Le but de la leçon : donner un bref aperçu de la poésie, montrer son rôle dans la vie publique du pays.

Matériel de cours :

• enregistrements audio de poèmes de poètes interprétés par l'auteur ;
• images du film de Khutsiev "Zastava Ilyich".

Méthodes méthodiques : conférence, présentations d'étudiants sur les poètes, récitation expressive de poèmes par cœur.

Chaque génération se considère
plus intelligent qu'avant
et plus sage que le suivant.
George Orwell

Pendant les cours

I. L'orientation principale (pathos) de la poésie des années 60.

1. La parole de l'enseignant.

Le magazine Ogonyok a publié en 1988 des photographies des 4 poètes les plus talentueux des années soixante. Il s'agissait de Robert Rozhdestvensky, Evgeny Yevtushenko, Andrey Voznesensky, Bella Akhmadulina. Un nouveau genre est apparu, appelé plus tard la chanson "d'auteur". Bulat Okudzhava, Alexander Galich, plus tard - V. Vysotsky, Julius Kim ont chanté leurs poèmes à la guitare.

Ce sont eux qui ont brillamment commencé les années désormais mythiques et légendaires de la poésie soviétique, lorsque la poésie est soudainement devenue inhabituellement populaire, lorsque le Musée polytechnique a dû être bouclé par la police montée lors des soirées de poésie et que les cent mille stades ne pouvaient accueillir tous ceux qui voulaient écouter de la poésie. C'était une époque où "la poésie pouvait être lue lors d'une réunion, et ils pouvaient décider du résultat du vote" (I. Zolotussky), où "les gens venaient aux soirées de poésie prêts à s'investir, prêts à penser, à faire preuve d'empathie, à ressentir" (A. Imermanis). Le temps, changeant 10 fois par jour et promettant des pauses encore plus nettes, a aidé ses poètes, créant une résonance puissante pour leurs poèmes.

Un écho incroyablement puissant !
Évidemment, une telle époque.

L. Martynov

Mais les poètes ont également aidé le temps, répondant presque instantanément aux derniers événements et tendances, formulant l'opinion publique à la fois "sur les voies de la Russie du passé et sur le présent à ce sujet".

Quoi de neuf dans la poésie des années 60 ?

Nouveaux thèmes.

Nouvelle géographie- Sibérie, Asie centrale, Kolyma, étranger, arrière-pays russe.

Nouveaux héros- les chevaliers d'action immédiate, c'est-à-dire jeunes romantiques (vendeuses, cosmonautes, ouvrières de diverses usines, retraitées dominos, intellectuelles, etc.).

Problèmes principaux.

Problèmes de vérité et de justice, lumière et ombre dans l'appréciation des personnes, des événements, des processus.

Ils ont rappelé la mission civile, éducative, morale de la poésie.

La poésie est devenue une affaire d'État. Parlant au nom de la jeunesse, les poètes de cette époque s'adressaient avant tout à l'État, c'est de lui qu'ils attendaient à la fois une réponse et une reconnaissance, insistent pour que leur avis soit pris en compte dans la détermination de la stratégie de l'État.

2. Nous regardons des images du film de Khutsiev "Zastava Ilyich" (soirée à l'École polytechnique).

Les élèves lisent par cœur les poèmes des poètes susnommés.

Enseignant: Bien sûr, il y avait d'autres poèmes, d'autres directions de poésie - appels à l'éternité, à la nature, quand "tout disparaît, l'espace, les étoiles et un chanteur restent" (O. Mandelstam "Le pain est empoisonné et l'air est ivre ”). Mais, en évaluant la situation dans son ensemble, on peut dire que l'orientation journalistique civique était la principale.

Chaque médaille a deux faces, et la position dominante de la poésie civile a pressé, rendu imperceptibles les paroles profondes et philosophiques tranquilles.

D'après L.Annensky, "... une personne franche a vaincu une personne intime, le bruit a vaincu le silence, l'extérieur s'est avéré plus brillant que l'intérieur. La dure expérience a cédé la place à une légère excitation, et de nombreux poètes populaires semblent avoir oublié qu'ils ne sont pas seulement des publicistes et des enseignants dans une école pour adultes, mais aussi (avant tout) des poètes.

À la fin des années 60, il y a eu un départ de la poésie aux frontières des traditions classiques.

II. Caractéristiques de la poésie des années 70.

Le temps semble être vide
Ce qui était là n'est pas là.
Mais ce qui voulait être
N'est pas entré dans une piste claire,
Comme si le corps restait vivant
Le corps n'a pas d'âme.

A. Tvardovsky

1. La volonté de la poésie des années 60 d'ouvrir toujours plus de nouveaux territoires, d'élargir le rayon d'action(espace, centrales hydroélectriques, etc.) a été remplacé par un culte de la stabilité, une réticence à changer de place et, en général, un retour à la maison, sous l'aile indigène.

Retour aux choses simples
À la petite lumière dans la petite fenêtre.
Je rejoins la soupe fumante,
Je suis apprivoisé à une cuillère maison.

A. Peredreev ("Revenir aux choses simples ...")

Le thème de la petite patrie- le principal dans l'œuvre de N. Rubtsov, V. Sokolov, N. Tryapkin, A. Zhigulin, décédé prématurément et tragiquement.

Nous lisons les versets par cœur :

• N. Rubtsova "Ma patrie tranquille", "Étoile des champs";
• V. Sokolova "Comment je veux ces lignes ...".

2. Dans les années 70, l'idée des tâches de la poésie, de sa place et de son rôle dans la vie spirituelle de la société, a également changé. Au lieu d'un dialogue avec l'État, il y a une confession qui purifie la confession d'un cœur troublé devant le peuple, et les mots clés n'étaient pas les mots « vérité » et « justice », mais les mots et les concepts : « conscience », "amour", "devoir filial", "réactivité" et etc.

Le pathos de la création, de la lutte et de l'enthousiasme, la destruction des anciennes autorités a été remplacé par le pathos de la réflexion, approfondissant les questions éternelles de l'être.

Gleb Gorbovsky "Soyez".

3. Il y a une attention accrue au monde intérieur de l'individu, à l'âme humaine, un intérêt curieux pour les questions ontologiques, c'est-à-dire aux questions de la vie et de la mort, des finalités de l'être, de la responsabilité de l'homme devant la nature.

A. Peredreev "L'essence impitoyable de la connaissance...".
Y. Kuznetsov "Conte atomique".

Et, naturellement, le ton civique de la poésie a baissé, le sens de la proximité avec la modernité a été perdu.

E. Yevtushenko a offensé nombre de ses collègues poètes, les accusant du fait que «... tout cela est un fétiche faussement exalté, // ronronnant pendant des siècles, // de rats et de combats avec eux - // fuite vers ce coin , // où est la soucoupe de lait » (poésie « tranquille »).

Et appela avec colère :

La poésie n'est pas née de la pop frantiha,
Mais il n'y a pas de honte dans la lutte.
La poésie, qu'elle soit forte ou silencieuse -
Ne soyez jamais un menteur silencieux !

Ou : Ne vous cachez pas - combattez !

"Bratskaïa HPP"

Mais aucun appel, accusation, discussion sur les préceptes de V. Mayakovsky n'a aidé, ainsi que des rappels que les traditions de la grande poésie russe ne sont pas seulement dans les élégies et les paroles philosophiques, mais aussi dans les lignes civiques-passionnées des poètes décembristes, A Pouchkine, M Lermontov, N. Nekrasova. Le prestige de la poésie tomba irrésistiblement.

Les circonstances suivantes doivent également être prises en compte : de nombreux poètes talentueux sont décédés.

Ce sont A. Akhmatova - 1966, A. Yashin - 1968, N. Rylenkov - 1969, N. Rubtsov, A. Tvardovsky, S. Prokofiev - 1971, Ya. Smelyakov - 1972, G. Shpalikov - 1974, etc.

Certains ont été contraints de partir à l'étranger: I. Brodsky - 1972, A. Galich - 1974.

D'autres sont allés profondément sous terre.

Les raisons du changement des styles de poésie s'expliquent également en termes littéraires : une vive réaction à la prépondérance du journalisme dans la décennie précédente, tant sur le plan sociopolitique que social. L'ère d'une longue accalmie, de la stagnation, de la perte du contenu des mots et des concepts, l'ère de l'hypocrisie, un décalage complet entre les actes et les paroles, est venue. Il est devenu presque indécent de prononcer de grands mots qui ne sont pas étayés par des actes.

4. Quelles sont les sorties de crise envisagées ?

a) Yevtushenko et Voznesensky ont élevé, forcé, tendu la voix de manière immodérée, poussé un cri, attirant l'attention sur les tragédies du monde et les situations extrêmes et la nature de leur réalité natale:

Je voudrais me battre sur toutes vos barricades, humanité !
E. Evtushenko "Je voudrais ..."

Au cours de ces années, des poèmes d'E. Yevtushenko sont apparus: «Corrida» - 67, «Sous la peau de la Statue de la Liberté» - 68, «Neige à Tokyo» - 74, «Colombe à Sant Yago» - 80.
A. Voznesensky "Glace - 69".

Le poète dira plus tard de ces vers ainsi :

Oh, quelle gourmande tu étais !
Douleur mélangée comme de la sauce
Dans une romance enchantée
Déjà aspiré la conscience...

b) Appel d'un certain nombre de poètes à l'histoire nationale des siècles passés et au passé préhistorique, au temps des cavernes, au folklore païen, aux révélations mystiques, aux secrets magiques. Le choix des options est énorme: voici les idées des sages tibétains et les médiums actuels dans les vers de V. Sidorov, et les paroles de grande puissance, presque impériales, de S. Kunyaev, les œuvres de Yu. Kuznetsov et d'autres poètes. Avec toute la variété de ces passe-temps et manies mentales, on peut remarquer une chose commune, qu'A. Mezhirov a magnifiquement reflétée dans la vigilance sociale et la puissance poétique dans le poème « Prose en vers » (revue « Change », novembre, décembre 1988) :

Rouler autour du Christ
Cependant, bientôt
Perun a été préféré à Jésus.
Et avec quatre évangiles en litige
Ils pensaient atteindre l'Inde.
Et le sens de cette réjouissance est le même,
Promesse seulement querelle et agitation,
Dans la soif animale d'affirmation de soi,
Dans lequel je m'en veux d'abord.
Qui est passionné d'aryanisme, qui est chamanisme,
Qui est qui en cela voit l'essence,
Juste pour se débarrasser du christianisme
Et rayez deux millénaires.

c) L'image de la Russie, le national russe, le soi-disant esprit russe, le mode de vie, a également augmenté d'une manière particulière et a été présenté dans les vers d'un certain nombre de poètes, en particulier Yu. Kuznetsov. C'est (à son image) une île, également hostile à l'Est et à l'Ouest, s'opposant à tous les orages du monde et aux tempêtes du temps, plongée dans un oubli épique. Le poème "Et j'ai rêvé du rêve tiré par des chevaux de la Russie."

Le poète n'a qu'un seul espoir, que dans ce monde quelqu'un d'autre périra, mais l'indigène sera serré dans un poing.
Y. Kuznetsov "Pensée russe".

III. années 80.

Qu'est-ce qui a nourri, déterminé le vers de la plupart des poètes, qu'est-ce qui a servi de base énergétique à leur créativité ? Mémoire. Le thème principal est la mémoire. Même dans les titres des poèmes, ce mot sonnait.

Et même ce qui est oublié
Vit invisiblement dans l'âme.

A. Zhigulin ("Mon pauvre cerveau, mon esprit fragile...")

Tout le monde s'en souvient, même les plus jeunes. À propos de quoi?

1. Ils se souviennent de la gloire historique de notre peuple. Le 800e anniversaire de la bataille de Koulikovo a suscité une réponse particulièrement amicale.

Il y a des souvenirs poétiques des grands hommes de Russie, des guerriers de l'ancienne Russie, S. Radonezhsky, Ivan le Terrible, Peter I, Stepan Razin, les héros de la bataille de Borodino (I. Shklyarevsky, V. Ustinov, M. Dudin , F. Chuev et autres .)

2. Souvenirs de la Grande Guerre patriotique.

Il y en a surtout beaucoup. Pourquoi? La raison est historique : des décennies n'ont rien effacé de la mémoire. La guerre a montré des exemples du plus haut héroïsme, de la noblesse et en même temps de la bassesse monstrueuse, révélant quelque chose qu'il est criminel d'oublier. Il s'est avéré que ces 1418 jours ont été au cœur du destin de la génération de première ligne, et rien ne pouvait les comparer ni les éclipser. Les jeunes générations, captées à la marge par le désastre militaire, ont trouvé que le fondement de leur système de valeurs civiles et morales est la mémoire du temps de la plus grande épreuve. Bien sûr, les meilleurs vers et poèmes sur le passé sont saturés du sang vivant de ces quelques poètes qui ont fait parler d'eux-mêmes.

Gennady Rusakov. Les poèmes sont imprégnés du motif tragique de l'orphelinat précoce, de l'itinérance, d'un terrible séjour dans un orphelinat.

J'ai passé un bon moment, j'ai bu un verre
Golytba, le successeur de la famille.
Dormi sur la terre de fer
Sous la tutelle d'un grand peuple.
Rusakovs, parents avares !
Répondez - je serai enroué à force de hurler :
"Quelqu'un me trouve
Dans un orphelinat près de Lozova !
Je suis enroué d'avoir pleuré dans des orphelinats,
Je vole en distribuant des rations.
Oh, comme mes poubelles sont rares !
Je me régale de gâteaux pourris...

"Parenté"

Ce motif tragique de solitude unit les poèmes de Rusakov et de ses pairs: I. Shklyarevsky, V. Ustinov, Yu. Kuznetsov. Leurs conclusions d'une expérience amère sont différentes, mais B. Slutsky a raison, notant que la dernière des générations de la guerre est rivée aux terribles impressions de l'enfance, barrées par l'absence de père :

Ils ne se souviennent pas de la guerre.
La guerre n'est que dans leur sang,
Au fond de l'hémoglobine
Dans le cadre des os de non solides ...

"La Dernière Génération".

V. Ustinov "Quand le père est mort derrière la pierre rouge ..."
Y. Kuznetsov "Père marchait ..."

Le père marchait. Mon père a marché indemne à travers un champ de mines.
Transformé en fumée tourbillonnante - pas de tombe, pas de douleur.
Chaque fois que sa mère l'attend, -
À travers champs et terres arables
Une colonne de poussière tourbillonnante erre
Solitaire et effrayant.

Ce sentiment de solitude vous fait chercher une couchette. Il y avait un culte de la famille auquel s'accrocher. La seule issue est dans le sentiment de connexion du sang avec tous les vivants et avec ceux qui sont déjà sur la terre.

G. Rusakov "Et je suis Ivan, qui ne se souvient pas de la parenté ..."

C'est ainsi que se révèle le pouvoir destructeur de la guerre. Elle est aussi incontournable dans la mémoire de ces poètes qui ont traversé la guerre.

Ce sont Y. Voronov (qui a écrit sur le siège de Leningrad), D. Samoilov, qui a essayé de s'interdire de se souvenir, mais n'a pas pu. C'est Y. Levitansky, qui s'est également exclamé: «J'ai presque oublié tout cela. // Je veux oublier tout cela », mais a trouvé, comme tous les poètes de la génération du front : « Je ne participe pas à la guerre - elle participe à moi. (Le poème "Eh bien, et si j'étais là").

Les images de la guerre sont mises en valeur de différentes manières par M. Dudin, K. Vanshenkin, Yu. Drunina et d'autres.

Mais même parmi ces noms glorieux, Yuri Belash attire l'attention.

C'est un artiste qui n'est venu à la littérature qu'à l'âge de 50 ans. Ses poèmes étonnent par la densité des signes de la vie de première ligne, la capacité unique de ne pas détourner le regard des détails cruels de la guerre. Est-il nécessaire d'écrire sur la guerre comme ça ? Il est convaincu qu'il est nécessaire de faire comprendre à tous combien il était difficile de garder une âme vivante en soi pendant la guerre.

Les poèmes sur la guerre sont des poèmes sur la vie, non divisibles en paix et guerre, selon A. Mezhirov, c'est un pont invisible mais solide du passé au présent dans les jours à venir.

Le souvenir de la guerre, ainsi que d'autres graves épreuves nationales, nous fait penser à la vie, pas à la mort, à sa plus grande fragilité, à la manière d'empêcher un éventuel massacre mondial, à la manière d'écarter la menace d'autodestruction de l'humanité.

3. Le thème de la mémoire des terribles années de répression, des horreurs de la guerre civile fratricide, des années de peur de l'autre, d'espionnage, etc. Les pages sombres et terribles de notre histoire sont apparues aux lecteurs dans la poésie après le XXe Congrès. Ce sont les poèmes prophétiques d'Osip Mandelstam, défendant les valeurs humaines, écrits pas plus tard, mais au milieu d'une terrible tempête de neige. "The Age of the Wolfhound", il a donné une telle définition du temps.

C'est "Requiem" d'Anna Akhmatova où le tourment humain s'exprime dans un style hautement poétique.

C'est À. Tvardovsky et son poème "Par le droit de la mémoire" avec une étude approfondie du stalinisme, son essence paralysante.

Ya. Smelyakov "Pardessus".

V. Kornilov. Poèmes amers sur N. Gumilyov comme un souvenir de ces poètes alors soumis à la répression.

Les vers de ceux qui ont vécu en liberté pendant ces décennies, mais à qui les spectacles de représailles contre les poètes et les artistes ont été retirés d'une âme vivante, ont un pouvoir accusateur particulier. C'était une vie parmi les mensonges et l'hypocrisie, parmi l'incrédulité et le désespoir, la divergence des paroles et des actes, conduisant à l'indifférence et à l'indifférence, au marécage spirituel de toute une génération.

Ce sont des poèmes de B. Slutsky, O. Bergholz et d'autres (magazine Znamya n ° 8, 1987).

Le salut des poètes du XXe siècle a toujours été les classiques.

B. Slutsky "Romans du programme scolaire."

Loin de tout Parnasse,
Du petit tapage
Avec moi à nouveau Nekrasov
Et Afanasy Fet.

V. Sokolov.

Littérature:

1. I. Grinberg "Les voies de la poésie soviétique". -M., " Fiction", 1968.
2. P. Vykhodtsev "Poètes et Temps". -M., "Fiction", 1976.
3. V. Ivanisenko « La poésie, la vie, l'homme. À propos des paroles. -M., "L'écrivain soviétique", 1982.
4. S. Kunyaev «Poésie. Sort. Russie". -M., "Notre contemporain", 2001.

V.N. Barakov

Poésie des années 60

La plupart des chercheurs croyaient et croient encore qu'au tournant des années 50-60 commençait une nouvelle étape dans l'histoire de la poésie, associée à des changements sociaux : avec la mise à nu du culte de la personnalité et le « dégel » qui l'a suivi. La littérature, après une courte pause, a réagi à ces événements par une explosion d'activité créatrice. Une sorte de "carte de visite" de cette époque était le poème de A. Tvardovsky "Au-delà de la distance - distance" (1953-1960), en même temps B. Pasternak créait un cycle de poèmes "Quand ça s'éclaircit" (1956-1959 ), les recueils de N. Zabolotsky ont été publiés: "Poèmes" (1957) et "Poèmes" (1959); E. Evtushenko: "Autoroute des passionnés" (1956); V. Sokolova: "L'herbe sous la neige" (1958). L'amour national pour la poésie est "un signe du milieu des années cinquante : des almanachs littéraires ont été publiés dans presque toutes les villes régionales". (386, p. 80). La "réhabilitation" de S. Yesenin y a joué un grand rôle : "La mémoire du peuple et du temps a levé l'interdiction du nom du poète. Et c'était comme si un barrage s'était rompu !" (386, p. 82). Voici ce que N. Rubtsov a écrit à propos de S. Yesenin à cette époque (il cherchait des traces du séjour du poète à Mourmansk): "Quoi qu'il en soit, je m'en souviendrai toujours. Et il m'est impossible d'oublier quoi que ce soit de Yesenin. ” (386, p. 83).

Les années 1960 ont été une période de prospérité pour la poésie soviétique. L'attention portée à elle est exceptionnellement grande. Les livres d'E. Yevtushenko sont publiés: "Tenderness" (1962), "White Snows Are Falling" (1969), son poème "Babi Yar" (1961) et le poème "Stalin's Heirs" (1962) ont acquis une renommée particulière; la gloire d'A. Voznesensky grandit (Sb. "Antimirs", 1964, etc.). "Deuxième vent" s'ouvre et "maîtres" reconnus: "Lad" (1961-1963) N. Aseeva, "Once Tomorrow" (1962-1964) S. Kirsanov, "Post-War Poems" (1962) A. Tvardovsky, " Birthright "(1965) L. Martynov, "Conscience" (1961) et "Pieds nus sur le sol" (1965) A. Yashin, "Jour de la Russie" (1967) Y. Smelyakova. Le recueil final d'A. Akhmatova "The Run of Time" (1965) est publié.

Les paroles "fortes" et "silencieuses" deviennent non seulement un phénomène littéraire, mais acquièrent également une signification sociale. Les poètes "calmes" et "bruyants" publient de nombreux recueils qui ne passent pas inaperçus. Dans la première moitié des années 60, la "variété" bat tous les records de popularité. Les soirées au Musée polytechnique, auxquelles participent A. Voznesensky, E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, font salle comble. Le publicisme ouvert des « artistes pop » dépassait alors déjà toutes les limites. Même dans ses poèmes consacrés au passé ("Longjumeau" d'A. Voznesensky, "Université de Kazan" d'E. Yevtushenko, etc.), il y avait peu d'histoire proprement dite. D'autre part, il y a eu de nombreuses tentatives pour "l'adapter" aux besoins d'aujourd'hui, sans trop se soucier de la vérité historique. Leur autre "péché" était une passion débridée pour l'expérimentation. Au début des années soixante, ce passe-temps était répandu non seulement parmi les poètes, mais aussi parmi les musiciens, les artistes et les architectes. Soit dit en passant, même N. Rubtsov a survécu, quoique de courte durée, à une période de "création de mots" - en voici un exemple:

Sax fox haché, le sol tremblait
Des pieds fous.
mec
au bar à cocktails
Et ordonna rock (906, C 125)

Il n'y avait rien de mal à tout cela, c'était juste des douleurs de croissance. Ainsi, A. Voznesensky a construit ses déclarations à partir du grotesque, de nombreuses hyperboles et abstractions. Toutes ses trouvailles vraiment merveilleuses ("Je suis content d'être russe, je le vois comme ça, je vis comme ça, et je mâche l'air comme un morceau de pain givré") se sont perdues sous un tas de constructions verbales .

La véritable erreur des poètes de la direction "pop" a été la glorification imprudente de l'ère de la révolution scientifique et technologique. La technique n'a pas porté et ne pouvait pas porter de valeurs spirituelles aux gens, mais elle a contribué à les détruire. La seule chose qu'on pouvait faire à l'artiste de la parole était de l'ennoblir, de l'humaniser, de souffrir enfin ("J'ai souffert comme une infection, Amour pour grandes villes", - a écrit Rubtsov). Sur cette voie, des échecs francs guettaient les poètes: "Je t'aime avec un tramway rouillé" (V. Sokolov), mais il n'y avait pas d'autre issue, toute autre voie conduisait à l'éclectisme1

La « culpabilité » des « travailleurs de la variété » était que, dans la poursuite du « malgré le jour », ils perdaient l'éternel, le durable. .) restaient dans la « minorité » - le poète recherchait l'échelle (hélas, seulement ), pour une compréhension historique de l'histoire (les poèmes "Bratskaya HPP", "Université de Kazan") et surtout - pour le publicisme, "courir après les faits de la réalité . Il est le poète de la « photographie instantanée » de la vie. C'est le "secret" de l'attractivité de ses vers d'actualité, qui s'accordent avec ses aphorismes, qui peuvent affecter la conscience, attirer l'attention sur tel ou tel fait. Mais pas plus. Il n'y a pas ici de profondeur de compréhension poétique de ces faits, car le poète les voit uniquement avec « l'œil » de l'auteur. Mais loin du monde entier vit, pense et voit à la manière d'Evtushenkov. C'est aussi le « secret » de la fragilité, voire de la valeur informative de ses slogans poétiques, appels et révélations lyriques (589, p. 184-185), écrivent P. Weil et A. Genis. - Pas demain, pas pour demain, mais maintenant et pour maintenant. Khrouchtchev, avec une frivolité poétique, a résolu tous les problèmes en plantant du maïs, et Yevtushenko était déjà pressé de le suivre :

Le monde entier est un épi de maïs
croquant aux dents !

Tous deux étaient des compagnons d'armes et co-auteurs - le poète réformateur Khrouchtchev et le poète-héraut Yevtushenko. l'œuvre pathétique de R. Rozhdestvensky (poèmes "Requiem", "Lettre au 30e siècle"). R. Rozhdestvensky travaillé beaucoup et fructueusement en tant qu'auteur-compositeur.Cependant, les poètes "variétés" des années 50 et 60 ont contribué et vraiment pas encore apprécié) contribution au renouvellement du vers, ils ont largement utilisé des "irrégularités imaginaires" (Yu. Mineralov), assonance et des rimes racines, des métaphores complexes, des associations et d'autres moyens de représentation.

Dans ces années-là, la soi-disant "chanson d'auteur" est devenue une véritable "découverte du genre". L'intimité originelle du spectacle à l'époque du caractère de masse soviétique l'a relégué au second plan de la culture officielle, mais pas dans le cœur des gens. Les chants des années de guerre en sont la confirmation la plus frappante. Soit dit en passant, la première "chanson d'auteur" est apparue en 1941 ("À propos de mon ami artiste" de M. Ancharov). Depuis la seconde moitié des années 50, les chansons de M. Ancharov, Y. Vizbor, A. Galich, A. Gorodnitsky, A. Dulov, Y. Kim, N. Matveeva, B. Okudzhava, A. Yakusheva et d'autres "bardes " ont rencontré un énorme succès, notamment auprès des jeunes. L'apogée de la "chanson d'auteur" est tombée dans les années 60 - 70. Leurs connotations sociales étaient claires pour tout le monde. Le plus important de cette série est sans aucun doute l'œuvre de V. Vysotsky. Il devient « un poète du nouveau nationalisme russe » (P. Weil et A. Genis). "Le héros de ses chansons oppose à l'empire sa conscience nationale nue et douloureuse. Vysotsky, qui a remplacé Yevtushenko comme commentateur de l'époque à la fin des années 60, ouvre le thème du russisme hypertrophié. L'antithèse de l'empire dépersonnalisé et standardisé devient une âme spécifiquement russe, que Vysotsky décrit comme combinant des extrêmes extrêmes. » (379, p. 290-291).

Parmi les poètes des années 60 - 80, Vysotsky et Rubtsov jouissent d'une véritable popularité, non imposée "d'en haut". Il existe une vaste bibliographie d'œuvres d'auteurs et de publications sur leur vie et leur travail, de plus en plus de musées et de monuments s'ouvrent, des livres, des journaux, des almanachs, des magazines qui leur sont dédiés sont publiés ("Vagant" à Moscou et "Nikolai Rubtsov" à St .Petersbourg); vit aussi une critique littéraire "amateur" spéciale, créée par les plus vrais "fans" de leur poésie.

N. Rubtsov et V. Vysotsky sont des personnes de la même génération des "sixties", leurs meilleures œuvres ont été écrites à la fin des années 60: "Banka in white" (1968), "Hunting for wolves" (1968), "He did pas revenir de combat "(1969)," Je n'aime pas "(1969) - avec Vysotsky et" Jusqu'à la fin "(1968)," Par la route floue "(1968)," Sous les branches de bouleaux hospitaliers . .." (1969), "Train "(1969) - à Rubtsov. Au milieu des années 60, Nikolai Rubtsov, avec d'autres étudiants de l'Institut littéraire, s'est rendu au théâtre Taganka. Un jour, après la représentation, une rencontre de futurs poètes et prosateurs avec des acteurs, dont Vysotsky, a eu lieu dans les coulisses. N. Rubtsov aimait écouter les chansons de Vladimir Semenovich, après la mort de Rubtsov en 1971 à Vologda, des cassettes avec les enregistrements du barde ont été retrouvées parmi ses effets personnels. Plus tard, l'écrivain German Alexandrov a rappelé: "Une autre fois, quand je suis venu à Nikolai le soir, il était assis par terre, il y avait un joueur juste à côté de lui, les chansons de Vysotsky sonnaient. Il a joué l'un d'eux encore et encore, écoutant attentivement les mêmes mots, puis a demandé :

Serais-tu capable de?

Et comme s'il se répondait lui-même: - Je ne le ferais probablement pas ... "(386, p. 266). Vysotsky était en dehors de la poésie "soviétique", Rubtsov y était toujours, mais avec de grandes réserves.

L'un des thèmes principaux de V. Vysotsky était le thème d'une "petite" personne, et le sous-texte social de ses paroles était à bien des égards similaire à un sous-texte similaire dans la poésie de N. Rubtsov. Ils étaient unis par la douleur commune, la tragédie (en particulier, le conflit tragique entre les autorités et l'individu) et l'orientation vers un certain lecteur (auditeur) « du peuple ». "Vysotsky", écrit V. Bondarenko, "est le sol de la caserne, son sol est la" limite "des années 70, les habitants du Khrouchtchev, Arkharovtsy des colonies de type urbain. Bien que faibles - contrairement aux paysans - mais les vivants racines d'un peuple vivant." (375, p. 68).

L'appel à la vie populaire mène inévitablement au folklore. Vladimir Vysotsky, s'appuyant sur la chanson folklorique, a introduit un contenu social élargi dans son thème traditionnel, repoussé les limites de la langue poétique des paroles russes, utilisant largement le vocabulaire familier et argotique. V. Vysotsky a introduit dans la circulation artistique ceux considérés comme "obscènes" dans la poésie genres folkloriques Les chansons "voleurs" et "prison", romance cruelle, ont créé leurs nouvelles variétés: une chanson chronique, une chanson monologue de jeu de rôle, une chanson de dialogue, une chanson de fable. Les genres préférés de Vysotsky étaient, en plus de la chanson "voleurs" et de la romance "cruelle", c'est-à-dire genres du folklore urbain, et chanson lyrique, ballade, conte de fées. Mais les personnages traditionnels des contes de fées, par exemple, Vysotsky ont modernisé - Baba Yaga, le Serpent Gorynych et d'autres ont parodié certains phénomènes sociaux.

N. Rubtsov s'est tourné vers le folklore des "voleurs" dans ses premières paroles :

Combien de vodka a été bue !
Combien de verres ont été cassés !
Combien d'argent a été coupé!
Combien de femmes sont abandonnées !
Quelque part des enfants pleuraient...
Quelque part, les Finlandais ont tinté ...

Oh, sivukha sivukha !
La vie était... belle !
("Vacances au village")

Mais dans son travail de maturité, Rubtsov s'est principalement concentré sur le genre de la chanson lyrique "paysanne" et les genres classiques, par exemple l'élégie.

L'introduction de proverbes, de dictons dans le texte littéraire, l'utilisation d'épithètes folkloriques, l'ironie (dans les premiers travaux), le parallélisme des chansons et l'utilisation généralisée du vocabulaire familier étaient courantes dans le style de Rubtsov et Vysotsky. Mais N. Rubtsov a rarement utilisé, contrairement à V. Vysotsky, la satire et la parodie, pas de fiction sociale.

Tant dans la poésie de Vysotsky que dans les paroles de Rubtsov, certaines images et idées mythologiques se reflètent, leur pensée artistique se caractérise par une sorte de mythologisme. Tout d'abord, il s'est exprimé dans le transfert de l'ancien système d'oppositions binaires (haut - bas, blanc - noir, Ouest - Est, etc.) dans le texte, ainsi que dans le symbolisme des significations de nombreuses images de leur poésie, y compris les communes. Ainsi, le navire dans les vers de Vysotsky est un moyen de traverser vers un autre monde ; Le bateau de Rubtsov est un symbole d'amour perdu, d'espoirs non réalisés et, finalement, de mort ; le cheval des deux symbolise la tragédie du temps et du destin. Par exemple, dans Vysotsky, nous lisons :

Mais ici le destin et le temps étaient montés sur des chevaux,
Et là - au galop, sous des balles dans le front...

Rubtsov en parlait plus doucement, élégiaquement : "Je galoperai sur les collines de ma patrie endormie..." Les deux poètes sont unis par un désir commun d'utiliser le vocabulaire et la phraséologie bibliques, bien que cela ne détermine pas leur style. L'une des composantes de leur imagerie poétique est la mythologie slave et mondiale et le folklore russe, mais les images symboliques de la poésie de Vysotsky ne sont pas si nombreuses et ne correspondent pas toujours aux significations mythologiques et folkloriques, alors que chez Rubtsov, elles sont devenues la base de son système figuratif.

Dans la seconde moitié des années 1960, la poésie souterraine "samizdat" d'une culture "non officielle" ou "parallèle" a commencé à se développer en URSS. Cette poésie était vouée à la persécution et à l'obscurité : « L'esprit de la culture souterraine est comme une première lumière apostolique » (V. Krivulin). Les groupes suivants étaient largement connus (dans un cercle étroit): SMOG (Courage Thought Image Depth ou The Youngest Society of Geniuses) - il est né au milieu des années 60 à Moscou, il comprenait V. Aleinikov, L. Gubanov, Yu. Kublanovsky et autres.; Groupe poétique Lianozovsky (V. Nekrasov, Ya. Satunovsky, V. Nemukhin, B. Sveshnikov, N. Vechtomov et autres); École de Leningrad (G. Gorbovsky, V. Uflyand, A. Naiman, D. Bobyshev, I. Brodsky et autres); groupe "Concrete" (V. Bakhchanyan, I. Kholin, G. Sapgir, Ya. Satunovsky et autres).

En 1991, M. Eisenberg, dans l'article "Quelques autres..." ("Théâtre", n° 4), a fait la première tentative pour décrire complètement le cheminement de la poésie non officielle au cours des dernières décennies. Il énumère de nombreux noms, mais il n'est pas possible de tous les citer, d'autant plus que beaucoup sont ensuite passés d'un groupe ou d'une école à l'autre.

Le plus grand personnage de cette liste est I. Brodsky. Bien que son véritable prédécesseur "doit être considéré comme l'une des figures les plus mystérieuses de la" culture parallèle "- Stanislav Krasovitsky. Une analyse des poèmes de Krasovitsky nous permet de conclure que c'est lui qui fut le premier des poètes de sa génération à " changer alliés », c'est-à-dire qu'il ne s'est pas tourné vers l'expérience russe traditionnelle de la poésie française et allemande, mais vers l'expérience de la poésie anglaise, impliquant la « vision » des choses déclarée plus tard par Brodsky. (470, p. 6). Au printemps 1960, Anna Akhmatova "parla de l'épanouissement sans précédent de la poésie, comparable, peut-être, seulement au début de notre siècle. "Je peux nommer - ce sont ses vrais mots - au moins dix poètes de la jeune génération, non inférieur au niveau élevé de "l'âge d'argent". Voici leurs noms: Stanislav Krasovitsky, Valentin Khromov, Genrikh Sapgir et Igor Kholin à Moscou, et à Leningrad - Mikhail Eremin, Vladimir Uflyand, Alexander Kushner, Gleb Gorbovsky, Evgeny Rein et Anatoly Naiman. "(769, p. 187). Stanislav Krasovitsky était le premier sur cette liste, et ce n'est pas un hasard si, au cours des cinq années de son travail, lui, chef de file reconnu de la poésie "non reconnue", "a jeté les bases d'un nouveau langage poétique, d'un nouveau regard sur la place de homme dans le monde. » (769). Mikhaïl Aizenberg se souvient : « Je sais que beaucoup le considéraient comme un poète de génie. Il est difficile d'appliquer de telles épithètes aux contemporains, mais il est difficile de reprocher aux premiers lecteurs une exaltation excessive. Les poèmes de Krasovitsky sont étonnants même maintenant, mais il semblait alors qu'ils tombaient du ciel..." (659). manuscrits brûlés, maudit son travail, considérant cette occupation immorale et, quittant Moscou et sa carrière, se rendit dans un village reculé, conseillant à ses amis de faire de même. Ce n'est qu'au milieu des années 80 que Krasovitsky est revenu à la poésie (mais pas à Moscou) en tant qu'auteur religieux du contenu des poèmes.

En exil, Brodsky et Rubtsov écrivent énormément (I. Brodsky éprouve à cette époque une passion à court terme pour le folklore russe), travaillent, voyagent parfois dans les villes pour affaires (selon certains rapports, Brodsky est allé à Vologda cette année-là ( 767)). Et les coïncidences continuent !

"Brodsky a son propre destin, et Rubtsov a le sien", écrit N. Konyaev. "Il n'est pas nécessaire de les rapprocher de force, mais il est toujours étonnant de voir à quel point le modèle de ces destins coïncide. Les mêmes dates, des peines similaires, sensations similaires. Même la géographie et ça correspond presque. (459, p. 126).

Différentes sources ont nourri le travail de ces poètes (Brodsky - la tradition anglo-américaine et les classiques russes, Rubtsov - le folklore et les traditions classiques), ils se sont déplacés dans des directions différentes, d'autant plus frappantes ne sont pas seulement (et pas tant) géographiques et chronologiques coïncidences (comme si le destin comparait leurs horloges de vie), mais la convergence est avant tout poétique. Commun dans leur travail était : 1) le motif de la solitude, le motif du sommeil, comme la mort ; 2) la structure emphatiquement dialogique des paroles ; 3) le développement des genres élégiaques: "Great Elegy to D. Donnu" (1963), "New Stanzas for August" (1964), "Letter in a Bottle" (1964) - de Brodsky et "I will ride ... " (1963) , "Masts" (1964), "Études d'automne" (1965) - avec Rubtsov. La chose la plus importante dans la poésie de Brodsky et Rubtsov est une attitude commune, une confession, une fidélité au vers classique.

P. Weil et A. Genis appellent Brodsky Ovide, un exilé : « Exilé du temps et de l'espace réels » ( héros lyrique Rubtsov - "jeunesse inconnue". - V.B.), mais "la vision du monde du Brodsky "romain" est toujours une vue de la province, du bord de l'écoumène, d'un lieu dont les coordonnées géographiques et culturelles sont insignifiantes." (379, p. 289). Pour Rubtsov, c'est la Russie (une chose commune pour eux était le rejet du temps, mais pas de l'espace).

Pour les héros de Dostoïevski, les concepts de « partir » (vers l'Amérique) et de « périr » étaient synonymes. I. Brodsky, ayant quitté la Russie, a rompu non seulement avec la tradition nationale. La rupture avec la patrie était plus significative, son attitude ultérieure à son égard (avant les appels à bombarder non seulement la Serbie, mais aussi la Russie, refusant avec défi de rencontrer des écrivains démocrates russes, ignorant consciemment toutes les invitations à visiter Saint-Pétersbourg) est devenue douloureuse. Peut-être, derrière cette "haine" y avait-il un amour invaincu et une peur de se l'avouer ? De plus, à l'étranger, I. Brodsky s'est constamment tourné vers les œuvres écrites en Russie comme sources de nouveaux contenus. Par exemple, "Part of Speech" est enraciné dans "Songs of a Happy Winter", "Autumn Cry of a Hawk" découle de "Great Elegy to J. Donne", "Marble" - de "Gorbunov and Gorchakov". V. Kulle appelle le chemin de Brodsky "le destin idéal du "poète-exil", "stoïcien et cosmopolite" (470, p. 1). Le chemin de Rubtsov, "un étranger dans son pays", "stoïcien et sol " était tout aussi " idéal " et tragique. Et le fait que des poètes si différents dans les années 60 aient eu une vision du monde similaire en dit long.

Dans la seconde moitié des années 60, les paroles "calmes" dominaient la poésie: A. Zhigulin (Coll. "Polar Flowers" (1966)); V. Kazantsev ("Glades of Light" (1968)); A. Peredreev ("Retour" (1972)); A. Prasolov ("Terre et Zénith" (1968); V. Sokolov ("Neige en septembre" (1968)) et autres. En 1967, le célèbre livre de N. Rubtsov "L'étoile des champs" a été publié. ma patrie" et a donné aux critiques des raisons d'appeler la direction poétique des paroles "silencieuses". Il a attiré l'attention par une analyse approfondie de l'âme humaine, un appel à l'expérience de la poésie classique. V. Sokolov, par exemple, l'a déclaré clairement et définitivement : "Nekrasov et Afanasy Fet sont de nouveau avec moi ". Le psychologisme subtil, combiné au paysage, était caractéristique non seulement des paroles de V. Sokolov, mais à bien des égards, il était en avance sur d'autres poètes "calmes" ici, ne serait-ce que parce que dans Dans les années 50, il publie un recueil d'excellents poèmes ("L'herbe sous la neige" (1958)).

En 1974, V. Akatkin a posé une question rhétorique: «Ce fait n'est-il pas une réfutation du schéma mécanique du mouvement de la poésie en tant que simple remplacement de« fort »« silencieux », y a-t-il une indication de l'unité (soulignée par moi . - V. B.) des processus qui s'y déroulent ?" (660, p. 41).

Les poètes "calmes" et "bruyants" ont objectivement élevé la poésie russe à un nouveau niveau artistique. La signification des paroles « tranquilles » a déjà été mentionnée plus haut, alors que les « artistes pop » non seulement « ont élargi la gamme des moyens et des techniques artistiques » (644, p. 30), mais ont également exprimé, bien que superficiellement, ces humeurs, aspirations et espère que vivaient aussi des gens à cette époque.

Une compréhension trop étroite du développement de la poésie dans les années 60 comme une lutte entre deux tendances a longtemps été rejetée par les critiques littéraires (V. Obaturov, A. Pavlovsky, A. Pikach et autres). En effet, dans ces années, non seulement chez les poètes tombés dans le clip «calme», mais aussi dans toute la direction «terre», une approche historique est fermement établie dans la compréhension artistique de la réalité, le désir de comprendre national et origines sociales modernité, il y a une fusion organique de ces deux principes. Toute une constellation de noms poétiques a donné naissance à une génération qui s'est largement fait connaître au cours de ces années.

A la fin des années 60, les poètes de ce courant "seront de plus en plus réunis sous l'appellation conditionnelle et imprécise de "poètes de village". Cela signifiait à la fois leur origine et leur attachement au thème de la nature et de la campagne, ainsi qu'un certain choix de traditions venant de Koltsov et Nekrasov à Yesenin et Tvardovsky.Simultanément au terme de poètes «villageois», le terme «poésie silencieuse» est apparu, ce qui a permis d'inclure à la fois les poètes «villageois» et «urbains», mais similaires à le premier dans l'attention au monde naturel, ainsi que dans le registre d'une voix poétique, évitant les tons forts et enclin au timbre élégiaque, à la simplicité du son et à la discrétion du mot. Il faut dire en même temps que l'attention au monde naturel des poètes les plus talentueux de cette tendance ne se limitait pas à la représentation poétique, mais, en règle générale, était imprégné d'un début spirituel et philosophique intense, c'est-à-dire consciemment ou non, mais avait, pour ainsi dire, un caractère conceptuel. "( 444, p. 207).

A partir de 1965, la poésie est saisie par le "refroidissement général" (I. Shaitanov), mais surtout, l'idée unificatrice supranationale elle-même connaît une crise : "le but commun est de construire le communisme" (P. Weil, A. Genis) - a été discrédité, "le pôle d'unification a été situé rétrospectivement - dans le passé russe (pas dans le passé, mais dans les valeurs éternelles ​​​​de ce passé. - V.B.) Le chemin vers celui-ci s'est fait progressivement, loin du pression cosmopolite du début des années 60. Après l'élimination de l'occidentalisateur Khrouchtchev, cette voie s'est avérée être un pilier ... Se tourner vers les racines est devenu une réaction naturelle à la crise de l'idéologie libérale ... Le peuple soviétique - une blessure communautaire autour du cœur d'une idée et d'un objectif communs - stratifiés en nations. (379, p. 236-237). Chez les Russes d'URSS, le pochvenisme s'est manifesté dans le cinéma (Andrei Rublev par A. Tarkovsky), dans la peinture (I. Glazunov, K. Vasiliev), dans la musique (G. Sviridov) et dans un intérêt général pour l'histoire (œuvres de D. .S. Likhachev, la préservation des monuments antiques, l'épanouissement du roman historique), mais surtout dans la "grande littérature" (prose et poésie "villageoises"). La popularité des poètes "du sol" n'était pas très inférieure à la popularité des "artistes de variétés". Ainsi, le destin créatif de Boris Primerov s'est développé - "vous ne pouvez pas en imaginer un meilleur: ses performances à l'École polytechnique, au théâtre de variétés, dans la grande salle de la Maison centrale des écrivains ont provoqué des tempêtes d'applaudissements. Ses poèmes ont été lus de la scène, à la radio. Parmi les lecteurs se trouvait le merveilleux artiste Dmitry Zhuravlev. La créativité et le destin Sholokhov s'intéressait au jeune poète, comme A. Kalinin en a témoigné sur les pages d'Ogonyok.Dans le dortoir de l'Institut littéraire Gorki, d'autres étudiants accroché une banderole ludique, mais non dénuée de sens: "En poésie, Boris Primerov est un exemple pour nous!" (803, p. 164). Le gouvernement français l'a invité dans leur pays en tant que "poète national original de la Russie" , le visage de Primerov a servi de prototype pour les portraits d'Ilya Glazunov "Icare russe" et "Boris Godunov". Il a été reconnu comme "l'un des leaders" de la jeune poésie , il a été considéré. Lors d'une soirée à la Maison de Pionniers au début des années 60, les exemples ont dit quelque chose à propos de Dieu ... Bientôt Suslov lui-même l'a appelé "sur le tapis". Le poète a été sauvé par l'ingéniosité: "S'il n'y a pas de Dieu, pourquoi es-tu alors est-ce que tu le combats ?"

Dans la seconde moitié des années 1960, en raison de la crise idéologique, "un système de valeurs plus efficace était objectivement nécessaire. Dieu est devenu une nécessité urgente, et ils l'ont trouvé ... - en Russie, parmi le peuple, dans l'orthodoxie ." (379, p. 267). Au début, il n'y avait pas de profondeur, en particulier parmi l'intelligentsia: "Le livre de V. Soloukhin" Black Boards "expliquait que collectionner des antiquités signifie" collecter l'âme du peuple. "Un nouveau passe-temps a conquis le pays. Icônes ou rouets, chaussures libériennes ou coffres, fers à cheval ou pots - quelque chose "Bien que Soloukhin lui-même n'ait pas appelé à la recherche de Dieu, très vite l'intérêt pour la vie paysanne s'est associé à une passion pour la foi populaire. L'orthodoxie de la vie quotidienne paysanne pré-révolutionnaire est arrivée à l'intelligentsia avec l'icône et la lampe." (379, p. 268). La littérature, "qui a mis au premier plan Matryona Soljenitsyne au lieu de Pavka Korchagin, bien sûr, n'est pas devenue chrétienne, mais a préparé le terrain pour ce qu'on a appelé plus tard un renouveau religieux". (379, p. 272). De plus, ce n'était pas l'intelligentsia qui était à l'origine de ce phénomène, "cette vérité existait, se trouvait dans les couches profondes, se cachait dans la partie sous-marine de l'iceberg avant que les années soixante ne la comprennent..." (671, p. 336 ). Valentin Raspoutine se souvient : « C'était un retour naturel sur le sol russe, coïncidant justement avec la mort du vieux village. » (888). Et donc il n'était plus possible de s'opposer ouvertement à ce processus. Ce n'est pas un hasard si A. Yakovlev, après avoir condamné « l'idéalisation de la paysannerie » dans la poésie, a été immédiatement contraint de faire une réserve : « Le sentiment d'amour de la terre, inhérent à la paysannerie ouvrière, nous est cher. nature indigène, un sens de la communauté dans le travail, la réactivité aux besoins des autres ... Nous condamnons tout autant la négligence cosmopolite des traditions folkloriques. "(986, p. 4). Mais alors, sur quoi portait le différend? Yakovlev dans ce long l'article n'a fait allusion qu'une seule fois: "Dans de nombreux versets, nous rencontrons le chant des églises et des icônes, et c'est loin d'être une question poétique. "(986, p. 4). aucun des deux côtés n'a été résolu, d'autant plus que le "sous-texte" lui-même était compris plus intuitivement que consciemment et ardent attrait pour nos riches traditions ? Probablement, cela a ses propres raisons, mais déjà purement internes, mûrissant sous terre, imperceptiblement, mais aussi irrésistiblement ... Il y a une mode pour le passé, et il y a un intérêt vif et vivifiant pour la Patrie, venant "de la besoins profonds de notre temps." (851, p. 19). Le "chiffre par défaut" était ici plus qu'éloquent, mais tout s'est à nouveau décidé sur un plan subjectif. Cependant, le mot a été trouvé comme symbole chiffré: "Spiritualité ... Il semble que nos jours le renvoient à nouveau dans le système, estimant (soulignement ajouté par moi. - V.B.) qu'il vaut mieux déterminer l'ensemble mental et moral la vie d'une personne que son pendant à la mode, « l'intellectualité » (765, p. 207). Le lecteur « déchiffre » rapidement le sens de ce mot, recevant non seulement un plaisir esthétique : « Le contenu intérieur de l'œuvre d'Ésope est une catharsis vécue par le lecteur comme une victoire sur le pouvoir répressif." (483 , p. 5) Tous ces changements étaient si graves que même les poètes "soviétiques" reconnus ne pouvaient s'en passer, par exemple, le représentant des paroles "de front" S. Orlov

Sergei Orlov est surtout connu comme l'auteur de poèmes sincères et de poèmes sur la guerre. Le thème de la "ligne de front" est sans aucun doute le principal de son œuvre, cependant, tant les œuvres des années de guerre que les poèmes écrits dans les années d'après-guerre "ont presque toujours différé dans l'échelle de la pensée et du sentiment poétiques ... cela n'a pas ne pas les priver du concret réaliste, de la sobriété du regard, du sol terrestre "(432, p. 65). En 1945, dans sa ville natale de Belozersk, Orlov, démobilisé après une blessure grave, créa un cycle poétique dont le motif principal était le motif de retour, traditionnel en paroles russes (st-I "Le village de Gora", "Le nuage pris pendant un mois...", "Automne", "Nord lumineux, forêt dense..." etc.). Mais le poète voyait pour l'instant la Russie rurale provinciale à la lumière des paroles de Blok :

Au cours des décennies suivantes, Sergei Orlov, avec toute la diversité de genre et de thématique de son travail, a cherché l'inspiration dans l'amour pour sa terre natale, réalisant que l'amour pour la terre est "une tradition dont les racines poétiques se perdent dans la brume des distances historiques" (174, vol. 2, p. 207). Des paroles habituelles du paysage (st-I 1961 : « Paysage », « Ça se passe comme ça : le printemps est déjà arrivé… », « Printemps », etc.) il est passé à une compréhension lyrique de l'histoire de la Russie (« Tales of Dionysius", 1962), pour comprendre ses découvertes philosophiques à grande échelle dirigées vers l'espace.

"Je suis toujours ton fils, le village..." a avoué le poète, et bien qu'il se soit perdu dans les troubles du 20e siècle ("Mon village n'est plus..."), il a trouvé la poésie dans son pays.

Dans la seconde moitié des années 60 - la première moitié des années 70, S. Orlov ne pouvait plus ignorer les nouveaux courants poétiques, notamment l'expérience des "paroles silencieuses", qui s'opposaient à la destruction du mode rural.

La plupart des poèmes de cette période ont été écrits dans le genre de l'élégie ("Les oiseaux volent vers le sud sous le ciel...", "Comme si les anciens royaumes étaient une relique...", "Adieu à l'été", etc.) . Ces élégies sont devenues la base du dernier recueil poétique de S. Orlov - "White Lake" (1975). Le poème central du recueil : "Aujourd'hui je rêve de ma terre natale la nuit..." (1975) est symbolique, de nombreuses significations peuvent être distinguées de son sous-texte : à la fois le résultat de la vie du poète, et l'immense tragédie qui s'est abattue la Russie rurale (et pas seulement rurale), et une conclusion philosophique, etc. Il s'agit du village de Meghra, la patrie du parolier, inondée par les eaux d'un des innombrables réservoirs géants. La méthode mythologique de création d'une situation symbolique attire également l'attention: le héros lyrique dans un rêve revient au village disparu, et pourtant dans la mythologie mondiale, on croyait que l'âme d'une personne endormie quittait le corps et visitait ses lieux d'origine. Les mêmes origines anciennes se retrouvent dans l'image symbolique du poème: la terre inondée d'eau signifiait l'oubli, et dans le folklore russe, elle symbolisait le chagrin, la tristesse.

"Dans les paroles de S. Orlov, - écrit E. Ben, - l'image de la terre est présente dans près d'un tiers des poèmes." (684, p. 65). En termes de fréquence d'utilisation, seule l'image du ciel peut le concurrencer. L'attrait de la terre et le désir du ciel sont les deux composantes les plus importantes de son univers poétique. "... Chaque vrai poète a son propre "sol", sa propre terre, son propre ciel, à partir duquel il crée des poèmes", considérait Orlov lui-même (174, vol. 2, p. 194). Le poème de manuel "Il a été enterré dans le globe terrestre ..." (1944) est une confirmation vivante de ses paroles. "La portée cosmique de la pensée du poète ("million de siècles", "Voies lactées"), - note V. Zaitsev, - ne s'oppose pas au concret terrestre de l'image du guerrier déchu..." (432, p. 67 ). Il faut ajouter que selon Orlov, le "globe de la terre" est à la fois le pays des hommes et corps cosmique. Dans l'opposition binaire "terre - ciel", ces concepts se sont rapprochés, sont devenus dépendants les uns des autres, mais pas égaux. Cette verticale idéologique à la fois dans le folklore et dans la Bible, et dans la "Philosophie d'une cause commune" de N. Fedorov, et dans les œuvres de K. Tsiolkovsky, avec lesquelles S. Orlov était si fasciné, n'acquiert une signification symbolique qu'en conjugaison d'images de la terre et du ciel. Dans les temps anciens, l'homme levait les yeux et les mains vers le ciel, espérant l'aide de forces surhumaines. Le Christ, par sa naissance sur Terre et son ascension au Ciel, a donné à la vie humaine un sens divin. Et même dans un rêve aussi purement matérialiste de l'humanité que de voler vers les étoiles, à la recherche de "frères d'esprit", il est facile de remarquer le désir d'immortalité (recherche du paradis perdu) - le religieux central (et religieux-philosophique, et donc poétique). "L'esprit ne peut accepter la solitude de la Terre", a écrit S. Orlov (174, vol. 2, p. 54). Dans l'opposition binaire "terre - ciel", il y a aussi des motifs eschatologiques : privés - l'âme d'une personne décédée quitte la terre, mais le corps y reste - et universels : la fin de l'histoire terrestre, Jugement dernier. Un lien rigide entre ces deux oppositions est également assumé dans le futur : la résurrection des justes dans de nouveaux corps, le paradis (l'établissement du ciel) sur la nouvelle Terre, et l'enfer, "les ténèbres extérieures" (en relation avec le "céleste" terre) pour les pécheurs. Sans aucun doute, dans les paroles de S. Orlov, la gloire céleste a des signes terrestres bien visibles, et l'ambiance élégiaque de son dernier poème "La Terre vole, verte, vers ..." place avec précision ses accents éthiques et esthétiques les plus importants :

Je suis désolé, terre, que je te quitte,
Pas par moi-même, donc par la faute de quelqu'un d'autre,
Et je ne verrai jamais Rowan
Ni dans la réalité, ni dans un rêve impénétrable...

Dans les années 60, Aleksey Prasolov s'est sérieusement et pensivement tourné vers les meilleurs exemples de paroles russes des XIXe et XXe siècles - A. Pouchkine, F. Tyutchev, A. Blok, N. Zabolotsky. Ses paroles sont des « paroles philosophiques sérieuses » (755, p. 5).

La maturité poétique est arrivée à Prasolov à l'âge de 33 ans - en 1963, il a écrit plus de 30 poèmes, qui sont devenus la base de ses recueils. Prasolov a été ouvert au grand public par A. Tvardovsky - d'abord, à sa demande personnelle, le poète a été libéré de prison plus tôt que prévu à l'été 1964, puis dans le huitième numéro de Novy Mir la même année le cycle " Ten Poems" d'un auteur inconnu a été publié. Au cours de la vie du poète, quatre de ses recueils ont été publiés : « Day and Night » (1966), « Lyrics » (1966), « Earth and Zenith » (1968), « In Your Name » (1971). Déjà dans l'examen du premier recueil, l'intonation principale de l'œuvre de Prasolov a été déterminée - le «drame de la vie», «l'unité de l'état du héros lyrique» a été noté (893, p. 300). Cet état était inquiétant et redoutable, mais ne s'est pas transformé en morosité. Extérieurement, le poète n'est pas allé au-delà de ces limites étroites des paroles "tranquilles", dans lesquelles de nombreux critiques qui ont utilisé ce terme se sont enfoncés. Des signes "silencieux" étaient visibles dans les appels à la maison, à la terre: "Ma terre, je suis tout d'ici, Et l'heure vient - je viendrai ici ...", mais Prasolov est allé plus loin, il a cherché à trouver le sens élevé de l'être, d'abord, dans l'âme humaine, dit-il « en une parole haute, solennelle, souvent archaïque : éternité, l'univers, prophétique, ciel, hauteurs, inoubliable, ressemblance, ténèbres, lumière, etc. " (661, p. 151). Ses paroles sont devenues "poésie d'un monde divisé", "poésie de la pensée"1 "mot imprimé", selon les mots de Yu. Kuznetsov; en effet, calme, "non-dit à haute voix": "Et le silence avait un langage - Il réunissait le présent avec l'ancien." Comme la poésie de Rubtsov, elle était construite sur des contrastes, mais sur des contrastes statiques, immobiles ; le poète ne s'abandonne pas aux sons des éléments, il est fidèle à la dialectique de la pensée humaine, qui se combine organiquement avec le graphisme en noir et blanc de ses paysages :

Mais le mien est différent - il est à la fois sombre et clair,
Et parfois, peu importe ce que tu fais
Pour lui dans ce monde, comme s'il y avait deux couleurs -
Uniquement en noir et blanc.
("A une heure, comme la pluie est courte et festivement propre...)

Son "âme de pensée" était visible dans paroles d'amour, exceptionnellement pure, sublimement tragique dans sa douleur inéluctable, luttant pour l'éternité :

Mais une volonté qui donne à réfléchir
Jeta l'âme plus raide, plus haut, -
Il n'y a pas de sympathie pour la douleur
C'est juste la vérité qui a du mal à respirer.
("Le coucher de soleil s'est évanoui, la tendresse s'est évanouie...")

Le sort d'A. Prasolov fut aussi difficile que celui de N. Rubtsov ; les deux poètes ont reçu leur éducation assez tard et ont commencé à publier relativement tard. Ils sont décédés à peu près au même moment: N. Rubtsov - en 1971, A. Prasolov - en 1972, et à peu près au même moment, leur poésie a progressivement commencé à être universellement reconnue. L'attitude de ces paroliers extrêmement sensibles est certes similaire1, mais les manières de la transmettre sont différentes. Une comparaison de leurs manières créatives peut donner beaucoup pour comprendre les processus de compréhension poétique de la modernité qui ont eu lieu dans les années 60-70.

La collection de l'écrivain soviétique géorgien Grigol Chikovani comprend des histoires qui recréent des images du passé lointain de l'un des coins de la Géorgie - Odishi (Megrelia) à une époque où la Géorgie gémissait sous le talon des envahisseurs turcs. Patriotisme, amour de la liberté, courage - tels sont les principaux traits qui caractérisent les héros des histoires.

Tachkent - la ville du pain Alexander Neverov

L'histoire du célèbre écrivain soviétique raconte la terrible famine de la Volga de 1921-1922, comment le héros de l'histoire, un adolescent Misha Dodonov, va chercher du pain pour sa mère et ses jeunes frères. "Un livre étonnant. Je l'ai lu en une soirée" Franz Kafka, 1923.

1ère brigade SS russe "Druzhina" Dmitry Joukov

Ce livre raconte l'expérience la plus scandaleuse des services secrets allemands pendant les années de la guerre germano-soviétique. Au fil des ans, cette unité était connue sous le nom de 1ère brigade nationale SS russe, de brigade Druzhina et, enfin, de 1ère brigade antifasciste. Les auteurs racontent en détail au lecteur le phénomène de double trahison par les militaires de cette formation et analysent les raisons de ce qui s'est passé.

Quand une personne quitte Elena Katishonok

A l'aube des années 1930, un jeune homme d'affaires rachète nouvelle maison et occupe l'un des appartements. Un officier, une belle comédienne, deux médecins, un antiquaire, un prince émigré russe, un professeur de gymnase, un notaire emménagent dans les autres... Chacun a ses joies et ses peines, ses secrets, sa voix. La voix de la maison elle-même est organiquement tissée dans cette polyphonie, et les destins des gens sont entrelacés de manière inattendue et étrange lorsque les chars soviétiques entrent dans la petite république, et un an plus tard - les fascistes. En une terrible année courte, certains habitants ont rejoint les rangs des prisonniers, d'autres doivent déménager dans le ghetto ; troisième...

Tome 3. Contes. Histoires. Les racines du soleil japonais Boris Pilnyak

Métro de Moscou Indéfini Indéfini

Gleb Vasilievich Alekseev (1892 - 1938) - un homme au destin complexe et tragique; l'un des écrivains soviétiques russes les plus intéressants, auteur de romans talentueux, de nouvelles, d'histoires qui n'ont pas été republiées après sa mort. L'intrigue passionnante et tendue du roman "Moscou souterrain" est liée à la recherche de la bibliothèque d'Ivan le Terrible - la plus grande valeur culturelle d'importance mondiale, le secret encore non résolu de l'histoire russe, selon la légende, caché dans les recoins de Moscou souterrain.

La fin d'une belle époque Joseph Brodsky

Le recueil "The End of a Beautiful Era" a été publié en 1977 par la maison d'édition américaine "Ardis" et se compose de poèmes écrits par Brodsky avant de quitter l'Union soviétique. La collection a été compilée par l'auteur lui-même en collaboration avec ses amis Carl et Ellendea Proffer, les créateurs d'Ardis. Pendant de nombreuses années, cette maison d'édition a publié de nombreuses œuvres importantes de la littérature russe, dont la publication en Union soviétique à cette époque n'était pas possible, y compris tous les recueils de l'auteur des poèmes de Brodsky ont été publiés par Ardis. ...

Partie du discours Joseph Brodsky

Le recueil "Parts of Speech" a été publié en 1977 par la maison d'édition américaine "Ardis" et se compose de poèmes écrits par Brodsky de 1972 à 1976. La collection a été compilée par l'auteur lui-même en collaboration avec ses amis Carl et Ellendea Proffer, les créateurs d'Ardis. Pendant de nombreuses années, cette maison d'édition a publié de nombreuses œuvres importantes de la littérature russe, dont la publication en Union soviétique à cette époque n'était pas possible, y compris tous les recueils de l'auteur des poèmes de Brodsky ont été publiés par Ardis. Brodsky était très fier...

Œuvres choisies Alexandre Sumarokov

Cette édition publie "Selected Works" de A. P. Sumarokov selon le texte des publications: A. P. Sumarokov, Selected Works (Poet's Library. Large series), "Soviet Writer", L. 1957, et A. P. Sumarokov, Complete collection of all works, parties 7 et 8, M. 1781. Le recueil comprend des odes, des épîtres, des élégies, des sonnets, des satires, des paraboles, des contes de fées, des épigrammes, des épitaphes, des chansons, des parodies et divers poèmes. Notes : A. P. Sumarokov, P. Orlov.

Bentley pour la Reine Docteur Nonna

La voiture Bentley est aujourd'hui un témoignage de respectabilité et de richesse. Il est difficile d'imaginer de quoi la voiture de cette marque était la personnification dans les années 70-80 soviétiques ! C'est alors que pour une fille russe issue d'une famille dysfonctionnelle, ce véhicule est devenu un symbole de liberté. Tout au long de sa vie, dans ses moments de crise, Natasha s'est toujours souvenue de la voiture et a rêvé de retrouver la Bentley coûte que coûte.

Tome 3. Aux racines du soleil japonais Boris Pilnyak

Boris Andreevich Pilnyak (1894-1938) est un célèbre écrivain russe des années 20-30 du XXe siècle, fondateur de l'un des courants d'avant-garde de la littérature. Pendant les années de répression, il a été fusillé. La proposition d'Œuvres Collectées de l'écrivain est la première, après des décennies d'interdiction, une édition en plusieurs volumes de son héritage, qui comprend, essentiellement, toutes les œuvres de l'auteur restaurées à partir de coupures et de déformations. Le troisième volume des Œuvres complètes comprend les histoires "Zavolochye", "Big Heart", "Chinese Tale", "Chinese Destiny of Man", "Roots of the Japanese Sun" et ...

Merry Fair Mykola Bilkun

La collection comprend des œuvres d'écrivains soviétiques ukrainiens travaillant dans le genre de l'humour et de la satire. Ici le lecteur trouvera des humoresques en prose et en vers, des fables, des feuilletons, des pamphlets, des parodies, des miniatures satiriques, publiés récemment dans des périodiques. Les œuvres d'écrivains de radian ukrainiens sont entrées dans la collection, car ils pratiquent le genre de l'humour et de la satire. Ici le lecteur connaît la prose et les vers humoristiques, contes, feuilletons, pamphlets, parodies, miniatures satiriques qui ont été publiés dans la dernière heure à l'époque.

Korobkin A.N. Récit Culture soviétique Années 60 - 70 du XXe siècle RÉSUMÉ Gengis Khan, Charlemagne et le premier académicien russe Menchikov - ils ne savaient pas écrire sur papier, mais ils écrivaient couramment sur les "planches du Destin" ... (Sergey Fedin). 1. LITTÉRATURE Dans la littérature soviétique russe des quatre décennies militaires et d'après-guerre du XXe siècle, nous avons la possibilité de distinguer deux périodes: - la première - la littérature des années de guerre et de la renaissance d'après-guerre (années 40 - 50) - la seconde - la littérature du socialisme développé (60 - 70). Les historiens attribuent le passage au stade du socialisme développé en URSS à la fin des années 50, sans le lier à une date précise. Le socialisme développé ne pouvait pas prendre forme en une seule année. Avec l'entrée du socialisme dans la phase de maturité, il est devenu évident qu'une nouvelle civilisation avait déjà pris forme et apparaissait aux yeux de l'humanité dans toute sa splendeur, et donc une nouvelle culture, radicalement différente de la civilisation capitaliste fondée sur l'exploitation de millions de travailleurs. Dans les années 1960 et 1970, de nouvelles conditions sont créées pour le développement de la littérature et de l'art. Des changements profonds dans structure sociale La société soviétique, la croissance de sa culture, de sa conscience, de son initiative a ouvert de nouvelles perspectives pour la manifestation des principes de nationalité et d'esprit de parti, a nécessité une nouvelle approche pour résoudre le problème du héros moderne et un certain nombre d'autres problèmes. Au stade du socialisme développé, il est devenu particulièrement clair qu'aucune méthode artistique n'ouvrait à l'artiste de telles opportunités que la méthode du soi-disant réalisme socialiste. Pendant la période du socialisme développé, les classiques du réalisme socialiste ont poursuivi leur œuvre dans le domaine de la littérature. Ce sont: Konstantin Fedin, Mikhail Sholokhov, Alexander Tvardovsky, Alexander Fadeev, Leonid Leonov. Avec eux, une nouvelle génération d'écrivains a travaillé, tels que: V. Belov, V. Mozhaev, G. Troepolsky, V. Astafiev, V. Shukshin, V. Rasputin, Vil Lipatov, A. Chakovsky, Ch. Aitmatov et de nombreux autres. autre. Dans les œuvres de ces écrivains, les contradictions sociales et morales s'exprimaient le plus souvent dans les formes de l'existence humaine quotidienne et habituelle. La critique littéraire a déjà exprimé une vision de la période des années 1960 et 1970 comme étant la plus proche du réalisme classique par rapport à la littérature des premières années post-révolutionnaires. Cette conclusion est basée sur la nature des quêtes philosophiques et morales d'écrivains tels que Vasily Shukshin. Talent V.M. Shukshina est de plus en plus mesurée à l'aune de Leskov, Tchekhov, Bounine. Ses héros se débattent avec les problèmes qui ont rivé l'attention des plus grands écrivains du passé : quel est le sens de la vie, « qu'est-ce qui nous arrive », quel est le secret du monde, la beauté, le mouvement, « pourquoi tout ? " La tension spirituelle de ses histoires est liée aux tentatives des personnages d'expliquer le monde et eux-mêmes, de comprendre le lien, "d'aller au fond". En tant qu'écrivain, Shukshin s'est essayé aux genres du roman ("Lubavin", "Je suis venu vous donner la liberté"), des nouvelles ("Là-bas au loin", "Kalina Krasnaya", "Jusqu'au troisième coq" ), drame ("Energetic People"), histoire. Les personnages principaux de la plupart des histoires de Shukshin sont des villageois : conducteurs de tracteurs, chauffeurs, comptables, contremaîtres, en un mot, semeurs et gardiens de la terre. En règle générale, les héros de V. Shukshin sont des gens curieux, souvent "avec un cinglé", mais dans leurs pensées et leurs sentiments, ils sont directs, parfois simples, d'un charme touchant. Dans ses histoires, Shukshin a ridiculisé les vices humains, a su montrer où se trouvait le bien et où se trouvait le mal. Dans l'histoire "The Hunt to Live", le mal et le bien sont montrés en combat direct. Le vieux chasseur Nikitich, un homme d'une gentillesse infinie, une âme ouverte, a abrité un criminel, lui a en fait sauvé la vie - et a reçu une balle dans le dos. L'attitude négative sans compromis de Shukshin envers le mal, dans ce cas réalisée sous la forme d'un criminel. Il est d'autant plus important de souligner que l'écrivain s'est ensuite adressé plus d'une fois dans ses œuvres à des personnes qui, pour une raison ou une autre, purgeaient des peines de prison. Le problème du bonheur humain, qui inquiétait vivement V. Shukshin, n'a pas été résolu par lui jusqu'à la fin, mais il a été résolu en faveur de notre vie avec un succès croissant. La littérature des années 1960 et 1970, explorant les voies complexes du développement de la conscience morale de l'individu, procède de la pratique sociale. Non seulement la raison, non seulement la connaissance, mais aussi la force du rayonnement moral de l'individu ont acquis un prix spécial. Passant à une image large de la réalité, à une analyse des caractéristiques de cette étape de la vie, les écrivains ont posé à maintes reprises les problèmes d'organisation et de gestion de la production, des relations entre le manager et l'équipe, et de la croissance créative de l'individu. Après avoir recréé l'atmosphère de la vie quotidienne au travail dans le roman "Et tout tourne autour de lui", l'écrivain Vil Lipatov, dans le conflit entre Yevgeny Stoletov et le maître Gasilov, a montré la lutte entre le créateur et le consommateur. Le héros de Lipatov lutte contre des vices de la société tels que le philistinisme, le collyre. Ces problèmes inquiétaient non seulement V. Shukshin et V. Lipatov, mais aussi des écrivains tels que V. Popov, M. Kolesnikov, O. Kuvaev, le poète E. Yevtushenko. Mais les écrivains des années 60 et 70 n'ont pas seulement raconté la réalité contemporaine. Certains se sont également tournés vers le thème militaire, vers le passé héroïque de notre peuple. De nombreux livres ont été consacrés au thème de la Grande Guerre patriotique. L'un d'eux est "Blockade" de A. Chakovsky. Le drame extraordinaire du côté de l'événement avec la bataille incomparable pour Leningrad - c'est ce qui a captivé les millions de lecteurs du «blocus». Le roman montre la vie héroïque du peuple soviétique à l'époque du blocus ennemi. Un duel stratégique entre le général Joukov et le maréchal nazi von Leeb est illustré. Le vainqueur était le général soviétique et, en général, bien sûr, les défenseurs héroïques de la ville. Les écrivains V. Bykov ("Alpine Ballad", "Sotnikov"), M. Sholokhov ("Ils se sont battus pour leur patrie", "Le destin d'un homme"), K. Simonov ("Les vivants et les morts", " Les soldats ne sont pas nés"), Y. Semyonov ("17 Moments of Spring"), Y. Bondarev ("Hot Snow"), le poète R. Rozhdestvensky ("Requiem"). 2. ARCHITECTURE Dans les années 60 du XXe siècle, en relation avec la croissance de l'industrie et des villes, l'architecture fait face à de nouvelles et nouvelles tâches. La Conférence pansyndicale des architectes et constructeurs en décembre 1954, le décret du Comité central du PCUS et du Conseil des ministres de l'URSS "Sur l'élimination des excès dans la conception et la construction" en 1955, et la Conférence pansyndicale sur l'urbanisme en 1960 a déterminé d'autres moyens d'améliorer la planification et le développement des zones peuplées, a contribué au développement généralisé de l'industrialisation de la construction, à l'introduction des réalisations de la science et de la technologie. Une nouvelle étape dans le développement de l'urbanisme soviétique a commencé. Le développement rapide des forces productives du pays, notamment en Sibérie, Extrême Orient et en Asie centrale, a provoqué la construction de nouvelles villes. Chaque année, environ 20 villes et établissements de type urbain figuraient sur la carte géographique du pays. Des villes ont été construites et se sont rapidement développées: Bratsk, Novosibirsk Academgorodok, Tolyatti, Navoi, Shevchenko, Naberezhnye Chelny, Nizhnevartovsk, Nadym, Zelenograd, Ust-Ilimsk, Amoursk, Tynda, Chervonograd, Dneprorudny et bien d'autres. Des monuments et des mémoriaux ont été érigés dans les villes nouvelles et nouvellement construites. Le 15 octobre 1967, l'ouverture solennelle de l'ensemble de monuments sur Mamaev Kurgan à Volgograd en l'honneur des héros soviétiques de la bataille victorieuse de Stalingrad a eu lieu. Les auteurs de ce mémorial sont l'architecte Belopolsky et le sculpteur Vutetich. L'ensemble est couronné par une figure de 52 mètres d'une femme avec une épée levée. C'est la personnification de la patrie, qui appelle ses fils à vaincre l'ennemi. Une flamme éternelle est allumée dans le Hall of Military Glory. Des monuments aux habitants du village ont été érigés dans le village de Khatyn, incendié par les nazis. Les auteurs des monuments sont les architectes Yu. Gradov, V. Zankovich, L. Levin, le sculpteur S. Selikhanov. Le monument à la Mère, qui a vu ses cinq fils au front, est connu dans tout le pays. Les auteurs du monument sont l'architecte A. Trofimchuk et le sculpteur A. Zaspitsky. De nombreux autres monuments et leurs auteurs peuvent être nommés. Tous nous rappellent le passé et le présent héroïques de notre peuple. Le 22e Congrès historique du PCUS s'est tenu dans le nouveau bâtiment majestueux du Kremlin de Moscou - le Palais des Congrès du Kremlin. Le développement du projet du Palais des Congrès du Kremlin est une grande réalisation créative de l'équipe de concepteurs de l'auteur, dirigée par un membre correspondant de l'Académie de construction et d'architecture de l'URSS M.V. Posokhin. L'équipe d'auteurs comprenait les architectes A.A. Mndoyants, E.N. Stamo et un certain nombre d'autres architectes et ingénieurs. Le Palais des Congrès du Kremlin a été construit en peu de temps - moins d'un an et demi. Le volume du bâtiment est d'environ 400 000 mètres cubes. Le 17 octobre 1961, le bâtiment a été inauguré. Sa façade est revêtue de marbre blanc de l'Oural et d'aluminium anodisé doré. Au-dessus de l'entrée principale se trouvaient les armoiries dorées de l'URSS, qui ont maintenant été remplacées par les armoiries Fédération Russe. Dans décoration d'intérieur granit rouge karbakhty, marbre koelga et tuf de Bakou à motifs, divers types de bois ont été utilisés. Le nouveau bâtiment, qui enrichit l'ensemble du Kremlin, a été construit pour le peuple. Il est devenu un lieu d'événements sociaux et politiques et de loisirs culturels des personnes. À l'intérieur du bâtiment, des installations d'ozonation de l'air ont été lancées, des appareils ont été installés - des traducteurs de 29 langues étrangères. Une œuvre importante de l'architecture soviétique créée par de jeunes architectes - le Palais des pionniers et des écoliers de Moscou nommé d'après le 40e anniversaire de l'Organisation des pionniers de toute l'Union - est un complexe architectural de composition inhabituelle, conçu pour l'éducation extrascolaire des enfants, pour le développement complet de leurs capacités dans divers domaines de la science et de la technologie, des arts et des sports. Le projet du Palais des Pionniers a été créé (sur la base d'un concours organisé à Moscou au printemps 1958) par une équipe d'architectes et d'ingénieurs de Mosproekt. Les auteurs du projet sont des architectes : V. Egerev, V. Kubasov, F. Novikov, en collaboration avec un grand groupe d'architectes et d'ingénieurs. Le Palais des Pionniers est situé dans la région sud-ouest de la capitale, sur les collines de Lénine. Son territoire (d'une superficie totale de 56 hectares) se distingue par une rare combinaison de qualités urbanistiques favorables. Un relief prononcé, une variété de végétation, la proximité de la rivière de Moscou et du parc des collines de Lénine - tout cela donne au site un caractère campagnard, malgré le fait qu'il soit situé dans le système de développement urbain. Possédant de riches données naturelles, le site a également développé des communications d'ingénierie et des liaisons de transport pratiques. Ouvrant de nouvelles opportunités pour le développement des formes sociales d'éducation des enfants, le Palais des Pionniers est un phénomène important dans la pratique architecturale et constructive soviétique. Dans ma ville natale de Sverdlovsk (aujourd'hui Ekaterinbourg), de nombreuses structures architecturales ont été construites au cours de la période des années 60 et 70. Avec le développement de l'architecture, les architectes ont dû avoir une nouvelle disposition des bâtiments résidentiels et des complexes. Dans les villes du pays, le nombre d'étages des immeubles résidentiels a augmenté. En particulier, à Sverdlovsk, les maisons à cinq étages ont commencé à être construites de moins en moins. Des maisons de 12 et 9 étages ont été construites. De nombreux bâtiments publics ont été construits. Presque au même moment ont été mis en service: le bâtiment de la Maison de l'éducation politique dans la rue "8 mars" (aujourd'hui le théâtre de variétés), l'architecte Lopatkin, le cinéma "Cosmos" et le Palais de la Jeunesse, l'architecte G.I. Belyankin - Architecte honoré de la RSFSR, architecte en chef de la ville, architecte du peuple de l'URSS. À l'occasion du 64e anniversaire de la Révolution d'Octobre, le 6 novembre, la prochaine œuvre de Belyankin a été mise en service - DK UZTM, qui n'avait pas la même taille qu'en Union soviétique. L'architecte du célèbre monument aux soldats de l'Oural Volunteer Tank Corps sur la place de la gare (1960) est également G.I. Belyankin (sculpteurs V.M. Druzin et P.A. Sazhin). Au lieu de l'ancien terrain vague devant la maison des officiers du district, le bâtiment de la fiducie GlavSredUralstroy a été construit et une place avec une fontaine musicale en couleur a été aménagée. L'auteur de cet ensemble est l'architecte A.M. Manzhelevsky. À un moment donné, ce travail a reçu un diplôme au concours. Mais tout ce qui précède n'est pas tout. Beaucoup ont été construits et sont en cours de construction. 3. THÉÂTRE, MUSIQUE, CINÉMA Dans les années 1960 et 1970, il y avait des résolutions du Comité central du PCUS et du Conseil des ministres de l'URSS sur l'allocation de fonds pour le développement des arts théâtraux et cinématographiques. Au cours de cette période, de nouveaux talents du théâtre et du cinéma se sont révélés. Il y a de nouveaux acteurs et de nouveaux réalisateurs. Ils ont créé de nouveaux films racontant le passé et le présent de notre peuple. Le réalisateur S. Yutkevich a abordé le sujet de V.I. Lénine. Il avait plusieurs œuvres: "Soldat avec un fusil", "Lénine en Pologne". Au cours de ces années, le réalisateur S. Bondarchuk est également devenu célèbre. Qu'il suffise de rappeler son épopée cinématographique "Guerre et Paix", où il a lui-même joué le rôle de Pierre Bezukhov. Vyacheslav Tikhonov, un acteur de cinéma talentueux, a joué le rôle du prince Andrei Bolkonsky. Sergei Bondarchuk a réalisé des films sur un thème militaire tels que: "Ils se sont battus pour leur patrie", où l'écrivain V. Shukshin a joué le rôle de Lopakhin, et "Le destin d'un homme", qui a reçu en 1960 le prix d'État de l'URSS. Le directeur de théâtre Oleg Efremov était également connu à cette époque. Pendant longtemps, il a été directeur artistique du Théâtre d'art de Moscou. Le chef du théâtre Sovremennik était un merveilleux acteur de théâtre et de cinéma, Oleg Tabakov. Avec le départ d'Oleg Efremov en 1970 au Théâtre d'Art de Moscou, Oleg Tabakov dirige Sovremennik pendant six ans et demi. Il a joué dans les films "Kashtanka", "17 Moments of Spring", "Quelques jours dans la vie d'Oblomov", etc. Au théâtre. Vakhtangov, de nombreux grands acteurs ont travaillé et travaillent, parmi lesquels l'acteur de théâtre et de cinéma Mikhail Ulyanov. Il a créé une image merveilleuse du commandant Georgy Zhukov dans le film épique réalisé par Yu. Ozerov "Liberation". Elena Obraztsova, Irina Arkhipova et Boris Shtokolov ont travaillé comme solistes principaux au Théâtre Bolchoï de l'URSS. On sait que I. Arkhipova n'allait même pas devenir chanteuse. Dans les années d'après-guerre, elle a étudié à l'Institut d'architecture de Moscou, où elle a également étudié dans un cercle vocal avec N. M. Malysheva. Après avoir obtenu son diplôme de l'institut, sans avoir travaillé même un an, elle est entrée au Conservatoire d'État de Moscou, et maintenant elle est déjà connue dans le monde entier. Boris Shtokolov a superbement interprété les rôles de Boris Godunov, Ivan Susanin et d'autres.Il a reçu le prix d'État de l'URSS en 1981 pour des programmes de concerts intéressants. L'interprète inégalée du rôle de la princesse Swan dans le ballet de P.I. Le "Lac des cygnes" de Tchaïkovski, Juliette dans le ballet "Roméo et Juliette" de S. Prokofiev est devenu l'artiste émérite de l'URSS, lauréat des prix d'État de l'URSS, héros du travail socialiste Galina Ulanova. Des musiciens très connus tels que les pianistes Svyatoslav Richter et Emil Gilels, le violoniste Igor Oistrakh et bien d'autres sont devenus des interprètes talentueux de la musique de Beethoven, Chopin, Liszt. autre. Au 3ème concours international Tchaïkovski la première place dans l'exécution du programme obligatoire a été prise par le violoniste Viktor Tretyakov, et au concours VI du même nom, organisé en 1978, le jeune pianiste Mikhail Pletnev a remporté la première place. Le jury a particulièrement noté le talent extraordinaire de ce jeune interprète. Les maîtres des variétés tels que Vladimir Vysotsky, Alla Pugacheva et bien d'autres sont largement connus. autre. Les portes des sociétés philharmoniques et des théâtres sont grandes ouvertes aux visiteurs. En URSS, de nombreux théâtres de satire et d'humour ont été créés. Le célèbre acteur Arkady Raikin était presque toujours responsable du Théâtre des miniatures de Moscou, et le Théâtre de marionnettes, dirigé par Sergei Obraztsov, est ouvert aux adultes et aux enfants. La production joyeuse de "An Extraordinary Concert" plaît au public depuis de nombreuses années. Dans les années 60, les compositeurs S. Prokofiev, D. Chostakovitch, A. Khachaturian, D. Kabalevsky ont continué à travailler et ont créé leurs œuvres. Ils ont écrit beaucoup d'ouvrages. L'opéra "Guerre et Paix" de Prokofiev est largement connu. Il a également écrit 7 ballets, dont Cendrillon et Roméo et Juliette. Le thème de la partie latérale de la première partie de la 7e symphonie de Prokofiev a commencé le programme télévisé "Vremya". L'opéra "Katerina Izmailova" et la 7e symphonie "Leningrad" de Chostakovitch sont connus dans le monde entier. Pour lui, la musique était un moyen de parler aux gens des choses les plus importantes. Les ballets "Gayane" et "Spartacus" d'Aram Khatchatourian sont souvent mis en scène sur les scènes des théâtres du pays. Le compositeur D. Kabalevsky est connu pour les opéras Cola Breugnon (d'après le livre de Romain Rolland), La Famille Taras. Il a écrit de nombreuses chansons pour enfants ("Notre terre", "Au revoir fille", etc.). Il a également écrit un Requiem sur les paroles de R. Rozhdestvensky, 4 symphonies et de nombreuses autres œuvres. Dmitry Kabalevsky était également connu comme un promoteur actif de la musique. Dernières années Au cours de sa vie, il a travaillé comme simple professeur de musique dans une école de Moscou. La jeune génération de cette époque comprend des compositeurs tels que Lev Shaporin, Rodion Shchedrin, Alexandra Pakhmutova et d'autres.Qui ne connaît pas la célèbre chanson de Shchedrin "Nous ne sommes pas des chauffeurs, pas des charpentiers" du film "Vysota" ? Rodion Shchedrin a également composé 4 ballets, dont le plus célèbre est Anna Karenina. Alexandra Pakhmutova est connue comme auteur-compositeur. Pendant longtemps, elle a travaillé avec les poètes Dobronravov et Rozhdestvensky. Dans les années 60 et 70, des compositeurs tels que Shainsky, Sorokin, Khrennikov étaient également connus. Tous sont des maîtres reconnus de l'art musical. Ainsi, la période des années 1940 et 1950, et surtout la période des années 1960 et 1970, a été marquée par une puissante impulsion dans le développement de la culture socialiste et de la culture mondiale en général. _______ Juin 2013.

La poésie des années 60, comme la prose, est liée au présent. La modernité aux yeux des poètes n'est pas seulement aujourd'hui, mais le mouvement du temps.

Dans les années 60, les poètes de l'ancienne génération ont continué à travailler, qui ont commencé leur carrière dans les années 20 et 30. (N. Aseev, A. Prokofiev, A. Tvardovsky et autres).

La poésie philosophique se développe aussi intensément. Sa gamme s'élargit. Plusieurs lignes thématiques et intonatives peuvent être distinguées : paroles héroïques associées à la guerre, paroles philosophiques d'approfondissement, dues à une nouvelle compréhension de la vie, de la beauté, interprétation des thèmes éternels de l'amitié, de l'amour, etc.

L'un des représentants les plus éminents des paroles philosophiques était Nikolai Alekseevich Zabolotsky.

Les années 50 ont été à la fois l'apogée et la fin du parcours créatif de ce poète. Il réfléchit sur les questions philosophiques éternelles, la vie et la mort, l'amour et l'amitié, etc. et fait réfléchir le lecteur sur le sens et le contenu de sa vie, sur le sens et la place de l'homme sur terre. Le poète fait souvent référence à la réception du contraste. Ses poèmes "Old Actress", "Ugly Girl", "Wife" ont reçu une reconnaissance générale. L'idole oubliée du théâtre de Moscou, la vieille actrice, ayant transformé sa maison en une sorte de musée, espère que "sa beauté est destinée à briller à jamais dans cette maison, comme autrefois". Le contraste est la description d'une fille, parente éloignée de l'actrice, qui se blottit dans un sous-sol bas semi-obscur, quelque part dans un coin humide, au service de sa tante. La jeune fille observe la cupidité de sa tante, qui compte avidement et cache l'argent. Le poème se termine par une profonde généralisation philosophique :

Une fille peut-elle pleinement comprendre

Pourquoi, frappant nos sentiments,

Élève de tels cœurs au-dessus du monde

Le pouvoir déraisonnable de l'art.

Dans les poèmes "Sur la beauté des visages humains", "Ugly girl" se posent les problèmes de la beauté humaine. N. Zabolotsky dessine divers visages humains qui ressemblent à la fois à des "portails magnifiques" et à des "cabanes misérables", mais au fond une personne est belle dans son humanité, "illumination intérieure". Par conséquent, les dernières lignes du poème sur "qu'il y a des visages sont comme des chansons jubilatoires" sont naturelles.

Le poème "Ugly Girl" attire l'attention de tous. La fille laide, qui rappelle une grenouille, a une "longue bouche, des dents tordues, des traits du visage pointus et laids". Et en même temps, l'enfant est plein de gentillesse, d'amour pour ses pairs et a une rare grâce de l'âme, qui transparaît dans chacun de ses mouvements. N. Zabolotsky est passé maître dans l'art de créer les fins d'un poème, dans lequel, résumant ce qui a été dit, il donne une certaine formule pour une découverte philosophique. Voici la fin de ce poème :

Et si oui, alors qu'est-ce que la beauté,

Et pourquoi les gens la divinisent-ils ?

Elle est un vaisseau dans lequel le vide

Ou le feu vacillant dans un vaisseau ?

Selon le principe du contraste, le poème de la femme a également été écrit. Dans ce document, le poète compose un hymne de l'amour touchant non partagé d'une femme pour son mari, une admiration sans fin pour son travail. Et en réponse à un tel amour, le mari la traite avec indifférence et arrogance. Les paroles adressées à une telle personne sont pleines d'ironie :

Alors qui es-tu, le génie de l'univers ?

Pensez, ni Goethe ni Dante

Je ne connaissais pas l'amour si humble

Une foi si frémissante dans le talent.

Le témoignage du poète aux générations suivantes est un poème publié à titre posthume, où il écrit :

Ne laissez pas votre âme être paresseuse !

Qu'est-ce qui n'écraserait pas l'eau dans le mortier,

L'âme doit travailler

Et jour et nuit, et jour et nuit !

Elle est une esclave et une reine

Elle est ouvrière et fille,

Elle doit travailler

Et jour et nuit, et jour et nuit !

Dans les années 60, de nombreux nouveaux jeunes poètes sont venus à la littérature, parmi lesquels on distingue E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky et A. Voznesensky.

Yevgeny Yevtushenko est un poète des émotions ouvertes, déclarant résolument et définitivement ses goûts et ses dégoûts. Une réponse rapide aux événements actuels est un trait caractéristique non seulement de nombre de ses poèmes, mais aussi d'œuvres d'une grande forme lyrique-épique.

A côté du journalisme, le thème de l'amour occupe une certaine place dans l'œuvre d'Evtouchenko. L'incertitude des émotions des premiers poèmes sur l'amour, les premières expériences encore superficielles cèdent la place à une compréhension plus mûre du monde intérieur de l'homme. Il y a de l'anxiété pour l'amour, la peur d'offenser, de perdre une femme bien-aimée ("Quand ton visage s'est levé ...", "Miroir", "Spell", etc.)

Yevtushenko fait un usage intensif de la rime d'assonance, qui en est venue à définir le style du poète dans son ensemble. La forme traditionnelle du vers avec son système métrique stable est également représentée dans l'œuvre du poète. Un certain nombre de poèmes ont été créés dans cette veine. ("Est-ce que les Russes veulent des guerres", "Valse sur la valse", "C'est ce qui m'arrive", etc.).

Au milieu des années 60, le poète déclare de plus en plus son engagement à maîtriser l'héritage des classiques russes, les traditions de Pouchkine et Nekrasov, Pasternak et Akhmatova. À propos de cela et "Prière avant le poème" de la "Centrale hydroélectrique de Bratsk", qui était le résultat des pensées d'Evtushenko après des voyages dans le Nord et en Sibérie.

Le thème du lien entre l'histoire et la modernité a également été incarné dans le recueil de poèmes "En pleine croissance", qui comprenait trois poèmes: "En pleine croissance", "Proseka", "Ivanovskie chintz".

Les quêtes d'un autre poète, Andrei Voznesensky, dans le domaine de la stylistique et de la versification ont parfois coïncidé avec des réflexions intéressantes et fraîches sur l'ère de la révolution scientifique et technologique, puis des images mémorables et des formules volumineuses sont nées. Ainsi, alternant chapitres poétiques et chapitres en prose (le poème "Oz"), le poète dépeint un monde étranger à l'esprit humain, dans lequel "il n'y a pas de temps pour être un homme", car "la robotisation se poursuit dans le monde". " Bien conscient de la nature contradictoire de la relation entre les découvertes scientifiques et technologiques et l'aide humanitaire personnalité humaine, le poète proclame avec confiance : "Tout progrès est réactionnaire si une personne s'effondre." La poésie de Voznesensky se caractérise par des paradoxes esthétiques et une inventivité.

Dans les années 70, la poésie de Voznesensky a montré d'autres motifs, des approches de la créativité (les collections "Cello Oak Leaf", "Stained Glass Master") : le sentiment de douleur à la vue des imperfections et des injustices du monde moderne ne disparaît pas, mais est complété, pour ainsi dire, par des facettes de la vie nouvellement vues. Cela crée un sentiment de gratitude, d'amour pour pays natal("Lac", "Poire calée, et plus souvent seule..."), une nouvelle compréhension des phénomènes de la réalité environnante ("Nostalgie du présent"). Dans son travail, les motivations civiques sonnaient plus profondément, le sens de la responsabilité pour le présent et l'avenir de l'humanité s'est aggravé ("Requiem", "Anathema", "Il y a une intelligentsia russe", etc.)

Le travail de R. Rozhdestvensky s'est développé dans une direction différente. Ses poèmes ne sont pas caractérisés par des traits épiques. En eux, comme dans les poèmes, le héros lyrique est l'auteur. Le poète est soumis à divers moyens d'incarner la diversité du monde qui l'entoure. Pathos héroïque ("Requiem") côte à côte avec une représentation satirique de personnes et d'objets ("Poème sur différents points de vue"), ironie caustique, sarcasme avec une redoutable intonation d'avertissement lorsqu'il s'agit d'une personne laissée seule sur une planète brûlée après un cauchemar atomique. La voix du poète résonne tout aussi passionnément contre la formule autrefois légalisée "il n'y a pas d'irremplaçable" (le poème "Dédicace").

En 1971, l'une des meilleures collections de Rozhdestvensky "Tout commence par l'amour" est sortie. Une distinction nette entre le bien et le mal, la haute moralité et la prospérité bourgeoise, les couleurs claires et sombres est un trait caractéristique de sa poésie. Dans le domaine du journalisme lyrique, choisi par le poète, la forme de la confession s'accompagne souvent d'un appel direct, du type : « Quittons cette maison, partons » (« Déesses »), « Tu sais, mon ami, il faut ont été comme ça depuis la naissance" ("Peers"), "S'il vous plaît soyez plus faibles." Le vers de Rozhdestvensky, marqué par un accent particulier sur le mot et un rythme clair, est, en règle générale, dépourvu de la nuance psychologique de l'image.

Lorsque le poème de N. Rubtsov "My Quiet Motherland" est apparu en 1965, le mot "paroles silencieuses" a été trouvé. Mais c'était plus qu'un mot, car derrière lui se lisait tout un courant de notre poésie, empruntant un chemin différent par rapport à la poésie pop, remplaçant le volume par la profondeur. Ses plus grands représentants (N. Rubtsov, A. Prasolov, Yu. Kuznetsov, N. Tryapkin, V. Sokolov, A. Zhigulin) ont défendu leurs principes esthétiques et moraux et l'ont fait d'une manière complètement différente de celle inhérente à Yevtushenko ou Voznesensky. . Si ces derniers notaient principalement, fixées sous une forme aggravée, certaines contradictions et complexités de l'époque, alors ces poètes cherchaient à comprendre leur nature et leur essence, à saisir les processus se déroulant dans l'âme humaine.

Ils sont confrontés aux mêmes problèmes que les créateurs de haute prose : l'approfondissement de l'historicisme, l'incarnation novatrice des thèmes phares (la Grande Guerre patriotique, le sort du village, le problème de « l'homme et la nature », une interprétation plus complète et parfaite pénétration dans le monde intérieur d'un contemporain).

L'un des meilleurs représentants de cette tendance était Nikolai Rubtsov.

L'héritage de cinq recueils de poèmes relativement petits laissés par N. Rubtsov. Son premier livre "Lyric" a été publié en 1965, le dernier - "Green Flowers" - après la mort du poète, et entre eux se trouvent les recueils "Star of the Fields", "The Soul Keeps", "Pine Noise".

N. Rubtsov est un amoureux désintéressé de la Russie, du côté calme de Vologda avec ses champs, ses forêts et ses lacs, avec ses gens simples et laconiques qui ont beaucoup vu dans leur vie ("L'âme garde", "Bonjour la Russie", "Mon Patrie tranquille").

Silence ma maison !

Saules, rivières, rossignols...

Avec chaque hutte et chaque nuage,

Avec le tonnerre prêt à tomber

Je me sens le plus brûlant

Le lien le plus meurtrier.

Le poète a témoigné plus d'une fois qu'il capte les voix de la nature, entend comment le vent "hurle", "gémit", "pleure", "siffle", "respire", "sanglote comme un enfant", comme une tempête de neige "voix devant la fenêtre », tandis que grognent les bouleaux, le feuillage sonne. Le poète traduit les moments de l'être dans le langage de l'art, réalisant clairement sa dépendance aux forces naturelles.

Pour Rubtsov, il est important non seulement ce qui est exprimé en mots, mais aussi ce qui se cache derrière le texte, comme non dit, mais chanté par la mélodie même du discours poétique.

Invitant à apprendre le grand art de l'harmonie avec la nature, le poète n'est pas tombé dans le rousseauisme tardif. C'était juste une compréhension sobre du lien brûlant entre l'homme et la nature, qui peut se rompre à une époque de crise écologique croissante. D'où les tons tragiques qui rehaussent le drame intérieur de la poésie de Rubtsov.

Un domaine spécial, encore peu étudié, est la poétique de Rubtsov, qui a compris que vraiment beau doit être majestueux. La poésie de Rubtsov a sa propre mélodie. Bien que ses vers soient dépourvus de l'intonation chantante inhérente à Yesenin, il est très musical, et plus encore que Tyutchev et Blok, le schéma mélodique des poèmes dont il est proche.

Au cours des années 70, de nombreux noms poétiques, indépendamment du désir des poètes eux-mêmes, sont devenus l'objet de manipulations critiques, alignés dans les rangs et les écoles. Les poètes « organiques » (Rubtsov et Prasolov) s'opposaient aux poètes « inorganiques », « livresques » : A. Tarkovsky et D. Samoilov, B. Akhmadullin, Yu. un rapport différent avec la tradition et sa propre mesure de surdouance.

Certains (Tarkovsky, Kushner) ont tendance à faire un effort pour rappeler et ajuster le son de leurs vers en harmonie avec l'ordre supérieur de la poésie classique. D'autres (Moritz) tendent moins à être transportés dans le passé qu'à rapprocher ces associations classiques d'elles-mêmes, à les moderniser avec leur propre voix. Et David Samoilov est différent des deux, réfléchissant principalement en vers, éprouvant avec ses vers une distance qui nous éloigne de plus en plus de ceux dans lesquels se poursuit "l'âge d'argent" de la poésie russe, grâce auquel ce siècle nous est presque contemporain :

C'est tout fermé les yeux du génie. Nous tirons, nous tirons le vieux mot

Et quand les cieux se sont obscurcis, Nous parlons à la fois mollement et sombrement.

Comme dans une pièce vide Comme nous sommes honorés et favorisés !

Cet octuor de David Samoilov est marqué 1966 - l'année de la mort d'Akhmatova. Cela semble être une bonne épigraphe pour les deux dernières décennies en poésie.

Ce n'est pas un hasard s'il a été écrit par D. Samoilov. Il est le dernier de sa génération militaire à publier le premier livre - en 1958. Sa signification ne commence à être pleinement réalisée que dans les années 70, après la publication du premier petit recueil de poèmes sélectionnés, Equinox.

La légèreté de Samoilov, l'ironie de Samoilov : "J'ai refait de la poésie un jeu..." - attiraient les uns et rebutaient les autres, qui considéraient la solennité avec laquelle il fallait rendre compte des grands, des réalisations, des quêtes morales plus conformes à la l'esprit du temps. Le ton a beaucoup déterminé. Selon lui, la position esthétique était également reconnue - l'attitude envers la tradition. Les poèmes de Samoilov sont le signe d'un certain style dans lequel la légèreté, l'évasion, ont acquis le sens d'une affirmation. Beaucoup dans ses poèmes "comme si". Comme si la poésie était un jeu, comme si tout en elle n'était qu'éphémère, fluide, unique :

Gelées fringantes et dures Il n'y a pas de répétitions! Unique

Tout l'air résonne comme de la glace. Ni nous, ni vous, ni moi, ni lui.

Le lecteur attend déjà la rime de "roses", Ces hivers sont uniques

Mais il semble attendre en vain. Et cette sonnerie légère et malléable.

En vain d'attendre et d'attendre, Et le halo de l'aube autour du bouleau,

Endurer, attendre Comme autour du chapitre apostolique...

Le fait que les sons se répètent Le lecteur attend déjà la rime de "roses",

Et ils nous répondront à nouveau. Eh bien, attrapez-la, attrapez-la! ..

"Pas de répétition!" - une telle thèse, prouvée, mais en fait réfutée par des vers. Trop de répétitions dans ces lignes. Pouchkine - il est impossible de ne pas le reconnaître, il est cité franchement et manuel. Le poème commence par une demi-citation au premier vers. Et tout se termine par une répétition déjà par Tyutchev.

Cela veut dire qu'il y a des répétitions, tout est répétable, certes pas littéralement, mais selon la loi de la variabilité de l'immuable. Dans les poèmes de Samoilov, il y a de nombreuses citations de réminiscences, sur lesquelles le poète ne s'attarde pas. Ils déterminent seulement la nature du lien constamment entretenu, mais non découvert, non saillant avec la tradition, ils surgissent, absorbés par le mouvement du verset.

Dans les années 70, la tradition fait l'objet d'un débat critique constant, dont l'occasion est la poésie elle-même. Le passé poétique devient objet de réflexion et de choix. La tradition se révèle comme un processus à double sens, comme un dialogue dans lequel à la fois celui qui influence et celui qui le perçoit se regardent d'une manière nouvelle, sans apprentissage manuel. Le degré d'égalité des interlocuteurs dépend de sa susceptibilité et de son talent.

Urania est le nom du dernier recueil du poète. « To Urania » est le titre d'un de ses poèmes centraux :

Tout a une limite : y compris la tristesse.

Le regard est collé à la fenêtre, comme une feuille dans une palissade.

Vous pouvez verser de l'eau. Sonnez les clés.

La solitude est un homme dans un carré.

Alors le dromadaire renifle, grimaçant, les rails.

Le vide s'écarte comme un rideau...

Urania est la muse de l'astronomie, possédant l'espace de l'univers. Dans ce poème, rien n'est dit sur la nostalgie, mais le regard, pour ainsi dire, glisse, restituant le paysage de l'espace laissé.

La poésie de Brodsky a une relation complexe entre le héros et l'espace. Au premier abord, il semblait se dédoubler en plusieurs objets, laissant une impression de diversité et de fragmentation, de désintégration, comme si le fil qui reliait l'ensemble s'était échappé.

L'espace est le plus souvent indifférent à une personne, parfois hostile. Brodsky ne parle pas ouvertement de lui-même dans ses poèmes, mais utilise des images. Par exemple, un faucon. Dans le poème "Autumn Cry of a Hawk", il parle d'un oiseau qui vole au-delà de ses forces, à une hauteur où il ne peut pas surmonter le courant d'air, et il le pousse dans l'ionosphère, "dans l'enfer astronomiquement objectif des oiseaux, où il n'y a pas d'oxygène."

Brodsky enseigne à retenir par des mots leurs significations culturelles. Il le fait d'ailleurs dans l'esprit de la tradition classique pour laquelle, depuis l'Antiquité, le vol d'un oiseau est associé à un envol poétique. L'image devient ambiguë, elle permet diverses nuances de sens, bien qu'elle ne permette pas les allégories délibérées. Brodsky n'écrit pas d'allégories. "Autumn Hawk Cry" est un poème avec une prémonition de l'hiver, un poème sur la mort d'un oiseau dans le ciel américain, devenu

une poignée d'agiles

flocons volant sur la colline

Et, les attrapant avec tes doigts, les enfants

Sort dans la rue avec des vestes colorées

Et crie en anglais : "Winter, winter !".

Le travail de Brodsky a toujours suscité la controverse et une attitude ambiguë. Mais sa poésie est l'univers d'un grand poète, qui, comme tout grand poète, change la face de la tradition culturelle nationale.

En mars 1991 à Institut littéraire La conférence "Le postmodernisme et nous" a eu lieu. C'était une tentative de réunir en un seul groupe les poètes venus à la littérature au début des années 80, une tentative de définir la nature du nouveau, de trouver un mot ou un terme capable de désigner l'évolution de la pensée.

Le concept de postmodernisme a un mérite absolu : il n'impose pas de communité, il ne prescrit pas un programme unique. Ce qui est devenu relativement récemment un fait de conscience sociale est devenu bien plus tôt le matériau de la poésie.

En 1989-1992, ceux dont les noms ont été plus ou moins dûment cités plus tôt, mais qui n'ont pas eu l'occasion d'être publiés à l'époque soviétique, ont été publiés dans des collections séparées.

Parmi eux - le lauréat de prix internationaux, traducteur de poésie française - Gennady Aigi. De nombreux critiques, en particulier V. Novikov, estiment que le motif principal de sa poésie est le motif du silence ou du silence :

où l'enfant est inégal

comme à l'intérieur - de la fragilité du clair-obscur :

vide! - car le monde grandit

dedans - écouter

Complète toi-même.

Les concepts de vide, de silence portent une charge d'énergie négative. Dans le même temps, les images utilisées par Aigi ne peuvent pas être qualifiées de non conventionnelles pour la poésie russe. En particulier, Aigi hérite des traditions de la poésie de Tyutchev, mais à un niveau philosophique différent. Comme le note V. Novikov : « Si vous avez absorbé ce silence en vous, vous pouvez considérer que vous êtes entré dans le monde d'Aigi... Contraint au silence ou choisissant le silence ? En tout cas, face à la nécessité de ce choix, qui est donnée facilement à des degrés divers".

Pour la créativité Dm. Prigov se caractérise par une manière naïvement timbrée, qu'il cache sous le couvert d'un sérieux académique et semi-officiel. Dans son recueil Tears of Heraldic Love, avec une ironie indétectable par l'auteur lui-même, l'absurdité de l'existant et généralement acceptée est démontrée :

Sur les étangs sur les Patriarches

Mon enfance s'est envolée

Maintenant où vais-je

Quand ai-je vieilli beaucoup ?

Quels étangs

Quelles eaux troubles ?

Ah, vraiment dans la nature

Vous n'avez pas d'eau pour moi ?

Bonheur, bonheur, où es-tu, où es-tu ? Oh ma pauvre!

Et de quel côté êtes-vous ? La fille est invisible !

De sous le bras tout d'un coup ça Laissez-moi vous plaindre !

Réponse : Me voici ! je suis ici! Vous vous asseyez et ne vous penchez pas !

Comme I. Shaitanov l'a défini: "le visage de la poésie moderne, peut-être, est surtout riant, bien que pas très joyeux." Une place particulière dans la littérature du postmodernisme est occupée par la poésie de Timur Kibirov. L'ironie de la plupart de ses poèmes est construite sur des associations dont la nature peut être complètement différente: ce sont des constructions linguistiques abstraites, des chansons des années 20-60, des éléments de la vie quotidienne et de la littérature classique de Lomonossov à Pasternak. Mais tout cela est reproduit à un autre niveau inférieur, parodique :

Chante-moi une chanson, Gleb Krzhizhanovsky !

Je te chanterai à travers mes larmes

Je te plaindrai comme un loup de Tambov

Sur le bord, sur le bord natif !

Sur le bord derrière l'avant-poste de l'usine

Les forces obscures oppriment violemment.

Chante-moi une chanson, garçon bouclé,

Des destins inconnus nous attendent...

Comme on peut le voir dans ce cas, ce poème est tissé à partir de fragments de chansons populaires dans les années 1920.

L'un des thèmes principaux de son travail était le thème de Rossi. Et encore cette image apparaît comme une chaîne d'associations, et la plus inattendue :

Mon entreprise sent le kérosène

Côté kérosène natif

Ça sent le "Shiprom" comme un homme rasé

Et en tant que femme "Red Moscow"

Sentez-vous, sentez-vous? Je le ferais encore !

Dois-je, un local, tourner le nez !

Peignoir polonais huilé

Esprit russe, combat, batte

Et antonovka est plus proche de Kalouga

Et dans la steppe de Mozdok, la marijuana.

Tu sens le bâtard, qu'est-ce que ça sent ? et blizzard

Oh, blizzard, blizzard de Vorkouta...

Très souvent dans sa poésie, des concepts qui étaient auparavant incompatibles se rejoignent :

Cafards dans le tambour

Puces dans les coins

Et rêve dans le brouillard

Prolétaires de tous les pays.

Et encore une fois, l'attitude envers la Russie est une vue de l'extérieur. Et le regard ne sanglote pas, ne touche pas. C'est le regard d'une personne qui comprend parfaitement le pays sur lequel il écrit et l'époque dans laquelle il vit :

Au moins je suis un Chuchmek ordinaire,

Excusez-moi, vous êtes juif !

Pourquoi pleurons-nous insupportablement

Sur votre Russie ?

I. Shaitanov a noté très précisément l'essence du postmodernisme: «Forcés de se taire ou de choisir volontairement, écoutant le silence sacré ou assourdis par un« écho négatif »et enterrés par un effondrement linguistique - ils sont tous liés dans leur implication dans le silence. Puissant relation, expliquant comment, dans un même espace de l'underground, les ironistes violents et les adeptes des textes priants-silencieux pouvaient se réunir dans certaines communautés poétiques. .

Parlant de l'interaction des poètes des années 60 et de l'underground, il convient de noter que la fin des années 80 et le début des années 90 est le moment même où les aînés et les plus jeunes ont quitté la zone de silence et étaient en désaccord entre eux sur de nombreux points. Le comportement quotidien des plus jeunes semblait provocant. Ils sont, au mieux, indifférents à la morale, et aucune idée morale n'est reconnue comme une occasion appropriée d'inspiration poétique. Les principes mêmes des années soixante étaient ainsi rejetés.

Dans les années 1980, ils ont commencé à évaluer plus sérieusement et plus profondément ce qui, dans les années 1960, était considéré comme une "sous-culture", une "pré-littérature", une "contre-culture", etc. En particulier, la chanson de l'auteur.

Le contemporain de Pouchkine, le prince Vyazemsky, a déclaré qu'il existe des genres dans lesquels la société ne s'exprime pas simplement, mais "crache", éclabousse, gémit, conjure et plaisante sur le noir. V. Mayakovsky considérait comme un exploit qu'il "léchait des crachats voraces avec la langue rugueuse d'une affiche". Les bardes ont commencé à ignorer l'affiche et ont ainsi prolongé l'âge de l'affiche. De cette façon, ils ont fortement élargi la portée de ce qui était permis dans la réflexion sur la vie, dans le développement de recettes d'autodéfense contre le mal. Déjà V. Shukshin a partiellement introduit dans ses histoires ce qui était traité comme "areal", "street", "bouffonerie", y voyant des éléments de la culture du rire folklorique.

Les années 70 et le début des années 80 sont l'apogée de la chanson de l'auteur (V. Vysotsky, A. Galich, Yu. Vizbor, E. Klyachkin, B. Okudzhava, Yu. Kukin).

Les thèmes et le contenu de la chanson de l'auteur sont exceptionnellement diversifiés. Voici une chanson de jardin, et une satire, et des voleurs, et une parabole philosophique, et une chansonnette. La plupart d'entre eux sont de nature intime et ne sont pas conçus pour un effet externe. Sa caractéristique importante est également qu'il est conçu principalement pour la présentation orale. Le genre de la chanson savante qui émerge au tournant des années 1950 et 1960 est, de par sa nature même, orienté vers la tradition orale, maîtrisant organiquement toutes ses formes, du roman petit-bourgeois à l'anecdote.

Contrairement à la plupart des chansons d'auteur, la poésie de Galich n'a pas été conçue pour la perception collective d'un public de masse. Les poèmes de Galich sont la conversation d'un poète avec un interlocuteur proche, c'est une confession. Bien qu'il ait également eu de nombreuses chansons de nature fortement satirique et ironique. ("La ballade de la plus-value", "Triangle rouge", "L'histoire de la façon dont le directeur d'un magasin d'antiquités a failli perdre la raison", etc.). Mais même en eux, il y avait un élément de confession tragique, caché quelque part en arrière-plan et plus nu dans des chansons telles que "Merry Conversation", "Karaganda", "Valse-ballade sur la belle-mère d'Ivanovo", "Clouds ", " Romance sur Belle Dame ", " Train ". Dans la poésie de Galitch, il y a de nombreuses réminiscences avec la poésie russe de "l'âge d'argent". Par example:

Un corbeau vole la nuit.

C'est mon barreur d'insomnie

Même si je crie

Mon op ne devient pas plus fort

Il peut à peine entendre en cinq étapes

Mais ils en disent trop.

Mais c'est comme un cadeau d'en haut

Soyez audible jusqu'à cinq étapes.

Ce poème est un appel direct et une continuation du thème du poème de Mandelstam "Nous vivons sous nous sans sentir le pays". Ici et version moderne"L'Étranger" de Blok : "Princesse de la Basse Maskovka". "Et la voilà qui se promène entre les tables dans son costume en jersey... à son doigt étroit elle a une bague pour deux ans et demi..."

La vraie vie existe dans toutes les chansons de Galich, construites sur un paradoxe. Voici deux destins humains, dans l'histoire desquels le poète conjuguait compassion pour l'un et mépris pour l'autre, à travers lesquels pourtant transparaît aussi la compassion :

Elle a emballé ses affaires, a dit finement

Et que tu es tombé amoureux de Tonka, alors sois avec elle avec Tonka

Ce n'est pas Tonka qui t'a attiré avec ses lèvres humides,

Et que dire du tapis roulant de son père sous les fenêtres,

Et qu'en est-il de papa, elle, datcha à Pavshin,

Toptuns et laquais avec secrétaires,

Et qu'en est-il de papa, sa soudeuse tsekovskie,

Et en vacances cinéma avec Tselikovskaya.

C'est ce que tu voulais et tu te connais.

Tu te connais, mais tu es timide

Tu parles d'amour, de confiance,

A propos de haut, à propos de la matière.

Et à vos yeux, vous avez une datcha à Pavshin.

Dans les années 60, Galich a soulevé un énorme problème qui est devenu l'un des principaux de son travail, une question d'actualité aujourd'hui : celle des personnes qui se sont adaptées. Le poète en parle dans une chanson, ironiquement intitulée « Prospecting Roll » :

Mais puisque le silence est d'or

Nous sommes donc certainement des mineurs.

Laisse les autres hurler de désespoir

Du ressentiment, de la douleur, de la faim.

On sait que le silence est plus profitable

Parce que le silence est d'or.

Voici à quel point il est facile de devenir riche

Voici à quel point il est facile d'entrer dans pervacha,

Voici à quel point il est facile d'entrer dans pervacha

Tais-toi, tais-toi, tais-toi.

Le credo poétique et civique de Galich est exprimé avec la plus grande clarté et certitude publiciste dans ce poème. Le même thème se poursuit dans le poème dédié à la mémoire de Pasternak.

"Il neige, il neige sur toute la terre Et pas jusqu'à la couronne d'épines

A toutes les limites. rouler,

Une bougie brûlée sur la table et comme une bûche dans le visage

Non, pas une bougie, Et quelqu'un a demandé ivre :

Le lustre était en feu. Pour quoi, qui est là

Des lunettes sur le visage du bourreau Et quelqu'un a mangé,

Ils scintillaient faiblement. Et quelqu'un pleurait

Et la salle bâillait, et la salle s'ennuyait, A cause de l'anecdote.

Meli Emelia. Nous n'oublierons pas ce rire

Après tout, pas en prison, et pas à Suchan, Et cet ennui.

Pas au plus haut degré. Nous nous souviendrons de chacun par son nom.

Qui a levé la main.

Il n'avait pas le moindre doute que cela serait et deviendrait un acte de citoyenneté.

Le travail de Vladimir Semenovich Vysotsky a reçu une large reconnaissance non seulement dans notre pays, mais aussi à l'étranger. Ses chansons basées sur ses propres poèmes sont restées dans les mémoires pour leur contenu inhabituel et leur interprétation passionnée et inspirée. Ils ont atteint le plus profond du cœur des auditeurs. La poésie de Vysotsky a un contenu multiforme. Il a chanté sur tout ce que les gens ont vécu : sur la paix et la guerre, sur l'amour et l'amitié, sur le sport et le travail. Il s'intéressait aux thèmes de l'art, de l'espace, du destin de la Terre.

La poésie de Vysotsky se caractérise par une compréhension philosophique des problèmes éternels de la vie et de la mort. Il exprime dans des poèmes sa croyance en l'infinité de la vie sur terre :

Qui a dit : "Tout a brûlé, la Maternité ne peut être enlevée de la Terre,

Ne jetez plus une graine dans le sol ... "N'enlevez pas, comment ne pas creuser la mer,

Qui a dit que la terre était morte ? Qui a cru que la Terre était brûlée ?

Non, elle s'est cachée un moment... Non, elle est devenue noire de chagrin...

Vysotsky a écrit de nombreuses chansons sur la guerre. Bien que, lorsque la guerre a commencé, il avait trois ans et que sept ans seulement se sont terminés, Vysotsky a réussi à transmettre la tragédie du peuple, la tragédie de ces familles où fils, frères, prétendants et maris ont payé de leur vie la victoire sur le fascisme :

Pourquoi tout va mal ? Tout semble être le même que toujours:

Le même ciel est à nouveau bleu

La même forêt, le même air et la même eau...

Seulement, il n'est pas revenu de la bataille ...

Une grande place dans la poésie de Vysotsky est occupée par des chansons sur l'amitié et l'amour. Largement connu pour sa "Chanson d'un ami":

Si un ami était soudainement

Ni ami ni ennemi. et donc...

Si vous ne comprenez pas tout de suite

Est-il bon ou mauvais,

Tirez le gars dans les montagnes - tentez votre chance!

Ne le laissez pas seul !

Laissez-le être en un avec vous -

Là, vous comprendrez de qui il s'agit.

Le thème de l'amour occupe une grande place. L'amour pour Vysotsky est le plus grand cadeau de la nature et un grand sentiment du cœur humain:

Quand le déluge mondial

revint de nouveau aux confins de la côte,

de l'écume du flux sortant

l'amour est sorti tranquillement sur terre

et disparu dans les airs,

et le terme était de quarante quarante ...

Et il y aura plein d'errances et d'errances :

Le pays de l'amour est un grand pays !

La poésie de Vysotsky est devenue la propriété du peuple. Il contient une conversation passionnante avec un contemporain sur la chose la plus importante, la plus importante, la plus urgente qui inquiète tout le monde. Sa poésie est la poésie de l'honneur, du courage, de la dignité humaine, la poésie de la vérité et de l'amour.