Nous avons assisté à de nombreuses conférences et cours sur l’histoire de l’art du monde entier. Il n'y a rien de mieux que Paola Volkova. Elle n'est pas seulement une spécialiste d'une érudition et d'une compétence énormes, mais, surtout, elle aime sincèrement l'art et ne l'aborde pas de manière purement formelle.

Paola Volkova Conversations sur l'art

Au printemps et à l'été 2012 à l'Université ouverte de Skolkovo Paola Dmitrievna Volkova lire une série de conférences sous le titre général « Conversations à propos art" Monde art La Grèce et Rome acquièrent soudainement intégrité et clarté - les cailloux d'une mosaïque complexe de connaissances sur l'Antiquité s'intègrent dans un tout. Les grands philosophes, dramaturges et sculpteurs de Grèce deviennent très proches, il suffit de tendre la main... Des images familières et un peu oubliées - les Olympiades, les éphèbes, l'architecture, la peinture sur vase, les sculptures, les fêtes - prennent soudain vie et commencent à parler la langue. d'Eschyle. Et le monde entier de Hellas est à portée de main.

Série de programmes « Pont sur les Abysses »

La série de programmes télévisés « Bridge over the Abyss » est le projet de l’auteur de Paola Volkova, consacré aux chefs-d’œuvre des beaux-arts. "L'idée d'un tel programme télévisé est née de manière assez inattendue", a déclaré Paola Dmitrievna. – Je préparais un ouvrage scientifique en plusieurs volumes sur l’histoire de l’art européen. Le livre porte exactement le même titre - "Pont sur les Abysses". Il était basé sur les cours que j'ai donnés à mes étudiants pendant de nombreuses années dans les Cours Supérieurs de Scénaristes et Réalisateurs. Mais il se trouve qu'un de mes étudiants, Andrei Zaitsev, a eu l'idée de transformer ce cours en programme télévisé et de diffuser les conversations. Le nom du livre et du programme n'a pas été choisi par hasard, car l'image du pont est une image de la culture mondiale, sans laquelle nous n'existerions pas. La série a reçu un prix du « Television Press Club » sur la base des résultats de la saison télévisée 2012/2013 « pour une présentation approfondie de l’histoire de la peinture mondiale comme une méga-intrigue aux multiples facettes ».

À propos de Paola Volkova

Paola Volkova, alias Ola Odesskaya, était une créature extraordinaire.
Sans exception, tous ceux qui l'ont rencontrée au moins une fois sont d'accord avec cela.
Elle a créé un mythe à partir de sa vie,
emportant la plupart des secrets avec nous, nous laissant décider,
que lui est-il réellement arrivé
et ce qui n'était que le fruit de son imagination irrépressible.

Portrait de Paola Volkova. Artiste Vladimir Weisberg
Il était impossible d’assister à son cours d’histoire de l’art à VGIK, et les étudiants s’accrochaient à chaque mot de Paola Dmitrievna. Le directeur Vadim Yusupovich Abdrashitov a parlé de ces cours comme suit : « Elle a expliqué ce que sont l'art et la culture pour la vie humaine, que ce n'est pas seulement le poste central de certaines dépenses budgétaires. C’est comme si c’était la vie elle-même. L'expert en cinéma Kirill Emilievich Razlogov a déclaré : « Paola Dmitrievna était une légende. Une légende à VGIK, où elle a enseigné, une légende de la perestroïka, lorsqu'elle est entrée dans le vaste espace de notre culture, une légende lorsqu'elle s'est battue pour la mémoire de Tarkovski, qu'elle connaissait étroitement, autour de l'héritage duquel de sérieuses batailles ont éclaté. » Le photographe, journaliste et écrivain Yuri Mikhailovich Rost est sûr qu'il s'agit « d'une femme absolument exceptionnelle, d'une personne qui a donné une vie culturelle à un grand nombre de cinéastes, d'une personne au savoir encyclopédique, au charme... » Le réalisateur Alexander Naumovich Mitta assure : « Quand elle parlait d’art, c’était comme si celui-ci se transformait en une sorte de diamant. Tout le monde l'aimait, tu sais. Dans chaque entreprise, il y a quelqu'un de meilleur que les autres. Le général de cette affaire. Elle était générale dans son domaine. Paola Volkova connaissait tous les grands artistes, acteurs, réalisateurs - tous les créateurs de telle ou telle époque, comme si elle vivait à cette époque, et elle-même était leur muse. Et ils la croyaient que tout était ainsi.

Qui sommes-nous du point de vue de l’origine spirituelle ? Comment s’est formée notre conscience artistique, notre mentalité et où pouvons-nous trouver ses racines ? Critique d'art, critique de cinéma, auteur et animatrice de la série documentaire sur l'histoire de la culture mondiale « Pont sur les Abysses » Paola Dmitrievna Volkova est convaincue que nous sommes tous encore les héritiers d'une civilisation méditerranéenne unique - une civilisation créée par les Grecs de l'Antiquité. .

« Partout où l’on éternue, chaque théâtre a son Antigone. »

Mais quelle est sa particularité et son caractère unique ? Et comment la Grèce antique, dans un état de guerre civile constante, sans un seul espace terrestre et sans un seul système politique, a-t-elle réussi à créer une culture qui sert encore le monde entier ? Selon Paola Volkova, le secret du génie grec réside dans le fait qu'il y a plus de deux mille cinq cents ans, ils ont réussi à créer quatre régulateurs artificiels qui ont déterminé la forme du monde pendant de nombreux siècles. Ce sont des Olympiades, des gymnases, des unions artistiques et des fêtes en tant qu'éléments importants de la vie de chaque citoyen - des dialogues rituels sur l'essentiel. Ainsi, les Grecs sont les créateurs de formes et d'idées si fortes et si belles que notre civilisation continue toujours à suivre les vecteurs fixés par les Hellènes. Voilà le rôle modeste de la culture ancienne dans la formation de l’apparence du monde moderne.

Comment fonctionnaient ces quatre régulateurs et quelle est leur particularité ? Vous pourrez en apprendre davantage à travers une conférence d'une heure et demie donnée au centre de Skolkovo et qui ouvre toute la série conversations sur l'art, dans lequel Paola Volkova a parlé de nos racines spirituelles dans la culture méditerranéenne, de la manière dont la conscience déterminait l'existence dans la Grèce antique, de ce qu'Homère avait en commun avec Vysotsky, de la manière dont les Jeux olympiques ont uni la Grèce et sont devenus un système de ciment pour la formation d'une grande culture méditerranéenne, et comment « Alexandre Philippovitch de Macédoine » a tout détruit. En plein milieu de la conférence, Paola Dmitrievna ressent la colère des dieux, et à la fin de son récit elle conclut que les Grecs sont le chat du Cheshire qui a réussi à créer le sourire du monde :

« Les Grecs ont créé des idées. Il s'agit essentiellement d'un chat du Cheshire. Savez-vous ce qu'est un chat du Cheshire ? C'est quand il y a un sourire, mais il n'y a pas de chat. Ils ont fait sourire car il y a très peu d’architecture authentique, très peu de sculptures authentiques, très peu de manuscrits authentiques, mais la Grèce existe et sert tout le monde. C'est un chat du Cheshire. Ils ont créé le sourire du monde. »

Pont sur l'abîme. Commentaire sur l'Antiquité

« Bridge Over the Abyss » est le premier livre de Paola Volkova, écrit par elle sur la base de son propre cours. L'image du pont, selon Paola Dmitrievna elle-même, n'a pas été choisie par hasard - comme métaphore de la culture mondiale entière, sans laquelle nous n'existerions pas. Brillante enseignante et conteuse, à travers ses livres, ses conférences et ses simples conversations, elle a inculqué à ses étudiants et à ses interlocuteurs le sentiment de la beauté, essayant d'atteindre leur âme et de la nettoyer de l'ennui accumulé.

L'un des livres les plus emblématiques pour toute personne instruite, Bridge Over the Abyss nous emmène dans un voyage à travers les âges.

Le livre trace de nouvelles connexions entre des formes lointaines qui ne se trouvent pas à la surface et sous les yeux. De Stonehenge au Théâtre du Globe, de la Crète à la corrida espagnole, de la Méditerranée européenne au conceptualisme du XXe siècle, tout cela est interconnecté et peut exister les uns sans les autres.

Pont sur l'abîme. Dans l'espace de la culture chrétienne

La domination du christianisme dans le monde médiéval a donné naissance à toute la culture moderne, dans l'espace de laquelle nous existons de la naissance à la mort - c'est ce dont parle Paola Dmitrievna Volkova dans sa série de conférences consacrées à la fin du Moyen Âge et au Proto -Renaissance.

Il est impossible de considérer cette époque comme un « âge des ténèbres » conventionnel, comme quelque chose de médiocre - cette période en elle-même n'est pas moins significative que la Renaissance.

Les génies de cette époque - Saint François d'Assise et Bonaventure, Giotto di Bondone et Dante Alighieri, Andrei Rublev et Théophane le Grec - dialoguent encore avec nous à travers les siècles. Le cardinal Jorge Mario Bergoglio, devenu pape élu de Rome, prend son nom en l'honneur du saint d'Assise, ressuscitant l'humilité franciscaine et nous invitant à franchir un autre pont sur l'abîme des époques.

Pont sur l'abîme. Mystiques et humanistes

Aucune culture, aucune scène culturelle n’a un rapport aussi direct avec la modernité que la Renaissance.

La Renaissance est la période la plus progressiste et révolutionnaire de l’histoire de l’humanité. Paola Dmitrievna Volkova en parle dans le prochain livre de la série « Le pont sur les abysses », prenant le relais du premier critique d'art, Giorgio Vasari, un véritable homme de son époque - écrivain, peintre et architecte.

Les artistes de la Renaissance - Sandro Botticelli et Léonard de Vinci, Raphaël et Titien, Jérôme Bosch et Pieter Bruegel l'Ancien - n'ont jamais été de simples artistes. C’étaient des philosophes, chargés des problèmes principaux et fondamentaux de l’époque. Les peintres de la Renaissance, revenant aux idéaux de l'Antiquité, ont créé une conception cohérente du monde avec une unité interne et ont rempli les sujets religieux traditionnels d'un contenu terrestre.

Pont sur l'abîme. Grands maîtres

Qu'est-ce qui est venu en premier : l'homme ou le miroir ? Cette question est posée par Paola Dmitrievna Volkova dans le quatrième volume de la série « Bridge Over the Abyss ». Pour les grands maîtres, un portrait a toujours été non seulement l'image d'une personne, mais aussi un miroir, reflétant non seulement la beauté extérieure, mais aussi intérieure. Un autoportrait est une question à soi, une réflexion et la réponse qui s'ensuit. Diego Velazquez, Rembrandt, El Greco, Albrecht Dürer et tous nous laissent dans ce genre l'amère confession de toute une vie.

À quels miroirs les beautés du passé se sont-elles tournées ? Vénus, sortant des eaux, y vit son reflet et fut contente d'elle-même, et Narcisse se figea pour toujours, choqué par sa propre beauté. Les toiles, reflétant uniquement l'image idéale à la Renaissance, puis la personnalité d'une personne, sont devenues des miroirs éternels pour quiconque ose les regarder - comme dans un abîme - pour de vrai.

Cette publication est un cycle révisé « Bridge Over the Abyss » tel qu'il a été conçu par Paola Dmitrievna elle-même - dans l'ordre historique et chronologique. Il comprendra également des conférences inédites issues des archives personnelles.

Pont sur l'abîme. Les impressionnistes et le XXe siècle

L'histoire de l'impressionnisme, qui a influencé une fois pour toutes tout l'art ultérieur, ne couvre que 12 années : de la première exposition en 1874, où la célèbre « Impression » a été présentée, à la dernière, la huitième, en 1886. Edouard Manet et Claude Monet, Edgar Degas et Auguste Renoir, Henri de Toulouse-Lautrec et Paul Gauguin – par qui commence ce livre – furent parmi les premiers à dénoncer les conventions de la peinture « classique » qui avaient alors émergé.

L'histoire de cette famille, racontée dans ce livre par l'auteur de la célèbre série « Le pont sur les abysses » Paola Volkova, est un exemple de la vie de vrais intellectuels russes, « un blason direct de l'honneur de leur famille, un témoignage direct de leur honneur familial. dictionnaire de leurs connexions racine.

De Giotto à Titien. Titans de la Renaissance

La Renaissance est la période la plus progressiste et révolutionnaire de l’histoire de l’humanité. Les artistes de la Renaissance - Sandro Botticelli et Léonard de Vinci, Raphaël et Titien, Jérôme Bosch et Pieter Bruegel l'Ancien - n'ont jamais été de simples artistes.

C’étaient des philosophes, chargés des problèmes principaux et fondamentaux de l’époque. Revenant aux idéaux de l'Antiquité, ils ont créé une conception cohérente du monde avec une unité interne et ont rempli les récits religieux traditionnels d'un contenu terrestre.

Cette édition illustrée contient des conférences de Paola Dmitrievna Volkova, l'auteur de la célèbre série « Bridge Over the Abyss », consacrée aux véritables titans de la Renaissance, révisées et augmentées pour la commodité du lecteur.

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Conférences sur l'art par le professeur Paola Volkova
Livre 1
Paola Dmitrievna Volkova

© Paola Dmitrievna Volkova, 2017

ISBN978-5-4485-5250-2

Créé dans le système d'édition intellectuelle Ridero

Préface

Vous tenez entre vos mains le premier livre, qui comprend des conférences uniques de la professeure d'histoire de l'art Paola Dmitrievna Volkova, donnée par elle aux Cours supérieurs pour réalisateurs et scénaristes au cours de la période 2011-2012.

Volkova Paola Dmitrievna

Ceux qui ont eu la chance d’assister aux conférences de cette femme extraordinaire ne les oublieront jamais.

Paola Dmitrievna est l'élève de grandes personnes, parmi lesquelles Lev Gumilyov et Merab Mamardashvili. Elle a non seulement enseigné au VGIK et aux cours supérieurs pour réalisateurs et scénaristes, mais était également la plus grande experte mondiale de l'œuvre de Tarkovski. Paola Volkova a non seulement donné des conférences, mais a également écrit des scénarios, des articles, des livres, organisé des expositions, révisé et animé des programmes télévisés sur l'art.

Cette femme extraordinaire n’était pas seulement une brillante enseignante, mais aussi une grande conteuse. À travers ses livres, ses conférences et simplement ses conversations, elle a inculqué à ses étudiants et à ses auditeurs le sens de la beauté.

Paola Dmitrievna a été comparée à la Bibliothèque d'Alexandrie et ses conférences sont devenues une révélation non seulement pour les gens ordinaires, mais aussi pour les professionnels.

Dans les œuvres d'art, elle savait voir ce qui est habituellement caché aux regards indiscrets, connaissait ce langage très secret des symboles et pouvait expliquer avec les mots les plus simples ce que cache tel ou tel chef-d'œuvre. Elle était une harceleuse, une guide-traductrice entre les époques.

Le professeur Volkova n'était pas seulement un réservoir de connaissances, c'était une femme mystique - une femme sans âge. Ses histoires sur la Grèce antique, la culture de Crète, la philosophie de la Chine, les grands maîtres, leurs créations et leurs destins étaient si réalistes et remplies des moindres détails qu'elles suggéraient involontairement l'idée qu'elle-même vivait non seulement à cette époque, mais aussi Je connaissais personnellement toutes les personnes dont l'histoire était racontée.

Et maintenant, après son départ, vous avez une excellente occasion de plonger dans ce monde de l'art, que vous ne soupçonniez peut-être même pas, et, comme un voyageur errant assoiffé, de boire au puits le plus pur de la connaissance.

Conférence n°1. Ecole florentine – Titien – Piatigorsky – Byron – Shakespeare

Volkova : Je regarde les rangs qui s'éclaircissent...

Étudiants: Rien, mais prenons la qualité.

Volkova : De quoi me soucier? Je n'ai pas besoin de ça. Tu en as besoin.

Étudiants: Nous leur dirons tout.

Volkova : Donc. Nous avons un sujet très important que nous avons abordé la dernière fois. Si vous vous en souvenez, nous parlions de Titien. Écoute, je veux te demander ceci : te souviens-tu que Raphaël était élève à l'école florentine ?

Étudiants: Oui!

Volkova : C'était un génie et son génie a eu un effet très intéressant. Je n'ai jamais vu un artiste plus parfait. Il est l'Absolu ! Quand vous regardez ses affaires, vous commencez à comprendre leur pureté, leur plasticité et leur couleur. Une fusion absolue de Platon et d'Aristote. Dans ses peintures, il y a précisément le principe aristotélicien, l'intellectualisme aristotélicien et la conceptualité aristotélicienne, marchant à côté du haut principe platonicien, avec une telle perfection d'harmonie. Ce n'est pas un hasard si dans « l'École d'Athènes », sous l'arc, il a peint Platon et Aristote marchant côte à côte, car il n'y a pas de fossé interne chez ces personnages.

école d'Athènes

L'école florentine trouve son origine dans la dramaturgie giottienne, où l'on recherche un certain espace et une certaine attitude envers la philosophie. Je dirais même philosopher poétique. Mais les Vénitiens sont une école complètement différente. Concernant cette école, j’ai pris cette pièce de Giorgione « Madone de Castelfranco », où Saint Georges ressemble davantage à la Jeanne d’Arc de Voltaire.

Regarde la. Les Florentins ne pouvaient pas peindre la Madone ainsi. Écoute, elle est occupée avec elle-même. Un tel isolement spirituel. Il y a des moments dans cette image qui ne se sont certainement jamais produits auparavant. C'est une réflexion. Choses liées à la réflexion. L'artiste donne des moments complexes au mouvement intérieur, mais pas une direction psychologique.

Madone de Castelfranco

Si nous résumons ce que nous savons des Vénitiens et du Titien, nous pouvons alors dire que dans un monde qui reflète Venise avec sa vie particulière, avec sa productivité sociale complexe et ses turbulences historiques, on peut à la fois voir et ressentir la charge interne d'un système prêt à s'épuiser. Regardez ce portrait de Titien accroché dans la galerie du palais Pitti.

Portrait d'un inconnu aux yeux gris

Mais d'abord, dans notre compagnie intime, je dois admettre que j'étais autrefois amoureux de ce camarade sur la photo. En fait, je suis tombé amoureux des peintures à deux reprises. La première fois que je suis tombée amoureuse, c'était quand j'étais écolière. Nous avions chez nous un album de l'Ermitage d'avant-guerre et il présentait le portrait d'un jeune homme en robe, peint par Van Dyck. Il a peint le jeune Lord Philip Warren, qui avait le même âge que moi. Et j'étais tellement fasciné par mon pair que, bien sûr, j'ai immédiatement imaginé notre merveilleuse amitié avec lui. Et vous savez, il m'a sauvé des garçons dans la cour - ils étaient vulgaires, pugnaces, mais ici nous avons des relations si élevées.

Mais malheureusement, j’ai grandi et lui pas. C'était la seule raison pour laquelle nous avons rompu (rire). Et mon deuxième amour s’est produit quand j’étais étudiant en 2ème année. Je suis tombée sous le charme du portrait d'un inconnu aux yeux gris. Nous ne sommes pas restés longtemps indifférents l'un à l'autre. J'espère que vous approuvez mon choix ?

Étudiants: Indubitablement!

Volkova : Dans ce cas, nous entrerons dans un domaine très intéressant pour notre rapport à l’art ou aux œuvres d’art. Tu te souviens comment nous avons terminé la dernière leçon ? J'ai dit que la surface picturale du tableau elle-même devient précieuse en elle-même. C'est lui-même déjà le contenu de l'image. Et Titien a toujours eu cette valeur intrinsèque absolument pittoresque. C'était un génie ! Qu’arrivera-t-il à ses tableaux si l’on enlève la couche picturale et ne laisse que la sous-couche ? Rien. Sa peinture restera une peinture. Cela restera toujours une œuvre d’art. De l'Intérieur. Au niveau intracellulaire, la base, c'est ce qui fait d'un peintre un artiste brillant. Et extérieurement, cela se transformera en un tableau de Kondinsky.

Il est très difficile de comparer Titien à quelqu’un d’autre. Il est progressiste. Regardez comment, à travers l'ombre qui tombe sur le mur argenté, il relie de manière pittoresque ce portrait à l'espace dans lequel vit cette personne. Vous ne pouvez même pas imaginer à quel point il est difficile d’écrire. Une combinaison si étonnante d'un espace léger aux vibrations argentées, de ce manteau de fourrure qu'il porte, d'une sorte de dentelle, de cheveux roux et d'yeux très clairs. Vibration gris-bleu de l'atmosphère.

Il a un tableau accroché... Je ne sais plus où, ni à Londres, ni au Louvre. Non, certainement pas au Louvre, à la National Gallery de Londres. Ainsi, sur cette photo, il y a une femme assise avec un bébé dans les bras. Et quand vous le regardez, il vous semble que ce tableau est arrivé ici par hasard, car il est tout simplement impossible d'imaginer qu'il s'agisse de l'œuvre de Titien. Il a été peint d'une manière qui rappelle quelque chose entre Claude Monet et Pissarro - en utilisant la technique du pointillisme, qui crée ce tremblement même de tout l'espace du tableau. Vous vous approchez et n'en croyez pas vos yeux. Là, on ne voit plus les talons ni le visage du bébé, mais une seule chose est visible : il a dépassé Rembrandt en liberté. Ce n'est pas un hasard si Vasily Kondinsky a déclaré : « Il n'y a que deux artistes dans l'art mondial que je puisse appeler des peintres abstraits. Pas non objectifs – ils sont objectifs, mais abstraits. Ce sont Titien et Rembrandt. » Et pourquoi? Car, si avant eux toute peinture se comportait comme peindre colorant un objet, alors Titien incluait le moment de la coloration, le moment de la peinture comme couleur indépendante de l'objet. Comme par exemple « St. Sébastien" à l'Ermitage. Lorsqu’on s’en approche de très près, on ne voit rien d’autre qu’un chaos pittoresque.

Il existe un tableau que vous, debout devant la toile, pouvez regarder à l’infini. C'est très difficile à exprimer avec des mots, car il y a une lecture impressionniste complètement arbitraire, une lecture des personnages ou des personnalités qu'il écrit. Et peu importe qui vous regardez : Piero della Francesco ou le duc ombriste Federico da Montefeltro.

Saint Sébastien

Ce n'est qu'une apparence de lecture. Il y a quelque chose de significatif ici, car il n'est pas possible de donner sans ambiguïté une description complète d'une personne, en raison du fait qu'il y a de l'énergie et de ce que chacun de nous expose ou cache en lui-même. Tout cela est un texte complexe. Lorsque Titien peint le portrait d’un homme, il met l’accent sur le visage, le geste et les mains. Le reste est en quelque sorte caché. Tout le reste est construit sur cette dramaturgie.

Mais revenons encore au portrait d’un inconnu aux yeux gris. En fait, il s'agit d'Ippolito Riminaldi. Regardez comment il tient le gant. Comme un poignard. Vous n'êtes pas confronté à un personnage, mais à un individu très complexe. Titien est très attentif à ses contemporains. Il les comprend et, lorsqu'il crée leurs images, il les fait nous parler dans une langue particulière à Titien. Il crée un monde historique extraordinaire en peinture et le portrait de Riminaldi est quelque chose d'incroyable. Après tout, la puissance et la pertinence durable de cette toile historique ne peuvent être comparées qu’à celles de Shakespeare.

Et regardez le portrait de Paul III et de ses deux neveux. J'ai vu cette photo dans l'original. C'est un spectacle incroyable ! Cela semble être écrit avec du sang, mais dans des tons différents. On l'appelle aussi rouge et cela déforme la palette de couleurs que Titien a définie pour le tableau. Pour la première fois, la couleur, issue de la définition de la forme : coupe, fleur, main, devient le contenu de la forme.

Paul III avec ses neveux

Étudiants: Paola Dmitrievna, qu'en est-il de la toile elle-même ?

Volkova : Je vais vous le dire maintenant. Il y a beaucoup de distorsions à ce niveau-là. Voyez-vous que le rouge est la couleur dominante ? Mais vous ne verrez même pas de quelles couleurs sont les pieds et le rideau. Vous ne percevez tout simplement pas cette couleur parce que de l'épaisseur a été ajoutée au « creux du sang ». Siècle sanglant, actes sanglants.

Étudiants: Cœurs sanglants.

Volkova : Cœurs sanglants. Et des cœurs cruels. En général, un lien sanglant entre les temps. Prenons le même rideau. Il semble qu'elle ait été trempée dans le sang de personnes, d'animaux, de n'importe qui d'autre, puis crue et pendue. Quand vous regardez l'original, croyez-moi, cela devient effrayant. Mentalement difficile. Le pape a une ombre sur sa jupe. Est-ce que tu vois? Approchez-vous et vous aurez l'impression que ce matériau a été saisi avec des mains ensanglantées. Toutes les ombres ici sont rouges. Et comme la cape a l'air faible et sénile... Il y a une telle impuissance en elle. Fond trempé de sang...

Étudiants: Qui est à côté de papa ?

Volkova : La réponse est dans le titre lui-même (rire). Neveux. Celui qui se tient derrière le pape est le cardinal Arsène et celui de droite est Hippolyte. Vous savez, très souvent les cardinaux appelaient leurs propres enfants neveux. Ils ont pris soin d’eux et les ont aidés à faire carrière.

Regardez la casquette du cardinal Arsène sur la tête et son visage pâle. Et ce type à droite ? C'est quelque chose! Son visage est rouge et ses jambes sont violettes ! Et papa est assis comme dans une souricière - il n'a nulle part où aller. Derrière lui se trouve Arseny, et sur le côté se trouve un véritable Iago shakespearien, comme s'il avançait à pas silencieux. Et papa a peur de lui. Regardez comme il a enfoncé sa tête contre ses épaules. Titien a brossé un tableau terrible. Quel drame ! Il s’agit d’une véritable dramaturgie scénique et il agit ici non pas comme un dramaturge Titien, mais comme un conteur, comme Shakespeare. Parce qu’il est du même niveau et de la même intensité, et qu’il comprend l’histoire non pas comme une histoire de faits, mais comme une histoire d’actions et de faits. Et l’histoire se fait à travers la violence et le sang. L’histoire n’est pas une affaire de relations familiales et, bien entendu, c’est le trait dominant de Shakespeare.

Étudiants: Puis-je te demander? Le Pape a-t-il commandé un tel tableau ? Sanglant?

Volkova : Oui, imaginez. De plus, il a écrit au pape encore pire. À Tolède, dans la cathédrale, il y a une immense galerie et un portrait si terrible du Pape y est conservé. C'est juste une sorte d'horreur-horreur-horreur. "Le tsar Koschey est assis et se languit devant son or."

Il a les doigts si fins, les mains sèches, la tête déprimée, sans chapeau. C'est quelque chose d'effrayant. Et imaginez, le temps passe, l'image est acceptée et un événement merveilleux se produit. Cet Hippolyte noie dans le Tibre son frère cardinal, le même que Titien a peint avec un visage pâle, comme celui d'un grand martyr. Il le tua et le jeta dans le Tibre. Pourquoi? Mais parce qu’il faisait obstacle à une promotion cardinale. Après quoi, après un certain temps, Hippolyte lui-même devient cardinal. Et puis il a voulu devenir pape et il a étranglé Paul III avec un cordon de soie. Les visions de Titien étaient tout simplement étonnantes.

En général, il est impossible de tout montrer et ses portraits sont différents, mais plus Titien vieillit, plus leur peinture devient étonnante. Regardons le portrait de Charles V, accroché à Munich.

On raconte que lorsque Titien l'a peint, Charles lui a donné des pinceaux et de l'eau. C'est un portrait immense et vertical. Karl est assis sur une chaise, tout en noir, avec un visage si volontaire, une mâchoire lourde, une tête déprimée. Mais il y a une certaine étrangeté : une fragilité dans sa pose et, en général, il est en quelque sorte plat, disparaissant. Dans sa forme, cela semble être dessiné solennellement, mais au fond, c'est très alarmant et très douloureux. Ce paysage gris : une route délavée par la pluie, des arbres retombants, au loin une petite maison ou une cabane. Paysage étonnant visible à travers l'ouverture de la colonne. Un contraste inattendu entre la solennité du portrait et l’état nerveux très étrange de Karl, qui ne correspond pas du tout à sa position. Et cela s’est aussi avéré être un moment prophétique. Qu'est-ce qui ne va pas ici ?

Fondamentalement, tout est écrit d'une seule couleur, il y a un tapis rouge ou un tapis - une combinaison de rouge et de noir. Une tapisserie, une colonne, mais ce n’est pas clair : la fenêtre n’est pas une fenêtre, la galerie n’est pas une galerie, et ce paysage flou. La cabane est debout et tout est gris et terne, comme dans les dernières toiles de Levitan. La Russie est vraiment pauvre. La même saleté, l'automne, non lavée, en désordre, étrange. Mais Charles Quint a toujours dit que le Soleil ne se couche jamais dans son pays. Il a l’Espagne, la Flandre en poche, il est l’empereur de tout l’Empire romain d’Occident. Tout le monde! Plus les colonies qui travaillaient et transportaient des marchandises par bateau à vapeur. Immense mouvement de pirates. Et de telles couleurs grises dans le portrait. Comment se sentait-il dans ce monde ? Et qu'en penses-tu? Un beau jour, Karl rédige un testament dans lequel il divise son empire en deux parties. Il laisse une partie de l'empire, qui comprend l'Espagne, les colonies et la Flandre, à son fils Philippe II, et il laisse la partie ouest-européenne de l'empire à son oncle Maximilien. Personne n'a jamais fait ça. Il fut le premier et le seul à abdiquer le trône de manière inattendue. Pourquoi agit-il de cette façon ? Pour qu'après sa mort il n'y ait pas de guerre civile. Il avait peur d’une guerre entre son oncle et son fils, car il les connaissait très bien tous les deux. Et après? Et puis il organise ses propres funérailles et, debout à la fenêtre, regarde son enterrement. Après avoir veillé à ce que les funérailles se déroulent dans les règles de l'art, il se rendit immédiatement au monastère et prononça ses vœux monastiques. Il y vit et y travaille depuis quelques temps.

Étudiants: Le Pape a-t-il donné son accord ?

Volkova : Et il ne lui a pas demandé. Il est mort pour tout le monde. Il n'oserait même pas émettre un son.

Étudiants: Que faisait-il au monastère ?

Volkova : Il faisait pousser des fleurs et jardinait. Devenu jardinier. Nous y reviendrons lorsque nous parlerons des Pays-Bas. Il n’est pas clair si le paysage de Titien a eu un tel effet sur lui, ou si Titien, étant un homme de génie, a vu dans la fenêtre quelque chose que personne n’avait jamais vu, pas même Charles lui-même. Une fenêtre est toujours une fenêtre sur l’avenir. Je ne sais pas.

Les œuvres de Titien doivent être vues. Une reproduction est très différente de l’original, car ce dernier est le tableau le plus raffiné et le plus complexe qui puisse exister au monde. Du point de vue de l'art ou de la charge que l'art peut assumer ou des informations qu'un peintre peut nous donner. Comme Velasquiz, il est l'artiste numéro un. Une personne décrit cette époque dans l’alphabet complet de son époque. Sinon, comment une personne vivant à l’intérieur du temps peut-elle le décrire de l’extérieur ? Il est prospère, il est bien traité, il est le premier homme de Venise, égal au Pape, égal à Charles, et les gens qui vivaient à côté de lui le savaient, car avec ses pinceaux il leur donnait l'immortalité. Eh bien, qui a besoin qu’on parle de Karl tous les jours ?! C'est ce qu'on dit parce qu'il a remis les pinceaux à l'artiste. Plus ils font d’excursions, plus ils en parlent. Comme l’écrit Boulgakov dans Le Maître et Marguerite : « On se souviendra de vous et ils se souviendront de moi aussi. » Qui d’autre a besoin de Ponce Pilate ? Et ainsi, dans le final, ils marchent côte à côte le long du chemin lunaire. C'est pourquoi Akhmatova a dit : « Le poète a toujours raison. » Cette phrase lui appartient.

Et l'artiste a toujours raison. Et à cette époque lointaine, les Médicis comprenaient qui était Michel-Ange. Et Jules II l'a bien compris. Et Karl comprit qui était Titien. Un écrivain a besoin d'un lecteur, un théâtre a besoin d'un spectateur et un artiste a besoin de caractère et d'appréciation. Alors seulement, tout s'arrange. Et vous pourrez écrire Charles Quint exactement de cette façon et pas autrement. Ou le pape Paul III et il l'acceptera. Et s'il n'y a pas de lecteur et de spectateur, s'il n'y a que Glazunov, devant lequel est assis Brejnev, alors il n'y aura rien. Comme le disait le héros de Brecht, qui a enseigné le théâtre à Arthur : « Je peux faire de toi n’importe quel Bismarck ! Dites-moi simplement de quel Bismarck vous avez besoin. Et ils veulent toujours ceci et cela. Ce sont clairement des idiots. Et vous demandez s'il a accepté. Et c’est pourquoi je l’ai accepté. L'échelle est définie, tout comme l'époque. Titien n'existe pas dans le vide. Il n’y a pas de Shakespeare en vase clos. Tout devrait être au niveau. Il doit y avoir un environnement pour l'individu. Temps historique, chargé d'un certain niveau de personnages et de manifestations. Histoire et créations. Eux-mêmes étaient des créateurs. Et bien que de nombreux éléments soient à l’œuvre ici, personne n’a jamais été capable d’écrire comme Titien. Simplement en comprenant la forme et la parole, en l’occurrence chez Titien, pour la première fois la couleur n’est pas une construction, comme chez Raphaël, mais la couleur devient une forme psychologique et dramatique. Voici une chose intéressante. Autrement dit, la peinture devient un contenu.

Prenons le même « Portrait équestre » de Charles Quint au Prado, accroché de manière très intéressante. Lorsque vous vous tenez devant les escaliers menant au deuxième étage, il se suspend juste devant vous. Quels mots pour décrire ce choc ? L'image est incroyable ! Mais je connais très bien cette photo. La personne qui est à l’intérieur de l’histoire. Deux points s'y croisent : l'intérieur et l'extérieur. Titien, contemporain vivant à cette époque, décrivait ce commandant à l'intuition prophétique comme le Cavalier de la Mort. Et rien de plus. Un grand commandant, un grand roi, un cheval noir, encore cette couleur rouge, cette couleur écarlate du sang de l'histoire sanglante : sur la lance, sur le visage, sur l'armure, sur ces plumes d'autruche teintes qui étaient alors à la mode. temps. Coucher de soleil, cendres et sang. Pas le lever du soleil, mais le coucher du soleil. Il écrit sur fond de coucher de soleil rouge cendré. Le ciel tout entier est cendre et sang. Vous vous tenez donc devant le tableau et comprenez que devant vous se trouve non seulement le portrait d'une personne, mais une sorte de compréhension globale, à laquelle Picasso ne s'élèvera qu'au XXe siècle. Et bien sûr, beaucoup de choses viennent avec lui dans la peinture, y compris de Giorgiona. C'est tout un mouvement artistique, tout un genre, un genre nouveau - le genre du corps nu, qui combine beaucoup de choses. Et je répète que quand même, vous ne pourrez jamais tout voir et tout comprendre complètement... Qu'est-ce que c'est, qu'est-ce que c'est ? Quel genre de jeune femme est-ce ?

"Portrait équestre" de Charles Quint

Étudiants: C'est Manet ! Olympie!

Volkova : Oui bien sur. Bien sûr. Qu'en dites-vous ? Cela a-t-il quelque chose à voir avec Titien ?

"Olympia" d'Edouard Manet - le début de la peinture européenne. Pas des beaux-arts, mais de la peinture. Il y représentait une féministe - une vraie et nouvelle femme de l'époque qui pouvait poser nue devant l'artiste - la duchesse Isabella Testa. C'était une époque où les courtisanes dirigeaient le monde. Et elle est la duchesse d'Urbino, comme pour nous dire : « Je ne suis pas seulement une femme très moderne, mais c'est un grand honneur pour moi d'être une courtisane. »

Olympie – Manet

Les courtisanes de cette époque n’étaient pas des femmes des banlieues sales. Non! C'étaient des hétaïres : intelligents, instruits, capables de se présenter, donnant une impulsion à la société. Impulsion la plus élevée ! Ils possédaient leurs propres clubs ou salons où ils recevaient leurs invités.

Victorine Meran était une courtisane célèbre et l'amante de Manet.

Il a souvent écrit cette femme décomplexée, et en parallèle il y avait les merveilleux romans de Zola, Balzac, George Sand et ce qu'ils décrivaient n'étaient pas seulement de la morale, pas seulement de l'histoire en littérature, mais des instruments élevés et très sensibles de l'époque. Revenir en arrière pour avancer ! Mane a dit de manière absolument lamentable : « Je vais là-bas pour sortir. Je fais marche arrière pour faire avancer l’art ! Manet suit Titien. Pourquoi le suit-il ? Parce que c'est de là que partent les trains. Il revient sur ce point pour avancer. Comme le disait le merveilleux Khlebnikov : « Pour avancer vers les hauteurs, nous devons nous élever jusqu'à la bouche. » C'est-à-dire jusqu'à la source où coule la rivière.

Quiz Merano

Je pense que tu comprends tout.

Personne ne connaissait les secrets de Titien. Autrement dit, ils savaient ce qu'il écrivait, mais ne pouvaient pas comprendre ce qui se passait là-bas. Et ses ombres sont un véritable mystère. La toile est apprêtée avec une certaine couleur, déjà translucide. Et c'est une magie extraordinaire. Avec l'âge, Titien écrivait de mieux en mieux. Quand j'ai vu pour la première fois « St. Sebastian", je dois dire honnêtement, je n'ai pas compris comment c'était écrit et jusqu'à présent personne ne l'a compris.

Lorsque vous vous tenez à une certaine distance du tableau, vous comprenez ce qui est peint, mais lorsque vous vous en approchez, vous ne voyez rien, c'est juste un désordre. Juste un gâchis pittoresque. Il a pétri la peinture avec sa main, des traces de ses doigts y sont visibles. Et ce Sébastien est très différent de tout ce qui a été écrit auparavant. Ici, le monde est plongé dans le chaos et la peinture qu'il utilise est de la même couleur.

Vous voyez de la peinture abstraite parce que la couleur du tableau ne ressort pas. C'est lui-même le contenu. C’est un cri étonnant et c’est un cri de vide, mais ne pensez pas que tout cela soit accidentel. La seconde moitié du XVIe siècle, la fin du XVIe siècle – c'était une époque particulière. D'une part, c'était le point le plus important dans le développement de l'humanisme de l'art et du génie et de la science européens, car il y avait Galilée et Bruno. Vous n'avez aucune idée de qui était Giordano Bruno ! Et il a été le premier à s'intéresser au Groenland et à ses recherches, à dire ce que la science approche à peine maintenant. Il était très arrogant. D’un autre côté, le puritanisme, l’Inquisition, l’Ordre des Isuits – tout cela agissait déjà dans cet état créateur intense et complexe. La communauté internationale se cristallise. Et je dirais : une communauté d’intellectuels de gauche. Comme c’est intéressant, ils étaient presque tous contre la Réforme. Peux-tu imaginer? Ils étaient tous contre Martin Luther. Shakespeare était certainement catholique et partisan du parti Stuart. Cela ne fait aucun doute. Pas même anglican, mais partisan du parti Stuart et catholique.

Dürer, originaire de la première ville protestante et complètement philistine de Nuremberg, était le plus ardent opposant à Martin Luther, et à sa mort, Willy Byte Prince Geimer (?), qui correspondait avec son très grand ami le géomètre Chertog, écrivait : « Martin Luther a tué sa propre femme. Il n’est pas mort de sa propre mort – ils sont responsables de sa mort.

Il en va de même pour Michel-Ange. Ne pensez pas qu’ils ont vécu sans rien savoir l’un de l’autre. Ils faisaient partie d’une communauté très intéressante, dirigée par Jan van Achen, que nous connaissons sous le nom de Hieronymus Bosch. Et il était à la tête de ce cercle de gens qui se faisaient appeler Adamites et étaient apocalyptiques. Ils ne faisaient pas de publicité et nous en avons entendu parler relativement récemment, mais Boulgakov était au courant. Quand j'aurai lu Bosch, et qu'il n'a rien écrit d'autre que « L'Apocalypse » et « Le Jugement dernier », alors je vous lirai Boulgakov. Il a beaucoup de citations de Bosch. Et c’est précisément sur la théorie adamite qu’est écrit « Cœur de chien » et je vais littéralement le prouver. L’image de l’art et de la vie est assez complexe.

Savez-vous qu'à la fin de la vie de Michel-Ange, dans la même chapelle sectine, où il a peint le plafond, il a écrit sur le mur « Le Jugement dernier » ? Et ils se mirent tous à écrire « Le Jugement dernier ». Ils ont commencé à écrire une fin tragique, une apocalypse. Non pas l'Adoration des Mages, mais l'apocalypse. Ils en étaient conscients. Ils ont fixé la date à laquelle cela a commencé. C'était un certain groupe de personnes. Mais quels noms ! Dürer, Leonardo - tout. Le centre de cette communauté se trouvait aux Pays-Bas. Ils écrivirent des messages aux papes. C’est nous qui vivons dans l’ignorance et ne savons pas ce qui se passe dans le monde, parce que l’histoire que nous lisons est écrite soit par ignorance, soit de manière idéologique. Lorsque j’ai eu accès à la vraie littérature, j’ai été étonné de voir à quel point, dans notre compréhension, l’histoire est linéaire et, de l’autre, aplatie. Mais elle n'est pas comme ça. Tout moment de l’histoire est sphérique et le XVIe siècle est un cristal aux multiples faces. Il existe de nombreuses tendances. Et pour ce groupe spécial de personnes, le Jugement dernier est déjà arrivé.

Pourquoi pensaient-ils cela ? Ils ont soutenu cela pour une raison. Ces gens étaient unis et connaissaient les humeurs de chacun. Dans le livre de Vasarius sur la vie des artistes italiens, il n'y a qu'un seul artiste qui n'est pas italien : Dürer, qui a vécu de manière permanente en Italie. Parfois chez lui, mais surtout en Italie, où il se sentait bien. Il rentrait chez lui pour affaires, où il laissait des carnets de voyage, des notes, etc., mais il était profondément lié à la communauté. Dans le temps, ils vivaient les uns des autres avec un petit écart, mais dans l'ordre des idées, du mode de vie, des observations très amères et des déceptions qui les ont traversés, ils sont perçus par leurs contemporains directs.

Je veux dire que l’époque du Titien, tout comme l’époque de Shakespeare, est une époque de personnages très forts et de grandes formes. Il fallait être Titien ou Shakespeare pour identifier, exprimer et nous laisser toutes ces formes.

Voici une autre œuvre du Titien exposée au Louvre - "Trois Âges". Qui en a fait une copie directe ? Salvador Dalí. Titien s'intéresse aux questions de temps et il le montre. Ici se tient un jeune homme et derrière lui se trouve sa fin.

Trois âges

Étudiants: Pourquoi sont-ils dessinés de droite à gauche ?

Volkova : Comment ça, de droite à gauche ?

Étudiants: Eh bien, cela semble être courant en Europe...

Volkova : Oh, quels spécialistes nous avons (rire)!

Étudiants: C'est pourquoi je demande.

Trois âges – Dali

Volkova : Et je ne suis pas un expert. Parce que c'est ce qu'il a écrit. Du moment du lever au coucher du soleil. A l’est le Soleil se lève et à l’ouest il se couche. C’est donc une image assez surréaliste. Qu'est-ce qu'il y a d'intéressant là-dedans ? Loup-garou ! Le loup-garou zoomorphe, très fort chez Goya. Mais nous ne vivons pas au 19ème siècle. Mais d’où Titien l’a-t-il obtenu ? Il sent les gens et écrit des loups-garous. Ainsi, lorsqu'il écrit Aretino, il ressemble à un loup, et Paul III ressemble à un vieux paresseux minable. Il peint les gens comme s’ils étaient des créatures à moitié incarnées dotées d’instincts prédateurs, chasseurs, impitoyables et immoraux. À votre avis, qui voit-il comme ce charmant jeune homme ?

Étudiants: Un chien! Loup! Un ours!

Volkova : Prédateur! Crocs, moustache. Ne voyez-vous pas qu'il est si charmant et que son visage est brillant. C'est trompeur. Un jeune prédateur fort avec des crocs et une soif de combat entre prédateurs ! Son apogée est un lion atteignant son apogée. Un vieux loup est, bien sûr, une chose inouïe. Il n’y a pas trois hypostases du Père, du Fils et du Saint-Esprit, comme chez l’homme. Il décrypte différents aspects de l'âge et nous montre des principes prédateurs. Pas étonnant que Dali en ait fait une copie. Comme Freud, il plonge dans le principe chthonien. Et comme une bête prédatrice se cache dans les profondeurs des Chthoniens, rien ne peut être fait. Ni l’éducation, ni les paroles nobles, ni les actions démonstratives n’y feront rien. Force, désir de pouvoir, insatiabilité, répétition de la même chose sans conclusions, sans leçons ! Et lorsque cette étonnante histoire de schisme ecclésial ou de persécution des hérétiques a commencé au Moyen Âge, les gens n'avaient pas encore été brûlés vifs. Ils commencèrent à être brûlés au XVIe siècle. Bruno fut brûlé au tournant des XVIe et XVIIe siècles. En 1600. Des gens ont été brûlés au XVIIe siècle. Mais pas au 12ème. Il y a eu des épidémies, mais elles n'ont pas été brûlées. Brûlé par l'Inquisition. Il a été créé pour brûler. Shakespeare, Titien, Bosch, Dürer ont abandonné la Contre-Réforme, la considérant comme un mal et le début du chemin vers l'apocalypse. Ils avaient terriblement peur de la Bible de Luther : que désormais chacun vienne écrire ce qu'il veut. L'une des dernières œuvres de Dürer, Les Quatre Apôtres, exposée à Munich près de Charles Quint.

Quatre apôtres

Et derrière tous ces apôtres, il a écrit leurs paroles et a présenté ce tableau à la ville de Nuremberg : « À mes citoyens, mes compatriotes. Craignez les faux prophètes ! Cela ne veut pas dire qu’ils étaient primitifs dans leur religion. C'étaient des gens d'une époque nouvelle. Et Titien savait qu'il n'y a pas d'ange vivant à l'intérieur d'une personne et que l'amour ne peut pas devenir une transformation angélique. Il savait qu'un rêve chthonien et impitoyable vivait à l'intérieur, prédéterminant le cercle et sa fin.

Vous savez, j'aime vraiment mon métier et ce n'est pas un secret pour vous. Je pense maintenant complètement différemment d’il y a 20 ans, parce que j’ai commencé à voir les choses différemment. Le plus important est la circulation des informations. Quand je regarde des images, non seulement je les apprécie - à chaque fois que je fais une plongée en haute mer, ce qui peut conduire à un accident de décompression, mais cet état véhicule une certaine image du monde, dont le contenu reste à comprendre et à apprécier. . Rappelez-vous comment les Grecs de l’Antiquité évaluaient leurs contemporains ? Grâce à un concours. Tous ceux qui n'ont pas pris la première place ont réduit leur travail en poussière, car une seule option a le droit d'exister : la meilleure. Vrai. Il y a un grand nombre de très mauvais artistes autour de nous. Ce n'est peut-être pas si dramatique pour la culture s'il y a une échelle, mais lorsque le niveau de Titien, Bosch, Dürer, Shakespeare disparaît ou qu'il devient rare ou déformé, alors la fin du monde arrive. Je suis aussi devenu un apocalyptique, pas pire que Bosch. Je ne vis pas dans un état d’opinion, mais je suis très surpris de voir à quel point ils savaient tout à l’époque. Ils connaissaient la nature de l’apocalypse et ses causes. Et ils ont tout énuméré dans leurs messages aux papes. Et ils l'ont montré en images.

Eh bien, tu n'es pas fatigué ? J'ai terriblement peur que 4 heures ne me suffisent pas, et elles ne suffiront pas, alors je veux que le théâtre Shakespeare commence à vous lire dès maintenant. J'ai emporté avec moi toutes sortes de photos dans lesquelles vous verrez ses contemporains. Vous savez, il y a des artistes qui sont très difficiles à lire. Titien est difficile à lire. Cela ne rentre pas dans l’ordre des mots. Cela ne convient à personne. Ce n'est pas pour ma propre défense, mais parce que, en effet, il existe de tels artistes ou écrivains dont il est facile de parler ou d'écrire, mais il y en a d'autres sur lesquels il est plus facile de se mettre dans un nœud coulant. Parce qu'il y a une chose mystérieuse - vous recevez une immense mer d'informations, mais vous ne pouvez rien dire. J’aime beaucoup ce dicton : « La plus belle femme du monde ne peut pas donner plus qu’elle n’a. » C’est pareil ici, quand on a affaire à une personne brillante et qu’en s’immergeant de plus en plus en lui, on finit par comprendre que c’est ça ! – le moment de l’accident de décompression est arrivé et il n’y a aucune information. Et c'est Rembrandt ou Titien, pour qui l'information passe par la dramaturgie de la couleur. Code couleur qui traverse la composition.

Attention! Ceci est un fragment d'introduction du livre.

Si vous avez aimé le début du livre, la version complète peut être achetée auprès de notre partenaire - le distributeur de contenu légal, litres LLC.

Conférences sur l'art par le professeur Paola Volkova

Paola Dmitrievna Volkova

© Paola Dmitrievna Volkova, 2017

ISBN978-5-4485-5250-2

Créé dans le système d'édition intellectuelle Ridero

Préface

Vous tenez entre vos mains le premier livre, qui comprend des conférences uniques de la professeure d'histoire de l'art Paola Dmitrievna Volkova, donnée par elle aux Cours supérieurs pour réalisateurs et scénaristes au cours de la période 2011-2012.

Volkova Paola Dmitrievna

Ceux qui ont eu la chance d’assister aux conférences de cette femme extraordinaire ne les oublieront jamais.

Paola Dmitrievna est l'élève de grandes personnes, parmi lesquelles Lev Gumilyov et Merab Mamardashvili. Elle a non seulement enseigné au VGIK et aux cours supérieurs pour réalisateurs et scénaristes, mais était également la plus grande experte mondiale de l'œuvre de Tarkovski. Paola Volkova a non seulement donné des conférences, mais a également écrit des scénarios, des articles, des livres, organisé des expositions, révisé et animé des programmes télévisés sur l'art.

Cette femme extraordinaire n’était pas seulement une brillante enseignante, mais aussi une grande conteuse. À travers ses livres, ses conférences et simplement ses conversations, elle a inculqué à ses étudiants et à ses auditeurs le sens de la beauté.

Paola Dmitrievna a été comparée à la Bibliothèque d'Alexandrie et ses conférences sont devenues une révélation non seulement pour les gens ordinaires, mais aussi pour les professionnels.

Dans les œuvres d'art, elle savait voir ce qui est habituellement caché aux regards indiscrets, connaissait ce langage très secret des symboles et pouvait expliquer avec les mots les plus simples ce que cache tel ou tel chef-d'œuvre. Elle était une harceleuse, une guide-traductrice entre les époques.

Le professeur Volkova n'était pas seulement un réservoir de connaissances, c'était une femme mystique - une femme sans âge. Ses histoires sur la Grèce antique, la culture de Crète, la philosophie de la Chine, les grands maîtres, leurs créations et leurs destins étaient si réalistes et remplies des moindres détails qu'elles suggéraient involontairement l'idée qu'elle-même vivait non seulement à cette époque, mais aussi Je connaissais personnellement toutes les personnes dont l'histoire était racontée.

Et maintenant, après son départ, vous avez une excellente occasion de plonger dans ce monde de l'art, que vous ne soupçonniez peut-être même pas, et, comme un voyageur errant assoiffé, de boire au puits le plus pur de la connaissance.

Conférences données dans les Cours Supérieurs de Réalisateurs et Scénaristes

Conférence n°1. Ecole florentine – Titien – Piatigorsky – Byron – Shakespeare

Volkova : Je regarde les rangs qui s'éclaircissent...

Étudiants: Rien, mais prenons la qualité.

Volkova : De quoi me soucier? Je n'ai pas besoin de ça. Tu en as besoin.

Étudiants: Nous leur dirons tout.

Volkova : Donc. Nous avons un sujet très important que nous avons abordé la dernière fois. Si vous vous en souvenez, nous parlions de Titien. Écoute, je veux te demander ceci : te souviens-tu que Raphaël était élève à l'école florentine ?

Étudiants: Oui!

Volkova : C'était un génie et son génie a eu un effet très intéressant. Je n'ai jamais vu un artiste plus parfait. Il est l'Absolu ! Quand vous regardez ses affaires, vous commencez à comprendre leur pureté, leur plasticité et leur couleur. Une fusion absolue de Platon et d'Aristote. Dans ses peintures, il y a précisément le principe aristotélicien, l'intellectualisme aristotélicien et la conceptualité aristotélicienne, marchant à côté du haut principe platonicien, avec une telle perfection d'harmonie. Ce n'est pas un hasard si dans « l'École d'Athènes », sous l'arc, il a peint Platon et Aristote marchant côte à côte, car il n'y a pas de fossé interne chez ces personnages.

école d'Athènes

L'école florentine trouve son origine dans la dramaturgie giottienne, où l'on recherche un certain espace et une certaine attitude envers la philosophie. Je dirais même philosopher poétique. Mais les Vénitiens sont une école complètement différente. Concernant cette école, j’ai pris cette pièce de Giorgione « Madone de Castelfranco », où Saint Georges ressemble davantage à la Jeanne d’Arc de Voltaire.

Regarde la. Les Florentins ne pouvaient pas peindre la Madone ainsi. Écoute, elle est occupée avec elle-même. Un tel isolement spirituel. Il y a des moments dans cette image qui ne se sont certainement jamais produits auparavant. C'est une réflexion. Choses liées à la réflexion. L'artiste donne des moments complexes au mouvement intérieur, mais pas une direction psychologique.

Madone de Castelfranco

Si nous résumons ce que nous savons des Vénitiens et du Titien, nous pouvons alors dire que dans un monde qui reflète Venise avec sa vie particulière, avec sa productivité sociale complexe et ses turbulences historiques, on peut à la fois voir et ressentir la charge interne d'un système prêt à s'épuiser. Regardez ce portrait de Titien accroché dans la galerie du palais Pitti.

Portrait d'un inconnu aux yeux gris

Mais d'abord, dans notre compagnie intime, je dois admettre que j'étais autrefois amoureux de ce camarade sur la photo. En fait, je suis tombé amoureux des peintures à deux reprises. La première fois que je suis tombée amoureuse, c'était quand j'étais écolière. Nous avions chez nous un album de l'Ermitage d'avant-guerre et il présentait le portrait d'un jeune homme en robe, peint par Van Dyck. Il a peint le jeune Lord Philip Warren, qui avait le même âge que moi. Et j'étais tellement fasciné par mon pair que, bien sûr, j'ai immédiatement imaginé notre merveilleuse amitié avec lui. Et vous savez, il m'a sauvé des garçons dans la cour - ils étaient vulgaires, pugnaces, mais ici nous avons des relations si élevées.

Mais malheureusement, j’ai grandi et lui pas. C'était la seule raison pour laquelle nous avons rompu (rire). Et mon deuxième amour s’est produit quand j’étais étudiant en 2ème année. Je suis tombée sous le charme du portrait d'un inconnu aux yeux gris. Nous ne sommes pas restés longtemps indifférents l'un à l'autre. J'espère que vous approuvez mon choix ?

Étudiants: Indubitablement!

Volkova : Dans ce cas, nous entrerons dans un domaine très intéressant pour notre rapport à l’art ou aux œuvres d’art. Tu te souviens comment nous avons terminé la dernière leçon ? J'ai dit que la surface picturale du tableau elle-même devient précieuse en elle-même. C'est lui-même déjà le contenu de l'image. Et Titien a toujours eu cette valeur intrinsèque absolument pittoresque. C'était un génie ! Qu’arrivera-t-il à ses tableaux si l’on enlève la couche picturale et ne laisse que la sous-couche ? Rien. Sa peinture restera une peinture. Cela restera toujours une œuvre d’art. De l'Intérieur. Au niveau intracellulaire, la base, c'est ce qui fait d'un peintre un artiste brillant. Et extérieurement, cela se transformera en un tableau de Kondinsky.

Il est très difficile de comparer Titien à quelqu’un d’autre. Il est progressiste. Regardez comment, à travers l'ombre qui tombe sur le mur argenté, il relie de manière pittoresque ce portrait à l'espace dans lequel vit cette personne. Vous ne pouvez même pas imaginer à quel point il est difficile d’écrire. Une combinaison si étonnante d'un espace léger aux vibrations argentées, de ce manteau de fourrure qu'il porte, d'une sorte de dentelle, de cheveux roux et d'yeux très clairs. Vibration gris-bleu de l'atmosphère.

Il a un tableau accroché... Je ne sais plus où, ni à Londres, ni au Louvre. Non, certainement pas au Louvre, à la National Gallery de Londres. Ainsi, sur cette photo, il y a une femme assise avec un bébé dans les bras. Et quand vous le regardez, il vous semble que ce tableau est arrivé ici par hasard, car il est tout simplement impossible d'imaginer qu'il s'agisse de l'œuvre de Titien. Il a été peint d'une manière qui rappelle quelque chose entre Claude Monet et Pissarro - en utilisant la technique du pointillisme, qui crée ce tremblement même de tout l'espace du tableau. Vous vous approchez et n'en croyez pas vos yeux. Là, on ne voit plus les talons ni le visage du bébé, mais une seule chose est visible : il a dépassé Rembrandt en liberté. Ce n'est pas un hasard si Vasily Kondinsky a déclaré : « Il n'y a que deux artistes dans l'art mondial que je puisse appeler des peintres abstraits. Pas non objectifs – ils sont objectifs, mais abstraits. Ce sont Titien et Rembrandt. » Et pourquoi? Car, si avant eux toute peinture se comportait comme peindre colorant un objet, alors Titien incluait le moment de la coloration, le moment de la peinture comme couleur indépendante de l'objet. Comme par exemple « St. Sébastien" à l'Ermitage. Lorsqu’on s’en approche de très près, on ne voit rien d’autre qu’un chaos pittoresque.

Il existe un tableau que vous, debout devant la toile, pouvez regarder à l’infini. C'est très difficile à exprimer avec des mots, car il y a une lecture impressionniste complètement arbitraire, une lecture des personnages ou des personnalités qu'il écrit. Et peu importe qui vous regardez : Piero della Francesco ou le duc Federico da Montefeltro.