes. Des taches de bleu, de rose, de jaune et de noir donnent à l'image une plénitude de couleur et une vivacité étonnantes.

L'originalité de l'œuvre de René Magritte se révélera plus pleinement si l'on aborde le thème "Surréalisme et freudisme". Le principal théoricien du surréalisme, André Breton, psychiatre de profession, a attaché une importance décisive à la psychanalyse de Freud lors de l'évaluation du travail de l'artiste. Les vues freudiennes n'ont pas seulement été adoptées par de nombreux surréalistes - elles sont devenues leur façon de penser. Par exemple, pour Salvador Dali, de son propre aveu, le monde des idées de Freud signifiait autant que le monde des Écritures pour les artistes médiévaux ou le monde de la mythologie antique pour les maîtres de la Renaissance.

La "méthode de l'association libre" proposée par Sigmund Freud, sa "théorie des erreurs", "l'interprétation des rêves" visaient principalement à identifier les troubles mentaux morbides à des fins de guérison. L'interprétation des œuvres d'art proposée par Freud visait également cela. Mais avec cette compréhension, l'art est réduit à un facteur particulier, pour ainsi dire, de "guérison". C'était le sophisme de l'approche des théoriciens du surréalisme envers les œuvres d'art. Magritte en était bien conscient, qui nota dans une de ses lettres en 1937 : « L'art, tel que je le comprends, n'est pas soumis à la psychanalyse. C'est toujours un mystère. L'artiste ironise sur les tentatives d'interprétation de ses peintures avec l'aide de la psychanalyse : "Ils ont décidé que mon" Modèle Rouge "est un exemple de complexe de castration. Après avoir écouté plusieurs explications de ce genre, j'ai fait un dessin selon toutes les « règles » de la psychanalyse. Naturellement, ils l'ont analysé de la même manière. C'est terrible de voir quelle moquerie peut subir une personne qui a fait un dessin innocent... Peut-être que la psychanalyse elle-même est le meilleur sujet pour un psychanalyste.

C'est pourquoi Magritte a obstinément refusé de se qualifier de "surréaliste". Il accepta volontiers la qualification de "réaliste magique". Cette direction est typique de la "période belge" de son travail - à partir de 1930, lorsque Magritte revient pour toujours de Paris à Bruxelles.

Les traditions de l'art ancien des Pays-Bas ont eu un effet bénéfique sur l'œuvre de Magritte. Dans le tableau "Plagiarism" (1960), plusieurs détails-symboles attirent l'attention.

À gauche sur la table, nous voyons l'image d'un nid et de trois œufs - le symbolisme de la Trinité. Comme un magicien, l'artiste semble matérialiser sous nos yeux les images de sa fantaisie, et elles se transforment en un beau jardin fruitier - symbole d'un imaginaire créatif vivant. Magritte crée une image poétique subtile et spiritualisée. En contemplant la photo, on ne peut qu'admirer les nuances roses, bleutées et nacrées les plus délicates - un spectacle vraiment fabuleux.

Dans les années 1930 Magritte, avec l'art de Bosch, étudie en profondeur l'œuvre de son compatriote, dramaturge et philosophe Maurice Maeterlinck, qui écrivait en 1889 dans la collection "Serres": "Un symbole est une force de la nature, mais l'esprit d'une personne ne peut résister à son lois... S'il n'y a pas de symbole, pas d'œuvre d'art."

Maeterlinck doit à Magritte la capacité de développer la comparaison en tout un réseau d'images que le fantasme de l'artiste transforme en monde réel. Dans le tableau Madness of Greatness (1948), une bougie allumée est représentée sur un parapet de pierre sur fond de mer d'azur sans fin - comme un symbole de la fragilité de la vie humaine. A proximité se trouvent plusieurs torses féminins qui sortent les uns des autres (symbole de sensualité). Et dans le ciel avec de beaux nuages gelés (pour Magritte - symbole de l'intemporalité), le spectateur voit des formes géométriques bleues "incorporelles", symbolisant les "idées pures", et ballon- un symbole de "pensée pure" abstraite.

Avec l'aide de finement conçu couleurs l'artiste "précise" l'idée principale. "Sensualité" est une couleur chair chaude. Les "formes pures" sont résolues dans une tonalité bleuâtre froide, correspondant au symbolisme et créant en même temps une sensation d'espace sans limites.

"Nous errons au hasard dans la vallée, sans nous rendre compte que tous nos mouvements se reproduisent et prennent leur véritable sens au sommet de la montagne", écrit Maeterlinck dans Treasure of the Humble, "et il faut que de temps en temps quelqu'un vienne nous dit : « Regarde, regarde ce que tu es, regarde ce que tu fais. Nous ne vivons pas ici, nos vies sont là-haut. Ce regard que nous avons échangé dans le noir, ces mots qui n'ont pas faire sens au pied de la montagne, regardez, ce qu'ils sont devenus et ce qu'ils signifient là-bas, au-dessus des hauteurs enneigées.

Cette idée de Maeterlinck se retrouve dans le tableau de Magritte "Possession d'Arnheim" (1962).

Ce n'est qu'en brisant du verre avec une fausse image peinte dessus que l'on peut voir la réalité dans toute sa splendeur, estime l'artiste. C'est ici, au sommet des montagnes dont parlait Maeterlinck, que se cache la Vérité.

Le tableau "Une réponse inattendue" (1933) incarne une autre pensée de Maeterlinck : "Il n'y a pas de jours insignifiants dans la vie. Allez, revenez, ressortez - vous trouverez ce dont vous avez besoin au crépuscule. Mais n'oubliez jamais que vous êtes près de la porte, peut-être une de ces fentes étroites des portes des ténèbres, par lesquelles il nous est donné de prévoir un instant tout ce qui doit arriver dans la grotte des trésors qui n'ont pas encore été découverts.

L'image ressemble à une sorte d'emblème d'un mystère passionnant - tout ici est si intégral, "naturel", si cette définition peut être attribuée à l'une des compositions les plus mystérieuses et mystiques de Magritte. La "porte fissurée" ouverte est un symbole d'une autre dimension, chargée de nombreux mystères.

Certains auteurs écrivant sur Magritte le déclarent un « artiste de l'absurde », dont les peintures n'ont aucun sens. Si tel était le cas, si le but de l'artiste était de ne représenter que "l'absurdité de notre existence quotidienne", ce serait de la créativité au niveau du puzzle, et non de l'art sérieux qu'il est. Magritte a écrit : "Nous demandons l'image au hasard, au lieu de l'écouter. Et nous sommes surpris quand la réponse que nous obtenons n'est pas franche."

Son art a souvent été qualifié de "rêves éveillés". L'artiste a précisé : "Mes peintures ne sont pas des rêves endormis, mais des rêves éveillés." Pas étonnant que l'éminent surréaliste Max Ernst, voyant son exposition à New York au début des années 1950, ait déclaré : « Magritte ne dort pas et n'est pas éveillé. Il illumine. Il conquiert le monde des rêves.

« Sans mystère, ni le monde ni l'idée n'est possible », ne se lasse pas de répéter Magritte. Et en épigraphe à l'un de ses autoportraits, il reprend la ligne du poète français du XIXe siècle. Lautreamont : "Je rêve parfois, mais jamais je ne perds un instant la conscience de mon identité."

D'où l'interprétation inattendue du « intérieur et extérieur » dans l'œuvre de Magritte.

Voici le commentaire de l'artiste sur son tableau "Cadres de vie" (1934) : "Devant la fenêtre que l'on voit de l'intérieur de la chambre, j'ai placé un tableau représentant juste cette partie du paysage qu'il ferme. Ainsi, l'arbre dans l'image obscurcit l'arbre qui se tient derrière à l'extérieur. Pour le spectateur, l'arbre est à la fois à l'intérieur de la pièce sur l'image et à l'extérieur dans le paysage réel. C'est ainsi que nous voyons le monde. Nous le voyons à l'extérieur de nous et à la en même temps voir sa représentation à l'intérieur de nous-mêmes. Ainsi, nous mettons parfois au passé ce qui se passe dans le présent. Ainsi, le temps et l'espace sont libérés du sens trivial que leur confère la conscience ordinaire.

Herbert Read notait : " Magritte se distingue par la sévérité des formes et une nette clarté de vision. Son symbolisme est pur et transparent, comme le verre des fenêtres qu'il aime tant représenter. René Magritte met en garde contre la fragilité du monde. comme des banquises." C'est un exemple d'une des interprétations possibles des métaphores ambiguës de Magritte. Le motif de la vitrine de cet artiste peut également être vu comme une frontière entre deux mondes - le réel et l'irréel, le poétique et le banal, entre le conscient et l'inconscient.

Dans le tableau "Le fils de l'homme" (1964), l'homme moderne est représenté sur le fond d'un mur le séparant des vastes étendues de l'océan et du ciel, symbolisant l'infini. Une pomme accrochée devant le visage d'une personne donne un côté mystérieux à l'image. Cette pomme peut être perçue à la fois comme le fruit de l'arbre de la connaissance et comme un symbole de la nature qu'une personne essaie de comprendre. En même temps, ce détail donne de l'harmonie à l'apparence prosaïque d'un bourgeois soigné.

Le tableau "Golconde" (1953) peut être vu comme une métaphore matérialisée : les personnes "avec du poids" sont devenues en apesanteur. Il y a une ironie cachée dans le nom : après tout, Golconde est une ville semi-légendaire en Inde, célèbre pour ses placers d'or et ses diamants, et ces gens semblent être attirés par l'or. L'artiste accroche dans un espace sans bornes plusieurs dizaines de rentiers soigneusement vêtus - avec des chapeaux melon, des cravates et des manteaux à la mode -, tout en gardant une sérénité absolue.

Dans l'un des derniers tableaux de Magritte, "Le bouquet prêt" (1956), un homme portant le même chapeau melon et la même queue-de-pie, dos debout au spectateur sur la terrasse, contemple le parc du soir. Et sur son dos se trouve le "Printemps" de Botticelli, défilant dans les fleurs et l'éclat des couleurs. Qu'est-ce que c'est? Réalisation de l'aphorisme « L'homme passe, l'art reste » ? Ou, peut-être, une personne admirant le parc, s'est souvenue du tableau de Botticelli ? La réponse n'est pas claire.

L'artiste cherche à détruire l'idée habituelle du bien connu, immuable, pour faire voir l'objet dans une nouvelle dimension, entraînant le spectateur dans la confusion. Dans ses toiles, il a créé un monde de fantaisie et de rêves à partir de choses réelles, plongeant les spectateurs dans une atmosphère de rêve et de mystère. L'artiste a brillamment su "diriger" leurs sentiments. Il semblerait que le monde créé par l'artiste soit statique et solide, mais l'irréel envahit toujours l'ordinaire, détruisant ce monde familier (une pomme ordinaire dans une pièce, qui pousse, déplace les gens ou d'une cheminée sur à pleine vitesse une locomotive saute - "Pierced Time", 1939).

Le tableau le plus copié est La Création de l'homme (1935). L'image de la mer dans l'image sur un chevalet debout devant une fenêtre ouverte, miraculeusement fusionne avec la "vraie" vue sur la mer depuis la fenêtre.

Le thème de nombreuses peintures de Magritte était la soi-disant "réalité cachée". Une partie de l'image, par exemple le visage du personnage principal, est couverte par quelque chose (une pomme, un bouquet de fleurs, un oiseau). Magritte explique ainsi le sens de ces œuvres : « Ce qui est intéressant dans ces peintures, c'est la présence de l'ouvert et du caché qui font soudainement irruption dans notre conscience, qui dans la nature ne se séparent jamais.

Dans Lovers, René Magritte montre que lorsqu'on est vraiment amoureux, on a les yeux fermés.

Dans un effort pour comprendre le sens insaisissable des peintures de Magritte, pour les "expliquer", l'esprit du spectateur s'accroche frénétiquement aux deux. L'artiste lui "lance" le nom de l'image (elle apparaît généralement une fois l'œuvre terminée). Magritte a donné au titre un rôle décisif dans la perception de l'image. Selon les souvenirs de parents et d'amis, lorsqu'il inventait des noms, il en discutait souvent avec d'autres écrivains. Voici ce que l'artiste lui-même a dit à ce sujet : "Le titre est une indication de la fonction de l'image", "Le titre doit contenir une émotion vive", "Le meilleur titre de l'image est poétique. Il ne doit rien enseigner, mais plutôt surprendre et fasciner.

De nombreux titres des tableaux sont délibérément scientifiques, et l'ironie y est visible : « Lampe philosophique » (1937), « Éloge de la dialectique » (1937), « Savoir naturel » (1938), « Traité des sensations » (1944 ). D'autres titres créent une atmosphère de mystère poétique : Dialogue Interrupted by the Wind (1928), Key to Dreams (1930), Painful Duration (1939), Empire of Light (1950), God's Drawing Room (1958).

Le tableau "Empire of Light" a été peint par Magritte au cours de la dernière décennie de sa vie, mais est immédiatement devenu peut-être son œuvre la plus populaire. Si populaire que de nombreux collectionneurs étaient prêts à payer n'importe quoi juste pour avoir une de ses répliques dans leur collection.

Alors, quelle est cette image qui a capturé l'esprit des gens du monde entier ? À première vue, cela semble simple et même sans prétention. La maison au bord d'un petit lac est cachée à l'ombre d'arbres tentaculaires. Les fenêtres du deuxième étage brillent d'une lumière douillette, une lanterne solitaire donne sa lumière amicale à un voyageur qui pourrait être ici par une nuit noire. Il semblerait - un nocturne ordinaire, assez réaliste. N'importe quel artiste "traditionnel" peut écrire une telle peinture.

Mais est-ce vrai ? Pourquoi alors une vague angoisse surgit-elle, forçant le spectateur à regarder de plus en plus l'image ? Cette anxiété ne partira pas tant qu'elle ne deviendra pas soudainement claire - le ciel, c'est ça! Un ciel bleu avec des nuages blancs moelleux qui courent joyeusement. Et c'est tard dans la nuit ! Ne demandez pas comment cela est possible, car rien n'est impossible dans le monde de Magritte. Comme personne d'autre, cet artiste aime relier l'incompatible, introduire des détails dans ses peintures qui contrastent si fortement les uns avec les autres que le spectateur éprouve d'abord un léger choc, mais ensuite son esprit commence à travailler doublement intensément, essayant de trouver une solution à la mascarade proposée.

Magritte lui-même a dit ceci à son sujet : « J'ai combiné différents concepts dans l'Empire de la lumière, à savoir le paysage nocturne et le ciel dans toute sa splendeur de lumière du jour. Le paysage nous incline à penser à la nuit, au ciel - au jour. Selon moi, ce phénomène simultané du jour et de la nuit a le pouvoir de surprendre et d'enchanter. Et ce pouvoir, je l'appelle poésie.

René Magritte en personne

"Autoportrait" ("Regard vigilant")

Se remémorant son enfance, il écrit : « Je me souviens de mon étonnement quand j'ai vu pour la première fois l'échiquier, les pièces qui s'y trouvaient. Impression effrayante ! Des partitions de musique, où des signes mystérieux dénotaient des sons et n'étaient pas des mots ! Voici une petite première œuvre de l'artiste - "Lost Jockey", qui est devenue son manifeste créatif.

Le cavalier, se précipitant à toute vitesse sur un cheval moussé, s'est perdu dans un bosquet irréel d'énormes pièces d'échecs peintes avec une notation musicale.

Peinture "Carte blanche" ou "Obstacle du vide".

Magritte a écrit à son sujet : « Les choses visibles peuvent être invisibles. Si, par exemple, certaines personnes traversent une forêt, vous les voyez d'abord, puis vous ne les voyez pas, mais vous savez qu'elles sont là. Dans le tableau "Carte Blanche", la cavalière obscurcit les arbres, et ils l'obscurcissent. Cependant, notre pouvoir de penser englobe à la fois le visible et l'invisible, et avec l'aide de la peinture, je rends les pensées visibles.

Tableau « Bifurcation interdite »

Il est intéressant de noter que chez Magritte seules les images d'un oiseau sont exemptes de complexités associatives. Les oiseaux portent l'énergie positive du vol, rien de plus. Il n'y a pas d'oiseaux morts, tombés, aux ailes brisées. Les oiseaux sont vivants et leurs ailes sont pleines des cirrus bleus et blancs de Magritte (" grande famille", 1963).

Le 15 août 1967, René Magritte meurt d'un cancer. L'un des artistes-magiciens du XXe siècle, qui dans la vie ressemblait tellement à un pharmacien respectable, est décédé.
Il menait une vie tranquille et calme de Belge dans la rue, loin du tapage bohème - un homme difficile à distinguer de la foule. Les rêves, les paradoxes, les peurs, les dangers mystérieux n'ont submergé que ses peintures, pas la vie. L'artiste n'a lutté contre l'ennui que dans la créativité. La régularité de chaque jour lui convenait parfaitement, il peignit même la plupart de ses tableaux dans la salle à manger et, jusqu'à la fin de sa vie, préféra le tram aux autres modes de transport.
D'une manière ou d'une autre, peu de temps avant sa mort, Magritte, ce maître sophistiqué, a déclaré : "Je ne comprends toujours pas la raison pour laquelle nous vivons et mourons." Peut-être que l'artiste vient de crypter les indices sur les causes et les mystères de l'être dans ses peintures de puzzle ? Tout peut être. Alors vous devriez jeter un oeil à eux!

Le 2 juin 2009, un nouveau musée consacré à l'œuvre du célèbre artiste surréaliste René Magritte a ouvert ses portes à Bruxelles. Le Musée Royal des Beaux-Arts a attribué une salle de 2,5 mille mètres carrés. L'exposition du musée René Magritte comprend plus de 200 œuvres de l'auteur - c'est la plus grande collection au monde.

René Magritte, créateur de peintures mystérieuses, est né à la fin du XIXe siècle dans le petit pays de Belgique. Dans sa petite enfance, il était effrayé par les échecs et les signes musicaux, selon ses souvenirs. Sa mère s'est noyée dans une rivière en sautant d'un pont quand René avait 13 ans. Sortant le cadavre, ils ont découvert que sa tête était enveloppée dans un chiffon à gaz. De là, des portraits sans visages sont apparus dans l'œuvre du futur artiste.

Après avoir étudié à l'Académie Royale de Bruxelles pendant deux ans, L'artiste belge Magritte René est parti là-bas, devenant artiste publicitaire dans une papeterie. En 1926, il est allé travailler à la Sento Gallery, après avoir signé un contrat. A partir de ce moment, il l'est. Sa première exposition en 1927 est critiquée. Puis René, ayant rompu le contrat, et sa femme Georgette Berger partent pour Paris, où l'artiste rejoint le cercle des surréalistes. À certains égards, il n'est pas d'accord avec eux, se considérant comme un "surréaliste magique". Paris s'ennuie, et le couple retourne dans son pays natal, à Bruxelles. De nouveau publicitaire, René et son frère ouvrent une agence.

La deuxième Guerre mondiale, la Belgique en occupation. René Magritte peint des tableaux proches du style. Dans l'après-guerre, les toiles de Magritte étaient incroyablement populaires aux États-Unis, exposition après exposition, beaucoup d'argent, de reconnaissance et de renommée tombèrent sur l'artiste. Magritte René lui-même vécut modestement, vécut toute sa vie avec une seule femme et mourut d'un cancer à l'âge de 68 ans.

Et maintenant, près de 42 ans plus tard, le Musée royal des Beaux-Arts a ouvert un musée où il n'y avait que des œuvres de l'artiste mystique Magritte. La vue même du bâtiment dans un style inhabituel, un rideau coulissant sur le mur, derrière lequel il y a des arbres, un ciel bleu et une entrée quelque part. Ainsi, les Belges ont honoré la mémoire de René, qui a peint ses tableaux avec une signification philosophique.

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