En 1978, Adrian Maben hizo una película sobre el gran René Magritte. Luego, todo el mundo aprendió sobre el artista y, sin embargo, sus pinturas fueron dignas de volverse inmortales desde el principio. Magritte pintó al estilo del surrealismo, y lo pusieron audazmente al mismo nivel que Salvador Dalí. Magritte fue muy ingenioso en su trabajo. Compruébelo usted mismo: merecen admiración.

Hijo del hombre, 1964

Sherezade, 1948

Lo más divertido del estilo del artista fue que no dibujó imágenes incomprensibles, sino que usó cosas bastante primitivas como componentes de la imagen. Parece que todos los objetos son reconocibles, pero el resultado es una inimaginable sur (¡sorpresa!).

Movimiento perpetuo, 1935

Además, el propio Magritte dijo que "cose" un pensamiento en cada imagen, y las imágenes no son un montón de elementos estúpidos, sino una historia independiente.

El principio del placer, 1937

Compañeros del miedo, 1942

Los investigadores dicen que si evalúas todas las pinturas del artista, puedes crear una idea bastante clara de su mundo interior.

Esto no es una manzana, 1964

Gran familia, 1967

Gran Guerra, 1964

Durmiente sereno, 1927

El artista nació el 21 de noviembre de 1898 en la ciudad de Lessin. Cuando tenía 14 años, la madre de René se ahogó en el río Sambre, lo que fue un gran shock para el niño. Por alguna razón, generalmente se acepta que este hecho no influyó en la obra de Magritte, pero ciertamente existe una relación.

Amantes, 1928

Amantes II, 1928

Golconda, 1953

Dos secretos, 1966

Al parecer, como compensación por su difícil infancia, a la edad de 15 años, el chico se enamora de Georgette Berger, y ella se convierte en su única mujer de por vida. A ella le dedica todos sus cuadros, ella actúa como su única modelo, él le es fiel. ¡Una respetable historia de amor! Cuando cumple 22 años, se casan, para entonces Magritte se ha graduado en la academia de arte durante mucho tiempo.

Georgette Magritte, 1934

Magritte con Georgette

En la ola del amor, el futuro talento admira las obras de otros maestros (entonces el cubismo estaba de moda) y comienza a ganar dinero extra como pintor de casas y cartelista.

Terapeuta, 1937

Lámpara filosófica, 1936

La primera exposición de Magritte se llevó a cabo en 1927. Luego leyó mucho, se movió en un círculo de filósofos y escritores respetados, estudió psicoanálisis, por lo que todas sus pinturas estaban llenas de profundo contenido y significado. Pero no le gustaba el psicoanálisis y no se consideraba un surrealista, ya que los críticos de sus pinturas intentaron “diseccionar” su carácter a partir de sus obras. Llegamos al complejo de Edipo, recordamos a la madre muerta y luego Magritte se enojó.

"Es terrible ver a qué tipo de burlas puede ser sometida una persona que ha hecho un dibujo inocente... Quizá el psicoanálisis en sí sea el mejor tema para un psicoanalista".

Violación, 1934

Meditación, 1936

En la década de 1950 le llegó el reconocimiento mundial, sus cuadros fueron expuestos en Roma, Londres, Nueva York, en general, en las mejores galerías del planeta. Su arte a menudo se ha denominado "sueños despiertos".

Sala de audiciones, 1952

Modelo rojo, 1935

Espejo torcido, 1928

Invención colectiva, 1942

El artista elaboró:

"Mis pinturas no son sueños dormidos, sino sueños que despiertan".

Por supuesto, sus pinturas están dibujadas en diferentes estilos y técnicas: art déco, postimpresionismo, cubismo, surrealismo, en las obras se utilizaron todo tipo de materiales (desde el gouache hasta las aplicaciones), pero ganó fama precisamente por el surrealismo atípico de sus obras.

Medianoche en matrimonio, 1926

En 1967, René murió de cáncer de páncreas. Han pasado casi 50 años y su obra aún emociona y agrada a la gente. Y esto significa que el artista puede considerarse con seguridad un clásico.

Pintura inacabada, 1954

Uno de los artistas destacados del siglo pasado, René Magritte (1898-1967) era de Bélgica. En 1912, su madre se ahogó en el río, lo que aparentemente causó una gran impresión en el entonces adolescente futuro artista, sin embargo, contrariamente a la creencia popular, no se debe sobrestimar el impacto de este evento en la obra del autor. Magritte trajo de la infancia una serie de otros recuerdos, no tan trágicos, pero no menos misteriosos, sobre los cuales él mismo dijo que se reflejaban en su trabajo.

Educado en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, al principio estuvo fuertemente influenciado por el dadaísmo y el cubismo. 1925 fue un punto de inflexión en su trabajo: la pintura "Rosas de Picardía" marcó un nuevo estilo y una nueva actitud: el "realismo poético". El artista se traslada al "centro del surrealismo" - París, donde participa en todas las exposiciones surrealistas. Y en 1938, la London Art Gallery organizó la primera gran exposición del maestro belga.

A principios de la década de 1950 El arte de Magritte está recibiendo un reconocimiento internacional cada vez mayor, como lo demuestran sus grandes exposiciones en Roma, Londres, Nueva York, París y Bruselas. En 1956, Magritte, como destacada representante de la cultura de Bélgica, recibió el prestigioso Premio Guggenheim.

La característica principal de Magritte es la atmósfera de misterio en sus obras. La sensación de misterio, como saben, es inherente al arte real. "Siempre he considerado a Magritte un artista de lo imaginario, un maestro que se encuentra en algún lugar al nivel de Giorgione", escribió Herbert Read. Estas palabras contienen la clave de la poética de Magritte.

En la pintura "Falso espejo" (1929), que expresa el credo ideológico del artista, todo el espacio está ocupado por la imagen de un ojo enorme. Solo que en lugar del iris, el espectador ve un cielo azul de verano con nubes transparentes flotando sobre él. El título explica la idea de la imagen: los órganos de los sentidos solo reflejan la apariencia de las cosas, sin transmitir las profundidades ocultas del mundo, sus secretos. Sólo lo incompatible ayuda, según Magritte, a captar el sentido del ser. Una imagen sólo puede nacer de la convergencia de dos realidades más o menos distantes.

Magritte seguirá este método a lo largo de toda su carrera, lo que se nota especialmente en sus pinturas "filosóficas". Uno de ellos es Las vacaciones de Hegel (1958).

"Mi última pintura", escribió, "comenzó con la pregunta: ¿cómo representar un vaso de agua en un cuadro de tal manera que no nos sea indiferente? Pero al mismo tiempo, y de tal manera que no sería especialmente bizarro, arbitrario o insignificante, uno en una palabra para que se pudiera decir: ingenioso (dejemos la vergüenza innecesaria).
Empecé a dibujar los vasos uno tras otro (tres bocetos), cada vez con un trazo transversal (boceto). Después de la centésima o ciento cincuenta
dibujo, el trazo se hizo algo más ancho (contorno). Al principio, el paraguas estaba dentro del vidrio (boceto), pero luego, pero luego resultó estar debajo de él (boceto).
Entonces encontré una solución a la pregunta original: ¿cómo se puede representar ingeniosamente un vaso de agua? Pronto me di cuenta de que este tema podría ser de gran interés para Hegel (también es un genio), porque mi tema combina dos opuestos.
aspiraciones: no quiere agua (la repele) y quiere agua (la recoge). Creo que le hubiera gustado o encontrado divertido (por ejemplo, durante las vacaciones). Por eso llamé a la imagen "Las vacaciones de Hegel".

Magritte se destaca claramente entre los surrealistas: a diferencia de ellos, no utiliza elementos fantásticos, sino ordinarios, tomados de formas extrañas. Tal es su famoso cuadro "Propiedad personal" (1952).

La "clave" aquí también es el nombre. Hipertrofias "personales" a proporciones monstruosas. La habitación se convierte en una especie de "microcosmos", cerrado, apretado, a pesar del cielo con nubes flotando a través de él en lugar de paredes. Todas las cosas aquí cambiaron extrañamente, como si cobraran vida, adquirieron un aspecto no utilitario, aunque, como siempre con Magritte, los objetos no cambiaron su apariencia, textura, color y son perfectamente "reconocibles". El espectador, como de paso, admira el brillo azulado del cristal del cristal, la textura muebles de madera, la habilidad de transferir reflejos de espejo. Pero de paso, porque los objetos parecen haber ganado independencia, como si hablaran en nombre de su dueño, usurpando por completo su papel "protagónico". Ellos mismos se han convertido en "personalidades" y parecen estar hablando entre sí.

Una de las características de la pintura temprana de Magritte es su "literariedad" en el buen sentido de la palabra. Magritte gira en un círculo de poetas, filósofos, escritores, estudia las obras teóricas de famosos románticos del siglo XIX. Estuvo muy influenciado por las obras del poeta y filósofo romántico inglés. principios del XIX en. Samuel Taylor Coleridge, quien principalmente reverenciaba el simbolismo en el arte, tal "completa subordinación de la materia al espíritu que la materia se convierte en un símbolo a través del cual el espíritu se revela".

Una ilustración de este pensamiento es, en particular, la famosa pintura de Magritte "Liberación" ("Huida a los campos"), creada en 1933.

Un extraño paisaje se abre desde una ventana rota. Colinas verdosas de la tarde, árboles azules esféricos, cielo transparente de nácar, distancias azules. Usando brillantemente las técnicas de pintura tonal, el artista crea un estado de ánimo de euforia alegre, expectativa de algo inusual, maravilloso. Sombra cálida las cortinas en primer plano refuerzan la impresión de ligereza de este paisaje encantado... Las pinturas de Magritte parecen hechas por una mano tranquila e intrépida. Un maestro del color, Magritte lo usa con moderación, con moderación. En "Liberación" se utiliza el simbolismo del color para expresar asociaciones complejas. Las manchas de azul, rosa, amarillo y negro le dan a la imagen una plenitud de color y una vivacidad sorprendentes.

La originalidad de la obra de René Magritte se revelará más plenamente si pasamos al tema "Surrealismo y freudismo". El principal teórico del surrealismo, Andre Breton, psiquiatra de profesión, otorgó una importancia decisiva al psicoanálisis de Freud a la hora de evaluar la obra del artista. Los puntos de vista freudianos no solo fueron adoptados por muchos surrealistas, sino que se convirtieron en su forma de pensar. Por ejemplo, para Salvador Dalí, según él mismo admite, el mundo de las ideas de Freud significaba tanto como el mundo de las Escrituras para los artistas medievales o el mundo de la mitología antigua para los maestros del Renacimiento.

El "método de asociación libre" propuesto por Sigmund Freud, su "teoría de los errores", "interpretación de los sueños" tenían como objetivo principal identificar los trastornos mentales mórbidos con el propósito de curar. A esto también apuntaba la interpretación de las obras de arte propuesta por Freud. Pero con este entendimiento, el arte se reduce a un factor "curativo" particular, por así decirlo. Esta fue la falacia del acercamiento de los teóricos del surrealismo a las obras de arte. De ello era muy consciente Magritte, quien apuntó en una de sus cartas de 1937: “El arte, tal como yo lo entiendo, no está sujeto al psicoanálisis. Es siempre un misterio”. El artista ironizó sobre los intentos de interpretar sus pinturas con la ayuda del psicoanálisis: "Decidieron que mi 'Modelo Rojo' es un ejemplo de un complejo de castración. Después de escuchar varias explicaciones de este tipo, hice un dibujo de acuerdo con todas las " reglas "del psicoanálisis. Naturalmente, lo analizaron de la misma manera. Es terrible ver a qué tipo de burla puede ser sometida una persona que ha hecho un dibujo inocente ... Quizás el psicoanálisis en sí es el mejor tema para un psicoanalista.

Es por eso que Magritte se negó obstinadamente a llamarse "surrealista". Aceptó de buena gana la caracterización de "realista mágico". Esta dirección es típica del "período belga" de su trabajo, a partir de 1930, cuando Magritte regresó para siempre de París a Bruselas.

Las tradiciones del antiguo arte holandés tuvieron un efecto beneficioso en la obra de Magritte. En la pintura "Plagio" (1960), varios detalles-símbolos llaman la atención.

A la izquierda de la mesa vemos la imagen de un nido y tres huevos, el simbolismo de la Trinidad. Como un mago, el artista parece materializar ante nuestros ojos las imágenes de su fantasía, y se convierten en un hermoso jardín frutal, un símbolo de una imaginación creativa viva. Magritte crea una imagen poética sutil y espiritualizada. Al contemplar la imagen, solo se pueden admirar los tonos más delicados de rosa, azulado y nácar: una vista verdaderamente fabulosa.

en la década de 1930 Magritte, junto con el arte del Bosco, profundiza en la obra de su compatriota, dramaturgo y filósofo Maurice Maeterlinck, quien escribió en 1889 en la colección "Invernaderos": "Un símbolo es una fuerza de la naturaleza, pero la mente de una persona no puede resistir su leyes... Si no hay símbolo, no hay obra de arte".

Maeterlinck le debe a Magritte la capacidad de desarrollar la comparación en toda una red de imágenes que la fantasía del artista convierte en el mundo real. En la pintura Madness of Greatness (1948), se representa una vela encendida en un parapeto de piedra contra el fondo del interminable mar azul, como símbolo de la fragilidad de la vida humana. Cerca hay varios torsos femeninos que sobresalen unos de otros (símbolo de sensualidad). Y en el cielo con hermosas nubes congeladas (para Magritte, un símbolo de la atemporalidad), el espectador ve formas geométricas azules "incorpóreas", que simbolizan "ideas puras", y globo- un símbolo del "pensamiento puro" abstracto.

Con la ayuda de finamente elaborado colores el artista "especifica" la idea principal. "Sensualidad" es un color carne cálido. Las "formas puras" se resuelven en una tonalidad azulada fría, correspondiendo al simbolismo y al mismo tiempo creando una sensación de espacio sin límites.

“Deambulamos al azar por el valle, sin darnos cuenta de que todos nuestros movimientos se reproducen y adquieren su verdadero significado en la cima de la montaña”, escribió Maeterlinck en Treasure of the Humble, “y es necesario que de vez en cuando alguien venga”. hacia nosotros y dijo: "Mira hacia arriba, mira lo que eres, mira lo que estás haciendo. No vivimos aquí, nuestras vidas están allá arriba. Esa mirada que intercambiamos en la oscuridad, esas palabras que no cobran sentido al pie de la montaña, mira, en lo que se han convertido y lo que significan allí, sobre las alturas nevadas.

Esta idea de Maeterlinck quedó reflejada en el cuadro de Magritte "Posesión de Arnheim" (1962).

Solo al romper un vidrio con una imagen falsa pintada, se puede ver la realidad en todo su esplendor brillante, cree el artista. Es aquí, en las cimas de las montañas de las que hablaba Maeterlinck, donde acecha la Verdad.

La pintura "Una respuesta inesperada" (1933) encarna otro pensamiento de Maeterlinck: "No hay días insignificantes en la vida. Ve, vuelve, vuelve a salir: encontrarás lo que necesitas en el crepúsculo. Pero nunca olvides que eres cerca de la puerta., tal vez, una de esas estrechas grietas en las puertas de la oscuridad, a través de las cuales se nos da la oportunidad de prever por un momento todo lo que debe suceder en la gruta de los tesoros que aún no han sido descubiertos.

La imagen parece una especie de emblema de un misterio emocionante: todo aquí es tan integral, "natural", si esta definición se puede atribuir a una de las composiciones más misteriosas y místicas de Magritte. La "puerta rota" abierta es un símbolo de otra dimensión, llena de muchos misterios.

Algunos autores que escriben sobre Magritte lo declaran un "artista del absurdo", en cuyas pinturas no hay significado. Si este fuera el caso, si el objetivo del artista fuera representar sólo "lo absurdo de nuestra existencia cotidiana", sería creatividad al nivel del rompecabezas, y no el arte serio que es. Magritte escribió: "Le preguntamos a la imagen al azar, en lugar de escucharla. Y nos sorprendemos cuando la respuesta que recibimos no es franca".

Su arte a menudo ha sido llamado "sueños despiertos". El artista aclaró: “Mis pinturas no son sueños dormidos, sino sueños que despiertan”. No es de extrañar que el destacado surrealista Max Ernst, al ver su exposición en Nueva York a principios de la década de 1950, dijera: "Magritte no duerme y no está despierto. Él ilumina. Él conquista el mundo de los sueños".

“Sin misterio, ni el mundo ni la idea son posibles”, no se cansaba de repetir Magritte. Y como epígrafe de uno de sus autorretratos, tomó la línea del poeta francés del siglo XIX. Lautreamont: "A veces sueño, pero ni por un momento pierdo la conciencia de mi identidad".

De ahí la inesperada interpretación de "interno y externo" en las obras de Magritte.

He aquí el comentario del artista sobre su cuadro "Cuadros de vida" (1934): "Frente a la ventana que vemos desde el interior de la habitación, coloqué un cuadro que representaba justamente esa parte del paisaje que cierra. Así, el árbol en la imagen oscurece el árbol que está parado detrás fuera de ella. Para el espectador, el árbol está tanto dentro de la habitación en la imagen como fuera en el paisaje real. Así es como vemos el mundo. Lo vemos fuera de nosotros y en el al mismo tiempo vemos su representación dentro de nosotros mismos. Así, a veces ponemos en el pasado lo que está sucediendo en el presente. Así, el tiempo y el espacio se liberan del significado trivial que les otorga la conciencia ordinaria".

Herbert Read señaló: "Magritte se distingue por la severidad de las formas y una clara claridad de visión. Su simbolismo es puro y transparente, como el vidrio de las ventanas que tanto le gusta representar. Rene Magritte advierte sobre la fragilidad del mundo. como témpanos de hielo". Este es un ejemplo de una de las posibles interpretaciones de las ambiguas metáforas de Magritte. El motivo de la ventana de vidrio de este artista también puede verse como un límite entre dos mundos: el real y el irreal, el poético y el mundano, entre el consciente y el inconsciente.

En la pintura "El hijo del hombre" (1964), el hombre moderno se representa contra el fondo de un muro que lo separa de las vastas extensiones del océano y el cielo, que simboliza el infinito. Una manzana que cuelga frente a la cara de una persona le da misterio a la imagen. Esta manzana se puede percibir como el fruto del árbol del conocimiento y como un símbolo de la naturaleza, que una persona está tratando de comprender. Al mismo tiempo, este detalle da armonía a la apariencia prosaica de un burgués prolijo.

La pintura "Golconda" (1953) puede verse como una metáfora materializada: las personas "con peso" se han vuelto ingrávidas. Hay una ironía escondida en el nombre: después de todo, Golconda es una ciudad semilegendaria en la India, famosa por sus placeres de oro y diamantes, y estas personas parecen sentirse atraídas por el oro. El artista cuelga en un espacio ilimitado varias docenas de rentistas cuidadosamente vestidos, con bombines, corbatas y abrigos de moda, mientras mantiene una ecuanimidad absoluta.

En una de las últimas pinturas de Magritte, "The Ready Bouquet" (1956), un hombre con el mismo bombín y frac, espalda de pie al espectador en la terraza, contempla el parque al atardecer. Y en su espalda está la "Primavera" de Botticelli, marchando en flores y brillo de colores. ¿Qué es? ¿Realización del aforismo "El hombre pasa, el arte permanece"? ¿O, tal vez, una persona admirando el parque, recordó la pintura de Botticelli? La respuesta no está clara.

El artista busca destruir la idea habitual de lo conocido, inmutable, para hacer ver el objeto en una nueva dimensión, llevando al espectador a la confusión. En sus lienzos creó un mundo de fantasía y sueños a partir de cosas reales, sumergiendo a los espectadores en una atmósfera de sueños y misterio. El artista supo magistralmente cómo "dirigir" sus sentimientos. Pareciera que el mundo creado por el artista es estático y sólido, pero lo irreal siempre invade lo ordinario, destruyendo ese mundo familiar (una manzana ordinaria en una habitación, creciendo, desplaza a las personas o de una chimenea en a toda velocidad salta una locomotora - “Tiempo perforado”, 1939).

La pintura más copiada es La creación del hombre (1935). La imagen del mar en la imagen en un caballete de pie frente a una ventana abierta, milagrosamente se fusiona con la vista al mar "real" desde la ventana.

El tema de muchas de las pinturas de Magritte fue la llamada "realidad oculta". Parte de la imagen, por ejemplo, la cara del personaje principal, está cubierta por algo (una manzana, un ramo de flores, un pájaro). Magritte explica así el significado de estas obras: “Lo interesante de estas pinturas es la presencia de lo abierto y lo oculto que irrumpen de repente en nuestra conciencia, que en la naturaleza nunca se separan”.

En Amantes, René Magritte muestra que cuando estamos verdaderamente enamorados, nuestros ojos están cerrados.

En un esfuerzo por comprender el elusivo significado de las pinturas de Magritte, por "explicarlas", la mente del espectador se aferra frenéticamente a ambas. El artista le "arroja" el nombre de la imagen (generalmente aparecía después de que se completó el trabajo). Magritte le dio al título un papel decisivo en la percepción del cuadro. Según los recuerdos de familiares y amigos, cuando inventaba nombres, a menudo los discutía con otros escritores. Esto es lo que el propio artista dijo sobre esto: "El título es una indicación de la función de la imagen", "El título debe contener una emoción viva", "El mejor título de la imagen es poético. No debe enseñar nada, sino, en cambio, sorprender y fascinar.”

Muchos de los títulos de las pinturas son deliberadamente científicos, y la ironía es visible en ellos: “Lámpara filosófica” (1937), “Elogio de la dialéctica” (1937), “Conocimiento natural” (1938), “Tratado de las sensaciones” (1944). ). Otros títulos crean una atmósfera de misterio poético: Diálogo interrumpido por el viento (1928), Clave de los sueños (1930), Duración dolorosa (1939), Imperio de la luz (1950), El salón de Dios (1958).

La pintura "Imperio de la luz" fue pintada por Magritte en la última década de su vida, pero de inmediato se convirtió en quizás su obra más popular. Tan popular que muchos coleccionistas estaban dispuestos a pagar cualquier dinero solo por tener una de sus réplicas en su colección.

Entonces, ¿cuál es esta imagen que ha capturado la mente de personas de todo el mundo? A primera vista, parece simple e incluso sin pretensiones. La casa en la orilla de un pequeño lago está escondida a la sombra de árboles extensos. Las ventanas del segundo piso arden con una luz acogedora, un farol solitario da su luz amistosa a un viajero que podría estar aquí en una noche oscura. Parecería - un nocturno ordinario, bastante realista. Cualquier artista "tradicional" puede escribir una pintura así.

¿Pero es verdad? ¿Por qué, entonces, surge una vaga ansiedad que obliga al espectador a mirar cada vez más de cerca la imagen? Esta ansiedad no se irá hasta que de repente se aclare: ¡el cielo, eso es lo que es! Un cielo azul con nubes blancas y esponjosas corriendo alegremente. ¡Y esto es tarde en la noche! Simplemente no preguntes cómo es esto posible, porque nada es imposible en el mundo de Magritte. Como nadie más, a este artista le encanta conectar lo incompatible, introducir detalles en sus pinturas que contrastan tanto entre sí que el espectador primero experimenta un ligero susto, pero luego su mente comienza a trabajar con doble intensidad, tratando de encontrar una solución. a la farsa propuesta.

El mismo Magritte dijo esto sobre ella: “Combiné diferentes conceptos en el Imperio de la Luz, a saber, el paisaje nocturno y el cielo en todo su esplendor de luz diurna. El paisaje nos inclina a pensar en la noche, el cielo, en el día. En mi opinión, este fenómeno simultáneo del día y la noche tiene el poder de sorprender y encantar. Y a este poder lo llamo poesía.

René Magritte en persona

"Autorretrato" ("Mirada vigilante")

Recordando su infancia, escribió: “Recuerdo mi asombro cuando vi por primera vez el tablero de ajedrez, las piezas en él. ¡Impresión aterradora! ¡Páginas de música, donde signos misteriosos denotaban sonido y no palabras! Aquí hay una pequeña obra temprana del artista: "Lost Jockey", que se convirtió en su manifiesto creativo.

El jinete, corriendo a toda velocidad sobre un caballo enjabonado, se perdió en una irreal arboleda de enormes piezas de ajedrez pintadas con notación musical.

Cuadro “Carte blanche” u “Obstáculo del vacío”.

Magritte escribió sobre ella: “Las cosas visibles pueden ser invisibles. Si, por ejemplo, algunas personas cabalgan por un bosque, al principio las ves, luego no las ves, pero sabes que están allí. En el cuadro “Carte Blanche”, el jinete oscurece los árboles y ellos la oscurecen a ella. Sin embargo, nuestro poder de pensar abarca tanto lo visible como lo invisible, y con la ayuda de la pintura hago visibles los pensamientos”.

Cuadro “Bifurcación prohibida”

Es interesante notar que en Magritte sólo las imágenes de un pájaro están libres de complejidades asociativas. Los pájaros llevan la energía positiva del vuelo, nada más. No hay pájaros muertos, caídos, con las alas rotas. Los pájaros están vivos y sus alas están llenas de cirros azules y blancos brillantes de Magritte (Big Family, 1963).

El 15 de agosto de 1967, René Magritte murió de cáncer. Ha fallecido uno de los artistas-magos del siglo XX, que en vida se parecía tanto a un respetable farmacéutico.
Llevó una vida tranquila y tranquila de un hombre belga en la calle, lejos del alboroto bohemio, un hombre que es difícil de distinguir entre la multitud. Sueños, paradojas, miedos, peligros misteriosos abrumaban solo sus pinturas, no la vida. El artista luchó contra el aburrimiento solo en la creatividad. La regularidad de cada día le sentaba a la perfección, incluso pintó la mayoría de sus cuadros en el comedor y, hasta el final de su vida, prefirió el tranvía a otros medios de transporte.
De alguna manera, poco antes de su muerte, Magritte, este maestro sofisticado, dijo: "Todavía no entiendo la razón por la que vivimos y morimos". ¿Quizás el artista simplemente cifró las pistas sobre las causas y los misterios de estar en sus pinturas de rompecabezas? Todo puede ser. ¡Entonces deberías echarles un vistazo!

El 2 de junio de 2009 se inauguró en Bruselas un nuevo museo dedicado a la obra del famoso artista surrealista René Magritte. El Real Museo de Bellas Artes asignó una sala de 2,5 mil metros cuadrados. La exposición del Museo Rene Magritte incluye más de 200 obras del autor, esta es la colección más grande del mundo.

(P. Rene Francois Ghislain Magritte; nacido el 21 de noviembre de 1898 en Lessin, fallecido el 15 de agosto de 1967 en Bruselas) - Artista surrealista belga. Conocido como el autor de pinturas ingeniosas y al mismo tiempo poéticamente misteriosas.

René Magritte fue visto con recelo. Sobre todo médicos. Especialmente los psicoanalistas. Aquellos que no notaron ninguna anormalidad mental detrás de este artista cambiaron bruscamente de opinión después de eso. ¿Cómo conociste su obra?

Pero en respuesta a sus intrusiones, el propio artista, no sin sarcasmo, argumentó que el mejor paciente para un psicoanalista es otro psicoanalista. Y el más popular en esos días, Sigmund Freud, no fue tomado en serio en absoluto. Pero siguió dibujando manzanas y rostros, espejos con reflejos fantásticos, ataúdes para muertos sentados y otras rarezas e incomprensibilidades.

René pasó su infancia y juventud en la pequeña ciudad industrial de Charleroi. La vida era dura.

René Magritte "Hijo del hombre", 1964.

En 1912, su madre se ahogó en el río Sambre, que aparentemente había gran influencia sobre el entonces adolescente futuro artista. Cuando se encontró el cadáver, su cabeza estaba cuidadosamente envuelta en una gasa ligera.

Probablemente por eso un lugar especial en la obra de Magritte lo ocupan los rostros, o mejor dicho, su ausencia. La mayoría de las veces, la cara en el retrato está cubierta por un objeto extraño, o envuelta en tela, o simplemente se representa la parte posterior de la cabeza u otra parte del cuerpo en lugar de la cara.

Magritte trajo de la infancia una serie de otros recuerdos, no tan trágicos, pero no menos misteriosos, sobre los cuales él mismo dijo que se reflejaban en su trabajo.

A partir de 1916, Magritte estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas y abandonó la Academia en 1918. Al mismo tiempo, conoció a Georgette Berger, con quien se casó en 1922 y con quien vivió hasta su muerte en 1967.

El asesino amenazado - 1927

Las pinturas de Magritte se caracterizan por un estilo distante, por así decirlo, imperturbable. Representan objetos ordinarios que Magritte, a diferencia de otros grandes surrealistas (Dalí, Ernst), casi nunca pierden su "objetividad": no se esparcen, no se convierten en sus propias sombras. Sin embargo, la combinación muy extraña de estos objetos llama la atención y te hace pensar. La ecuanimidad de estilo no hace sino exacerbar esta sorpresa y sumerge al espectador en una especie de estupor poético provocado por el misterio mismo de las cosas.

A la edad de 14 años, Rene conoce a una chica llamada Georgette. Unos años más tarde, se convierte en su esposa, amante, musa, colega y amiga, la única modelo femenina del artista. No hubo otras mujeres en su vida. El hermoso rostro de Georgette es esquivo en las pinturas de Magritte. Es nebuloso y encriptado, como una belleza esquiva.

El significado de la noche 1927

El objetivo de Magritte, según él mismo admite, es hacer pensar al espectador. Por eso, las pinturas del artista a menudo se asemejan a rompecabezas que no pueden resolverse por completo, ya que plantean interrogantes sobre la esencia misma del ser: Magritte siempre habla de la falsedad de lo visible, de su misterio oculto, del que normalmente no nos damos cuenta. Hay un ciclo de obras del artista en el que escribe debajo de objetos ordinarios: este no es él. Particularmente popular es la pintura "Traición de las imágenes", que representa fumando con la leyenda "Esto no es una pipa". Así, Magritte vuelve a recordar al espectador que la imagen del objeto no es el objeto mismo.

Él, como Dalí y otros surrealistas, transfirió sueños y pensamientos al lienzo. pero odiaba cuando los críticos lo llamaban surrealista. “Soy un realista mágico”, se dijo Magritte.

A la edad de 18 años, René fue a estudiar a la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde rápidamente se dio cuenta de que le correspondía a él trasladar los detalles al lienzo. vida real- angustia mortal. Aquí “enferma” de cubismo y futurismo en el espíritu de Fernand Léger, pero se cura conociendo la obra de Max Ernst y Giorgio de Chirico.

Tiempo paralizado 1938

En general, los nombres de las pinturas juegan un papel especial en Magritte. Casi siempre son poéticos y, a primera vista, no tienen nada que ver con la imagen en sí. Y fue precisamente en esto que el propio artista vio su significado: creía que la conexión poética oculta entre el nombre y la imagen contribuye a esa sorpresa mágica que Magritte vio como el propósito del arte.

En 1921, Magritte fue reclutado por el ejército, y un año después, al regresar a la vida civil, consiguió un trabajo como dibujante en una fábrica de papel tapiz, donde pasó horas escribiendo rosas en papel con gran detalle (las rosas luego se convertirían en una de los leitmotivs de sus pinturas -símbolo de la belleza fatal e insegura- "Tumba de un luchador", 1961). Luego, junto con su hermano, abre una agencia de publicidad, lo que les permitió olvidarse pronto de los problemas urgentes.

En 1930 se produjo una ruptura con Breton. Magritte regresa a Bruselas y, junto con Paul Delvaux, se convierte aquí en uno de los líderes del movimiento surrealista. Durante este fructífero período de actividad, Magritte creó una serie de pinturas con temas misteriosos y poéticos, incluida su pintura más copiada, El estado del hombre (1935). La imagen del mar en la pintura en un caballete de pie frente a una ventana abierta se fusiona milagrosamente con la vista "real" del mar desde la ventana.

Cuando los alemanes ocuparon Bélgica en 1940, Magritte pasó primero tres meses en el exilio en Carcasona (Francia) y luego regresó a Bruselas, donde sobrevivió a la guerra. Inmediatamente después de la guerra, Magritte decidió pintar con pinceladas amplias, al estilo de Renoir y Matisse, explicando esto por la necesidad de encontrar la alegría frente al pesimismo general de aquellos años. Este período en la obra de Magritte se denomina con mayor frecuencia el período de "sol brillante" ("plein soleil"). Pero los motivos del impresionismo y el fauvismo en el trabajo del maestro de las pinturas misteriosas no convencieron al público ni a la crítica, y en 1948 el artista volvió a su propio estilo.

“Tomo un objeto o tema arbitrario como una pregunta”, escribió, “y luego me pongo a buscar otro objeto que pueda servir como respuesta. Para convertirse en candidato para una respuesta, el objeto que se busca debe estar conectado al objeto de la pregunta mediante un conjunto de enlaces arcanos. Si la respuesta se sugiere con toda claridad, entonces se establece la conexión entre los dos objetos”. Y otra vez: “Para mí, el pensamiento inicialmente consiste solo en cosas visibles, y él mismo puede volverse visible gracias a la pintura”. Rene Magritte

En los años 50, el artista crea algunas de sus obras más famosas. Entre ellos se encuentra el cuadro "Golconda" (1953). El artista representó a decenas de rentistas pulcramente vestidos (con bombines, corbatas y abrigos a la moda) flotando en un espacio ilimitado, manteniendo una ecuanimidad absoluta. Golconda - ciudad antigua en la India, que se ha convertido en sinónimo de innumerables tesoros y riquezas, porque fue aquí donde se encontraron muchos diamantes famosos y otras piedras preciosas. Las personas de la imagen parecen estar atraídas por los tesoros de la Golconda.

En 1950-1960, las pinturas de Rene Magritte sacudieron el mercado del arte estadounidense, donde solo se realizaron sus exposiciones durante toda una temporada. El dinero llegaba por todas partes, pero este hombre con cara de amable farmacéutico, como decían sus familiares, se mantuvo fiel a sí mismo: nada de bohemia, una vivienda modesta, un taller tranquilo y su medio de transporte favorito: el tranvía.

Magritte murió el 15 de agosto de 1967, a la edad de 69 años, de cáncer, dejando inconclusa nueva versión su pintura quizás más famosa, Empire of Light. Ella permaneció para siempre en su habitación en un caballete. Georgette dijo, volviéndose hacia su esposo: “Te equivocaste en una cosa: en la finitud de tu propia vida, en la victoria de la muerte sobre todo. Seguiste vivo no solo para mí, sino para todos aquellos que miran tus pinturas: después de todo, estás en ellas. Los miro y hablo contigo y discuto como siempre lo hago. Todavía hiciste lo que soñaste. Atravesaste el espejo, pero te quedaste. Has vencido a la muerte".

Buscó destruir la idea habitual de lo conocido, inmutable, para hacer ver el objeto en una nueva dimensión, llevando al espectador a la confusión. En sus lienzos creó un mundo de fantasía y sueños a partir de cosas reales, sumergiendo a los espectadores en una atmósfera de sueños y misterio. El artista supo magistralmente cómo "dirigir" sus sentimientos. Pareciera que el mundo creado por el artista es estático y sólido, pero lo surrealista siempre invade lo ordinario, destruyendo ese mundo familiar (una manzana ordinaria en una habitación, creciendo, desplaza a las personas o una locomotora de vapor salta de la chimenea a toda velocidad). velocidad - "Tiempo perforado", 1938).

Artista surrealista belga Rene Magritte - vida y obra actualizado: 21 de octubre de 2018 por: sitio web

Rene Magritte. Pintor surrealista belga que se hizo famoso por sus pinturas ingeniosas e inusualmente misteriosas. Su trabajo no tiene análogos entre otras obras surrealistas famosas. Feliz visualización

Magritte se unió al grupo surrealista liderado por André Breton en 1927, buscando apoyo después de la primera exposición fallida. En este grupo, el belga no perdió su individualidad, y adquirió ese peculiar estilo, gracias al cual su obra es reconocible.

Hijo de hombre

lazos peligrosos

Nostalgia

Las pinturas de Rene Magritte se caracterizan por un estilo inexpresivo. Los objetos representados por Magritte son diferentes de otros surrealistas (Dalí, Ernst), casi nunca pierden su forma habitual: no se extienden, no se convierten en sus propias sombras. Y la combinación no estándar de estos elementos pretende hacerte pensar. Al mismo tiempo, la ecuanimidad de estilo potencia la sorpresa y sumerge al espectador en un estupor poético provocado por el misterio de las cosas.

Perspicacia (Autorretrato)

magia negra 2

Obstrucción del Vacío

Canción de amor

El objetivo de Magritte es hacer pensar al espectador. Debido a esto, las pinturas del artista recuerdan más a los acertijos, pero estos acertijos no pueden resolverse por completo, ya que plantean preguntas sobre la esencia del ser. Magritte habla del engaño de lo visible, de su misterio, del que solemos pasar desapercibidos.

hada ignorante

llave de cristal

Transición difícil

Los nombres de las pinturas juegan un papel especial. Son siempre poéticos y siempre, a primera vista, no conectados con la imagen en sí. Fue en esto que el artista vio su significado. Creía que la conexión poética oculta entre el título y la imagen contribuye a la sorpresa mágica en la que Magritte vio el propósito del arte.

imperio de la luz

espejo falso

haciendo lo imposible

Desconocido

gran familia

mundo hermoso

Gran Guerra

Filosofía del tocador

Memoria de viaje.

“Lo interesante de estas pinturas es la presencia de lo visible abierto y lo visible oculto que irrumpen de repente en nuestra conciencia, que en la naturaleza nunca se separa el uno del otro. Lo visible siempre esconde otro visible detrás de él. Mis pinturas simplemente revelan este estado de cosas de manera directa e inesperada. Entre lo que el mundo nos ofrece como visible y la ocultación de este dado visible bajo sí mismo, se desarrolla una determinada acción. Esta acción es visible, y es como una lucha, y por eso el nombre "Great War" reproduce su contenido con suficiente precisión.

Bella Adzeeva

El artista belga René Magritte, a pesar de su indudable pertenencia al surrealismo, siempre se ha destacado en este movimiento. En primer lugar, se mostró escéptico sobre quizás la principal pasión de todo el grupo de Andre Breton: el psicoanálisis de Freud. En segundo lugar, las pinturas de Magritte en sí mismas no se parecen ni a las locas tramas de Salvador Dalí ni a los extraños paisajes de Max Ernst. Magritte utilizó principalmente imágenes cotidianas ordinarias: árboles, ventanas, puertas, frutas, figuras de personas, pero sus pinturas no son menos absurdas y misteriosas que el trabajo de sus excéntricos colegas. Sin crear objetos fantásticos y criaturas de las profundidades del subconsciente, el artista belga hizo lo que Lautreamont llamó arte: organizó "una reunión de un paraguas y una máquina de escribir en la mesa de operaciones", combinando cosas banales de una manera no banal. Los críticos de arte y los conocedores aún ofrecen nuevas interpretaciones de sus pinturas y sus títulos poéticos, casi nunca asociados a la imagen, lo que confirma una vez más que la sencillez de Magritte es engañosa.

© Foto: René MagritteRene Magritte. "Terapeuta". 1967

El mismo René Magritte llamó a su arte ni siquiera surrealismo, sino realismo mágico, y desconfiaba mucho de cualquier intento de interpretación, y más aún de la búsqueda de símbolos, argumentando que lo único que se puede hacer con las pinturas es considerarlas.

© Foto: René MagritteRene Magritte. "Reflejos de un transeúnte solitario". 1926

A partir de ese momento, Magritte volvió periódicamente a la imagen de un extraño misterioso con un bombín, representándolo en una playa de arena, en un puente de la ciudad, en un bosque verde o frente a paisaje de montaña. Podría haber dos o tres extraños, estaban de espaldas al espectador o de medio lado y, a veces, como, por ejemplo, en la pintura High Society (1962) (se puede traducir como "High Society" - ed.) - el artista señaló solo el contorno de los hombres con un bombín, llenándolo de nubes y follaje. La mayoría Pinturas famosas, representando a un extraño - "Golconda" (1953) y, por supuesto, "El hijo del hombre" (1964) - la obra más replicada de Magritte, parodias y alusiones a las cuales son tan comunes que la imagen ya vive separada de su creador. Inicialmente, René Magritte pintó el cuadro como un autorretrato, donde la figura de un hombre simbolizaba a un hombre moderno que ha perdido su individualidad, pero sigue siendo el hijo de Adán, que no puede resistir las tentaciones, de ahí la manzana que cubre su rostro.

© Foto: Volkswagen / Agencia de publicidad: DDB, Berlín, Alemania

"Amantes"

Rene Magritte comentó con bastante frecuencia sobre sus pinturas, pero dejó una de las más misteriosas, "Amantes" (1928), sin explicación, dejando espacio para la interpretación de críticos de arte y fanáticos. El primero vio nuevamente en la imagen una referencia a la infancia de la artista y las experiencias asociadas con el suicidio de la madre (cuando su cuerpo fue sacado del río, la cabeza de la mujer estaba cubierta por el borde de su camisón - ed.). La más simple y obvia de las versiones existentes, "el amor es ciego", no inspira confianza entre los especialistas, quienes a menudo interpretan la imagen como un intento de transmitir aislamiento entre personas que no pueden superar la alienación incluso en momentos de pasión. Otros ven aquí la imposibilidad de comprender y conocer hasta el final a las personas cercanas, otros entienden "Los Amantes" como una metáfora realizada de "perder la cabeza por amor".

En el mismo año, Rene Magritte pintó una segunda pintura llamada "Amantes": en ella, los rostros de un hombre y una mujer también están cerrados, pero sus poses y fondo han cambiado, y el estado de ánimo general ha cambiado de tenso a pacífico.

Sea como fuere, "Lovers" sigue siendo una de las pinturas más reconocibles de Magritte, cuya atmósfera misteriosa es tomada prestada por los artistas de hoy, por ejemplo, la portada del álbum debut de la banda británica Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep in Conversation (2003) se refiere a ello.

© Foto: Atlántico, Mighty Atom, FerretÁlbum de Funeral For a Friend , "Vestido informal y en una conversación profunda"

"Traición de las imágenes", o no es...

Los nombres de las pinturas de Rene Magritte y su conexión con la imagen es un tema para un estudio separado. "Llave de cristal", "Lograr lo imposible", "Destino humano", "Obstáculo del vacío", "Mundo hermoso", "Imperio de la luz" son poéticos y misteriosos, casi nunca describen lo que el espectador ve en el lienzo. pero sobre , qué significado el artista quería poner en el nombre, en cada caso individual uno solo tiene que adivinar. “Los títulos están elegidos de tal manera que no me permiten ubicar mis cuadros en el ámbito de lo familiar, donde el automatismo del pensamiento ciertamente funcionará para prevenir la ansiedad”, explicó Magritte.

En 1948, creó la pintura "La traición de las imágenes", que se convirtió en una de las obras más famosas de Magritte gracias a la inscripción en ella: el artista pasó de la incoherencia a la negación, escribiendo "Esto no es una pipa" bajo la imagen de una pipa. . "Esa famosa pipa. ¡Cómo me reprochó la gente con ella! Y, sin embargo, ¿puedes llenarla con tabaco? No, es solo una imagen, ¿no? Entonces, si escribiera debajo de la imagen "Esto es una pipa", lo haría. estar mintiendo!" dijo el artista.

© Foto: René MagritteRene Magritte. "Dos secretos" 1966

© Foto: Allianz Insurances / Agencia de publicidad: Atletico International, Berlín, Alemania

Cielo Magritte

El cielo con nubes flotando sobre él es una imagen tan cotidiana y usada que parece imposible convertirla en la "tarjeta de presentación" de un artista en particular. Sin embargo, el cielo de Magritte no se puede confundir con el de otra persona, más a menudo debido al hecho de que en sus pinturas se refleja en espejos extraños y ojos enormes, llena los contornos de las aves y, junto con la línea del horizonte del paisaje, pasa imperceptiblemente a el caballete (serie "Human Destiny"). El cielo sereno sirve de fondo a un extraño con bombín ("Decalcomanía", 1966), reemplaza paredes grises habitación ("Valores personales", 1952) y se refracta en espejos tridimensionales ("Cosmogonía elemental", 1949).

© Foto: René MagritteRene Magritte. "Imperio de la Luz" 1954

El famoso "Imperio de la luz" (1954), al parecer, no se parece en nada al trabajo de Magritte: en el paisaje nocturno, a primera vista, no había lugar para objetos inusuales y combinaciones misteriosas. Y, sin embargo, existe tal combinación, y hace que la imagen sea "Magritte": un cielo despejado durante el día sobre un lago y una casa sumergida en la oscuridad.