Isoler et identifier les spécificités du conflit lyrique dans une œuvre est une tâche difficile ; malgré les développements théoriques existants que nous abordons, de nombreuses questions non résolues restent dans ce problème. Les paroles en tant que type particulier de littérature ont leurs propres caractéristiques qui doivent être prises en compte lors de l'étude du conflit. Il est généralement admis que dans un conflit lyrique, contrairement à un conflit épique, le monde n'est pas représenté, mais s'exprime dans les sentiments, les pensées et les expériences du héros ; cela détermine certaines des caractéristiques du conflit.

Le concept de conflit lyrique a été défini pour la première fois par Hegel. « Bien que la poésie lyrique, écrit-il, évolue vers certaines situations dans lesquelles le sujet lyrique est autorisé à absorber une grande variété de contenus dans ses sentiments et ses pensées, la forme du monde intérieur constitue toujours le type principal de ce type de poésie, et pour cette raison, elle exclut une image visuelle globale de la réalité extérieure. »

Selon G. Pospelov, un trait distinctif du conflit lyrique est la relation entre le subjectif et l'objectif. "Les paroles sont les méditations verbales du poète, exprimant son monde intérieur. C'est le principal type de lyrisme, dans lequel il révèle particulièrement clairement des caractéristiques et des modèles spécifiques."

Dans les paroles, le monde intérieur et la conscience du poète se révèlent le plus pleinement, car ce type de littérature se distingue par la plus grande concentration de contenu et de forme.

Il est toujours assez difficile de déterminer sans ambiguïté la spécificité du lyrique dans une œuvre. L. Timofeev identifie les caractéristiques essentielles des paroles - subjectivité et individualité dans la représentation du personnage, ces concepts apportent une clarté supplémentaire à l'étude du problème du conflit lyrique. Selon le scientifique, les paroles ne représentent pas, mais reflètent la vie, véhiculant des expériences humaines spécifiques, de contenu différent. Les paroles créent leur propre monde, leurs propres principes de compréhension de la vie, elles transmettent la psychologie des sentiments et des pensées de manière beaucoup plus subtile et profonde, ce qui n'est pas toujours soumis à une analyse psychologique.

Selon L. Ginzburg, la poésie lyrique ne représente pas toujours une conversation directe du poète sur lui-même et ses sentiments, mais c'est toujours un point de vue, une évaluation. "Les catégories esthétiques du haut et du bas, de la poétique et de la prose, si persistantes dans la poésie lyrique, sont également imprégnées d'un principe évaluatif. Dans les formes lyriques compressées, le principe évaluatif atteint une intensité extrême."

Le conflit dans une œuvre lyrique est un système complexe de concentration et de multicouche, dont les critères sont extrêmement difficiles à déterminer. À notre avis, les dispositions théoriques sur la poésie de Y. Lotman nous permettent de présenter le conflit comme une manifestation du principe universel « identité - contradiction » à tous les niveaux du texte de la structure poétique. paroles conflit poète réalisme

La structure du conflit lyrique du point de vue des oppositions binaires-antinomiques est explorée par A. Kovalenko dans son ouvrage « Conflit artistique dans la littérature russe » (poétique et structure). Cette approche scientifique a permis d'explorer en profondeur le problème du conflit lyrique dans les œuvres de F. Tyutchev, V. Khodasevich, O. Mandelstam et d'autres.

Il faut dire que le processus littéraire des années 50 est associé à une « absence de conflit », qui a considérablement influencé le niveau artistique de nombreuses œuvres et leur signification. La poésie, comme d’autres genres, fut pendant un certain temps sous l’influence de la « théorie sans conflit ». La situation actuelle à cette époque, tant dans la littérature en général que dans la poésie, était définie comme une « crise ». En témoignent un certain nombre de décrets sur la littérature et l'art, ainsi que les discussions sur la poésie qui se sont déroulées dans les pages des journaux et des magazines.

Le débat sur la poésie qui s'est déroulé dans les publications littéraires était censé répondre à la question principale : à quoi devrait ressembler la poésie des décennies à venir ?

Le critique E. Zelinsky, dans son article « Sur les paroles », a insisté sur les perspectives de développement du sens lyrique en poésie, défendant « l'effort général d'intimité dans notre poésie ». A. Leites, qui s’y opposait, voyait dans ce phénomène des signes de « désinhibition interne » « nuisible », selon lui. I. Grinberg a admis que « les paroles ont pris une place décisive dans les recueils et les sections de poésie de nos magazines ces dernières années ». C'est ce fait qu'il percevait comme un symptôme dangereux selon lequel de nombreuses expériences personnelles apparaîtraient dans la poésie, ce qui affecterait négativement le développement de la poésie.

Ces articles critiques sur la poésie sont écrits dans l'air du temps, ils n'abordent aucun problème complexe de la vie littéraire de l'époque, mais démontrent seulement une approche formelle et une participation à la situation actuelle. Ce n’est pas un hasard, mais un phénomène tout à fait naturel dans le processus littéraire unifié des années 50.

La tendance générale dans le développement des thèmes, des idées et des ambiances est caractéristique à la fois de la prose et de la poésie. Dans les œuvres épiques, le thème des transformations d'après-guerre et de la construction sociale était dominant ; dans la poésie de la fin des temps qui nous intéresse, on observe des phénomènes similaires, à l'exception des auteurs dont l'œuvre ne répondait pas aux exigences et , malgré tous les moments contradictoires dans le développement des paroles de ces années (Résolution "Sur les magazines "Star" et "Leningrad", (1946), des œuvres individuelles de A. Akhmatova et B. Pasternak paraissaient encore imprimées.

La principale exigence de la poésie de cette époque était qu'elle reflète des faits spécifiques sur les réalisations dans la restauration du pays. Et en conséquence, tant dans la prose que dans la poésie de ces années, les thèmes ruraux et industriels ont commencé à se développer activement. Cela peut être confirmé par les poèmes de N. Gribatchev « Ferme collective « bolchevique » (1947), M. Lukonin « Journée de travail » (1948), N. Aseev « Poème des rivières du Nord » (1951) et d'autres écrits au cours de ces Les critiques notent avec satisfaction « un nouveau souffle de vie, le pathos du travail, les aspirations et les rêves de la jeune génération issue de la guerre, le désir de reconstruire l’économie du pays d’une nouvelle manière ».

En raison de l'attention particulière portée à « la construction d'une nouvelle vie », les thèmes lyriques ont commencé à résonner moins dans les œuvres des poètes. L'élément lyrique des poèmes a commencé à s'effacer, voire à disparaître complètement des œuvres. C’est précisément ce qui a suscité l’inquiétude de Z. Kedrina dans l’article « La recherche de l’essentiel (L’histoire d’un processus littéraire perdu) ». "La compréhension même du lyrisme a commencé à changer ; ce n'est pas le prestige du lyrisme qui a changé, mais son niveau de qualité", écrit-elle dans l'article et, comme preuve, a évoqué le fait que de nouveaux cycles lyriques de divers poètes ont commencé. à compiler à partir de poèmes écrits sur des sujets civils. Des poèmes tels que « La voie de l'eau » de V. Inber étaient intitulés : « Élevez la voix, honnêtes gens, arrachez les masques des meurtriers ! A. Surkova, « Aux approches rapprochées » M. Aliger.

Un point de vue différent était celui d'O. Bergolz, reconnaissant le « désavantage » de la poésie lyrique, elle estimait que le matériau de la poésie devait encore être tiré « de la vie », notant à ce sujet : « Le point de vue selon lequel notre vie fait ne pas fournir de matériel est erroné. Cette idée est susceptible de désorienter ; elle vise à réduire la responsabilité des poètes pour leur œuvre.

En règle générale, le « matériau vital » était mis en œuvre dans des thèmes industriels et ruraux, ce qui réduisait considérablement le niveau de « lyrique » dans la poésie : c'est précisément à cette approche que Z. Kedrina s'est opposée et n'a pas trouvé de support pour ses déclarations dans la critique.

On peut noter que dans le désir de créer des œuvres dans l'air du temps, l'œuvre de poètes individuels a montré une tendance à « embellir » la réalité, ce qui a abouti au pathétique déclaratif, à « l'idylle » et au « rayonnement » du travail quotidien. A titre d'exemple de ce type de poésie, on peut utiliser une sélection de poèmes de la revue "Znamya" (1951, n° 10). E. Dolmatovsky dans le cycle poétique « By Future Seas » (1951) « en couleur bleu ciel » dépeint la réalité :

Et une colombe blanche vole dans le bleu

Au-dessus de la rue Mira tôt le matin.

Et, comme les sémaphores, la voie est ouverte ! -

Les grues à tour sont partout.

A. Prokofiev exprime l'état lyrique du héros de manière tout à fait « facile » et « dénuée de sens » :

Et les soucis sont loin

Et peu de soucis

Lumières dorées

Longue route .

De nombreuses œuvres sont apparues dans la poésie écrite « sur le thème du jour » ; c'est précisément cette particularité qui ne leur a pas permis « d'exister » pendant longtemps, même si le « flux de poésie » dans les publications littéraires était important. Une situation est apparue où « la quantité ne correspond pas à la qualité ». S. Shchipachev a exprimé son inquiétude à ce sujet dans l'article "Pour la haute poésie": "Il n'y a pas de nouvelles œuvres intéressantes en poésie, ils écrivent beaucoup, mais tout dépend du niveau de compétence. Dans la littérature et l'art, de nombreux médiocres et Parfois, de simples œuvres de hackwork sont apparues qui déforment la réalité. La vie est dépeinte de manière lente et ennuyeuse. Il existe de nombreuses œuvres inachevées et faibles dans la poésie. C'est le signe de graves problèmes. La poésie n'a pas la capacité de créer des images généralisées et de refléter les conflits de la vie. Dans de nombreux Dans ces poèmes, on ne ressent aucune inspiration, aucune pensée, aucune recherche de nouvelles formes d'expression."

En outre, le poète a noté d'autres phénomènes « négatifs » dans la poésie, en les appelant « le manque d'indépendance et d'imitation », le « storokogogostvo » des jeunes poètes, la critique « faible » et l'autocritique. Pour confirmer ses propos, S. Shchipachev a cité le poème de V. Tushnova « La route de Klukhor » (« Bannière », 1952, n° 9) et de M. Aliger « Tours dans la mer » (« Nouveau Monde », 1952). , n° 2) , qui ne sont pas sans les inconvénients énumérés ci-dessus.

O. Bergolz, dans son article critique publié dans la Literaturnaya Gazeta, a tenté de trouver les « origines » des manifestations négatives dans la poésie, elle a écrit : « Des poètes, des « réalistes en pâturage », qui ont peur d'exprimer notre vie à travers notre propre cœur, en tant que partie de nous-mêmes, souffrant d'une peur de soi évidente, fuyant les concepts mêmes - personnalité, individualité, expression de soi, c'est-à-dire de ce sans lequel la poésie n'existe tout simplement pas.

De nombreux écrivains ont reconnu la « légèreté », le « faible niveau de culture du vers » et l'inexpressivité artistique. Mais en général, les critiques ne portaient pas sur le niveau du contenu, mais sur le fait que « la poésie commençait à être à la traîne par rapport à la prose ». Les défauts de la poésie se manifestent dans le fait qu’« elle est très en retard sur son temps, par rapport à la pratique vivante de notre époque ».

A. Surkov a exprimé l'idée de la nécessité d'un rapprochement plus étroit et plus organique de la poésie avec la réalité de la vie et ses problèmes de travail : « Les grandes tâches qui nous attendent doivent être résolues sur la base de l'exigence fondamentale - que les gens ne se contentent pas de « venir pour matériaux" pour de grands projets de construction, et pour qu'ils entrent dans ces objets en tant que co-auteurs avec les ouvriers du béton. Ensemble avec les opérateurs d'excavatrices, ensemble avec les opérateurs de bulldozers..."

La thèse sur la nécessité de contacts étroits entre les poètes et la vie réelle était bien entendu juste. Cependant, outre la connaissance de la réalité environnante, il était nécessaire de maîtriser le savoir-faire d'un artiste afin de créer des œuvres non « selon un schéma » ou « un ordre », mais selon l'inspiration créatrice.

Il convient de noter qu'il était nécessaire de fixer des tâches non seulement pour la poésie, mais aussi pour la critique, car son objectif principal n'était pas rempli - au lieu d'une analyse approfondie du processus littéraire, de la créativité des poètes individuels et de leurs œuvres, une analyse superficielle l’analyse des poèmes a été donnée dans un esprit « sans conflit ». Il était nécessaire d'avoir une critique qualitativement nouvelle, et en conséquence sa tâche a été formulée : « La tâche principale de la critique est de montrer comment l'idée de poésie s'incarne, de révéler les caractéristiques artistiques et individuelles de l'incarnation de la personnalité du poète. , pour tenter de capturer l'émerveillement vivant, le souffle des idées dans les images, l'intonation, la musicalité."

Les problèmes de la poésie ont été discutés avec une acuité particulière à la veille du deuxième congrès pan-syndical des écrivains soviétiques (1954), puis lors du congrès lui-même. Les principales questions autour desquelles s'est déroulée la discussion dans Literaturnaya Gazeta étaient les questions sur le héros lyrique et « l'expression de soi du poète ».

La conversation sur la poésie lors du deuxième congrès des écrivains de toute l'Union a pris une direction fondamentale. Tout d’abord, il a été noté que l’état de la poésie est loin d’être prospère, car son développement a été marqué par des tendances à « embellir la réalité, à étouffer les contradictions du développement et les difficultés de la croissance ».

L'idée de la nécessité d'élever de manière décisive le niveau idéologique et artistique général des poèmes, d'approfondir la connaissance artistique du monde, était la principale idée du rapport de Samed Vurgun "Sur la poésie soviétique". L’orateur a souligné que la poésie « a besoin d’œuvres empreintes d’idées élevées et de réflexions philosophiques ». À cet égard, les intervenants ont mis l’accent sur les lacunes spécifiques de la poésie. V. Lugovskoy a déclaré : « Nous nous contentons souvent de mordre à la hâte dans des sujets, comme une pomme, sans atteindre les grains d'or du vrai sujet. » O. Bergoltz a soumis la poésie moderne à une critique fondamentale. "L'impersonnalité", a-t-elle soutenu, "est une autre raison du retard de notre poésie."

La discussion au congrès a contribué au développement d'une évaluation objective de la créativité poétique et de la tendance du développement de la poésie à différents niveaux idéologiques et artistiques.

Malgré l'émergence de phénomènes positifs dans la poésie des années 50, la situation restait assez complexe, car « l'absence de conflit » était préservée dans certaines œuvres poétiques, y compris des articles critiques soutenant la « rhétorique superficielle » de la poésie et la « réflexion sans conflit ». » Il a fallu des années pour « éradiquer » « l’absence de conflit » et « se débarrasser » complètement de ce phénomène. Néanmoins, le développement de la créativité poétique ne s'est pas arrêté. Autocritique, « insatisfaite d'elle-même », la poésie dans les discussions, dans la recherche de la vérité, a acquis des valeurs indéniables et a commencé à « gagner en force » de manière significative.

« Le temps de l'avènement de la poésie », dont I. Ehrenburg a parlé au cours de la discussion, est arrivé très vite et rapidement. Une nouvelle étape est apparue dans le développement de la poésie, qui a survécu à la difficile décennie de restructuration psychologique et esthétique de l'après-guerre. En témoignent les œuvres de N. Zabolotsky, Y. Smelyakov, A. Tvardovsky et d'autres, ainsi que les poèmes de jeunes poètes - A. Voznesensky, E. Evtushenko et d'autres - étaient également populaires.

Au début des années 50, dans la poésie lyrique, comme dans la littérature en général, une grande attention était accordée au travail d'auteurs qui, dans leurs œuvres, reflétaient les grands succès de la construction de la décennie d'après-guerre, véhiculant le pathétique particulier de la du temps et créer dans la poésie une atmosphère d'enthousiasme pour la transformation du pays ; ces poètes sont N. Aseev, A. Prokofiev, Y. Smelyakov et bien d'autres. Ils sont unis non seulement par le temps, mais aussi par leur approche de la représentation de la réalité. C’est peut-être pour cela que la popularité de leur œuvre appartient au passé et ne reste qu’une caractéristique du processus littéraire.

À une certaine époque, la critique n'ignorait pas leurs quêtes créatives et les chercheurs dans leurs œuvres étudiaient assez en profondeur les caractéristiques individuelles de chacun. Nous, nous tournant donc vers la poésie de cette époque, essaierons seulement d'identifier des tendances dans le contenu contradictoire des œuvres qui sont les plus significatifs du processus littéraire et capables d'éclairer l'essence des problèmes posés.

Les paroles de Ya. Smelyakov des années 50 étaient surnommées la « Muse du Travail ». Dans les poèmes du poète, le sort du héros lyrique s'identifie au sort du peuple et de l'État, et à son image on peut tracer « l'exaltation intérieure », la fierté de ce qu'il a fait :

J'ai construit des tranchées et des casemates,

il a coupé le fer et la pierre,

et je suis moi-même issu de ce travail

est devenu du fer et de la pierre...

Il n'est pas devenu grand, mais génial,

la pensée repose sur le front,

comme le ciel le matin

sur le sol nu convexe.

Le héros lyrique parle avec la plus grande retenue du personnel, de l'individu, car dans sa vie l'essentiel est social.

Selon les chercheurs de l'œuvre de Y. Smelyakov, dans les poèmes du poète des années 50, une nouvelle catégorie esthétique a été définie - la « voix de la vérité », qui contenait l'essence du temps. Suivant cette esthétique, le poète a cherché à consolider et à comprendre dans ses œuvres les tendances déterminantes les plus importantes de l'histoire, de la vie, du travail et des signes des temps. La terre, le fer, le charbon, le pain - ce sont les principaux supports sur lesquels, selon le poète, repose la vie du travail et du peuple, c'est pourquoi le travail est dépeint par lui de manière épique et large, comme le plus grand événement de la vie. L'échelle dicte l'intonation solennelle et la monumentalité des images des poèmes. "Strict Love" (1953-1955) est une œuvre qui reflète cette approche de la représentation de la réalité. Dans leurs critiques, ils ont écrit à son sujet : « Le poète voulait ressusciter le « pathétique collectif » de la jeune génération de la milice industrielle, en comparant deux époques - la jeunesse du pays et sa maturité, comprendre le modèle de développement historique et souligner le unité des générations.

Le temps dans le poème de Ya. Smelyakov est représenté par des personnages spécifiques, et l'auteur agit à la fois comme conteur, comme narrateur et comme interlocuteur, de sorte que l'image du temps est pour ainsi dire présentée sous différents points de vue.

Dans le livre de L. Lavlinsky sur l'œuvre de Y. Smelyakov, nous lisons : « La gravité du conflit, la densité interne de l'action déterminent la composition unique du poème « Amour strict ». Les héros subissent un test de maturité responsable dans le sphère publique (le cas de Zinka) et personnelle (l'amour de Liza et Yashka "Les principaux champs gravitationnels se forment autour des deux intrigues, le matériau est regroupé. Toute la structure artistique du poème repose sur un cadre solide de comparaisons contrastées.

Y. Smelyakov reflète l'époque, l'époque, l'enthousiasme du Komsomol des jeunes qui vivaient dans une conscience collective de masse. Il évalue sa jeunesse du Komsomol du point de vue d'une nouvelle ère, la fin des années 50, c'est pourquoi, avec une bonne ironie et un amour strict, il écrit sur « l'ascétisme naïf » des adolescents du pays - « filles de fer », « enfants d'acier", "des garçons courageux" qui "avec les slogans concis du travail et la ferme clarté des réglementations" ils ne prêtaient pas attention à la personnalité individuelle, ils avaient peu d'appréciation pour l'individualité unique d'une personne.

Bien entendu, la base de l'intrigue détermine le développement de l'action et du conflit, qui s'exprime par les points de vue et les actions opposés des héros ; il leur est difficile de comprendre les limites de leurs positions, la myopie de leurs points de vue. Le poème trace deux intrigues, l'une d'elles est en corrélation avec l'émergence du premier amour entre deux membres du Komsomol - Lisa et Yashka, la seconde - avec la vie de famille de Zinka et l'attitude des autres héros du poème à son égard. À cet égard, l'œuvre résout de manière ambiguë les problèmes collectifs et individuels, publics et personnels.

Les actions et les activités des héros sont entourées d'une aura de sublimité et même d'une certaine exagération. A côté du monde du travail et des machines, des slogans et des rencontres, vit le « premier amour », transformant le monde, renouvelant la vie. C'est le sentiment d'amour, selon le poète, qui peut supplanter la catégorisation et l'ascétisme naïf par rapport aux valeurs spirituelles chez les héros.

« Strict Love » de Y. Smelyakov est l'œuvre qui reflète le mieux l'influence du temps dans la définition du thème et l'expression d'un conflit particulier, qui peut être considéré comme social et non lyrique dans cette œuvre.

Parmi les poètes de « l’ancienne génération » de la décennie d’après-guerre figure N. Zabolotsky. Les premiers travaux du poète étaient associés aux activités des Oberiuts et déterminaient en grande partie les thèmes et les idées des œuvres. Le début des années 50 est associé à une nouvelle étape de créativité : N. Zabolotsky a créé tout un « buisson » de poèmes dédiés au travail. Le principal est "Road Creators" (1947), complété par "Air Travel", "Temple Station", "Saguramo", "City in the Steppe", "Ural" et "On a High Mountain near Tagil".

Le poème de N. Zabolotsky "Road Creators" a été qualifié dans la critique de "symphonie du travail", dans laquelle le poète a réussi à exprimer la grandeur de l'échelle de construction, amenée "au point d'émerveillement, au fabuleux, ... combinant l'impeccable la fidélité du rapport et la grandeur de l'hymne solennel.

Bien sûr, l'image du travail dans le poème est quelque peu élevée, « embellie » ; sa description a un pathétique déclaratif :

Au-dessus de la raideur de l'ancienne pente

Les cordons des ailes craquent déjà,

Et soudain - un coup, et le bouleau trembla,

Et le ventre de la montagne de pierre hurlait...

Les opérations de dynamitage, les machines, les personnes sont décrites, pour l'essentiel, avec la précision d'un reportage, dans la séquence réelle du processus de travail, mais le poète, afin de « faire revivre » l'histoire documentaire, introduit une description de la nature dans le second. partie du poème :

Le sombre Nord fronça jalousement les sourcils,

Mais chaque jour il fait de plus en plus chaud et plus vite

Vers le détroit de Béring

Le courant des mers tropicales s'est précipité.

Le paysage lumineux crée une image étonnante qui ne rentre pas du tout dans le processus de production, soulignant encore une certaine « artificialité », prétention, « absence de conflit ».

Il ne fait aucun doute que N. Zabolotsky, dans son poème « Road Makers », a cherché à refléter l'enthousiasme unique du travail des premières années d'après-guerre, montrant l'ampleur d'un travail grandiose sur fond de nature magnifique, il n'a pas pu éviter ces erreurs et défauts qui étaient généralement caractéristiques des œuvres de ce type.

Le poème "Passerby" est considéré comme l'un des meilleurs des paroles de N. Zabolotsky et a reçu beaucoup d'attention dans les études sur l'œuvre du poète. Il y a une analyse approfondie de ce texte poétique dans le livre de Y. Lotman "Sur les poètes et la poésie", dans la monographie de A. Makedonov "Nikolai Zabolotsky. La vie. Créativité. Métamorphoses", nous nous tournons donc vers cet ouvrage pour analyser le conflit lyrique, construit en l’occurrence sur une profonde opposition philosophique entre la vie et la mort, l’homme et le monument.

L'intrigue du poème - la rencontre du passant et du monument - révèle l'un des thèmes principaux de l'œuvre tardive de N. Zabolotsky - le thème de la mort et de l'immortalité, qui comprend un certain nombre d'autres "microthèmes" - la mémoire de la guerre, les « désastres » de milliers de personnes, la continuation de la vie d'une personne qui a traversé des épreuves difficiles. Tous ces thèmes se combinent dans un contenu idéologique profond qui définit le conflit interne du passant parlant avec le monument.

La rencontre du passant avec le monument au pilote est une rencontre de vie et de mémoire, et dans cette rencontre naît une expérience particulière, « une paix inattendue, instantanée et déchirante », car en elle les angoisses sont réduites au silence et surmontées, la vie continue. , et le pilote, comme s'il était vivant, parle avec le passant, et après sa mort, sa jeunesse continue de vivre. Cette expérience particulière, comme le croit Y. Lotman, n'est pas seulement un sentiment de peur ou d'humiliation devant la mort et non un déni au nom de la plus haute hiérarchie du spirituel, mais la découverte d'une spiritualité supérieure chez le passant, dans un monument, dans nature.

Le mouvement interne du poème, son intrigue interne représentent une expérience cachée, un conflit du Passant lui-même, rempli d'anxiété mentale. Son court voyage, une rencontre sur la route, une conversation avec un pilote invisible se transforment en symbole d'un destin humain grand et difficile.

Le poème de N. Zabolotsky « La vilaine fille » a connu un grand succès en raison de « son extrême simplicité, qui, à un œil inattentif, peut sembler primitive, mais qui nécessite en fait une habileté élevée et complexe ».

L'ouvrage met en évidence le problème de la dualité, qui détermine la base du conflit. Sa première partie est un sketch quotidien - une scène se déroulant « dans la cour », où « deux garçons font du vélo », ayant oublié leur laid pair. Son manque d'attrait est décrit de manière suffisamment détaillée :

Entre autres enfants

Elle ressemble à une grenouille...

Les traits du visage sont nets et laids...

Même le charme de l’enfance ne la rend pas belle, et quand viendra le temps de la jeunesse, elle n’aura « rien… pour séduire l’imagination ». Le héros lyrique prévoit quelle « douleur », quelle « horreur » la « pauvre fille laide » éprouvera alors. Le portrait de la « fille laide » n'est en aucun cas adouci, et c'est pourquoi les caractéristiques de son « cœur » et de son « âme » ressortent avec un contraste particulier. L'héroïne est ouverte à toutes les impressions de l'existence, il n'y a en elle « aucune ombre d'envie, aucune mauvaise intention » ; pour elle, « celle de l'autre » et « la sienne » sont indissociables (« La joie d'un autre, tout comme la sienne, // La fatigue et lui brise le cœur." ). Dans son cœur, la vie elle-même « se réjouit et rit » :

Tout dans le monde est si immensément nouveau pour elle,

Tout est si vivant que pour les autres il est mort !

La beauté de l’âme, à l’opposé du succès extérieur (« … parmi ses amis // C’est juste une pauvre fille laide ! »), devient un sceau d’élection, la vouant à la solitude et à l’incompréhension.

L'observation de la réalité de l'existence concrète conduit à une réflexion philosophique sur la façon dont la beauté se manifeste chez une personne, pourquoi les gens « divinisent » les caractéristiques extérieures, sans remarquer que « dans tout mouvement » la « grâce de l'âme » transparaît. La question qui termine le poème est rhétorique : elle contient la réponse. Le beau ne peut pas être « vide » dans un beau « vaisseau ». L’image lyrique est conforme au développement de l’idée principale de l’auteur sur la beauté intérieure d’une personne, créant un conflit particulier d’incohérence « externe » et « interne ».

Le cycle « Last Love » (1957) de N. Zabolotsky est intéressant pour sa manifestation de conflit lyrique. Le «dernier amour» pour le héros lyrique est, d'une part, le «désespoir» et, d'autre part, une expérience remplie du charme et de l'éclat de la «lumière d'adieu». La vision extérieure et « lourde » du monde contraste avec la conscience de l’observateur, pénétrant dans les profondeurs de l’âme des héros. L'amour illumine le monde entier plus brillant que « l'étincelle électrique » ; dans « ses rayons » le lien inextricable entre l'épanouissement et le déclin, le « chagrin » et la « joie », la « vie » et la « mort » devient particulièrement visible :

Dans l'inévitable prémonition du chagrin,

En attendant les minutes d'automne,

Mer de joie à court terme

Entouré d'amoureux ici...

L'amour n'est pas seulement une expérience concrète ; sa signification philosophique est également importante. Il s'agit d'un état spécial donné aux gens pour montrer le vrai sens de leur vie, libérant pour un instant de la captivité terrestre l'essence de l'homme - son âme immortelle, belle et « au visage de feu ».

Le conflit lyrique de N. Zabolotsky repose toujours sur « deux mondes » : le « monde de l'homme » et le « monde de la nature » en constituent la base, et c'est un tout unique qui définit le « monde de l'âme humaine ». Dans le poème « Au coucher du soleil (1958), le poète écrit » :

L'homme a deux mondes :

Celui qui nous a créé

Un autre que nous sommes depuis toujours

Nous créons au mieux de nos capacités.

Ainsi, on peut affirmer que la nature du conflit lyrique dans l'œuvre de N. Zabolotsky des années 50 a considérablement changé et a subi une sorte d'évolution : de la « production », exprimée par la couverture à grande échelle de gigantesques constructions et le pathétique sublime de ce qui est représenté, profondément personnel, interne, basé sur la complexité des phénomènes de la vie.

La poésie des années 50 reflète non seulement l'évolution des thèmes, des idées, des images, mais aussi l'évolution du conflit lyrique, qui a considérablement changé au fil des années. À la fin des années 40 et au début des années 50, la poésie subit la forte influence de la guerre qui vient de se terminer ; au cours de ces années, une galaxie de poètes « de première ligne » se font connaître d’une manière unique et puissante. Le thème de la guerre est devenu l'un des thèmes principaux des œuvres de S. Gudzenko, M. Isakovsky, K. Simonov, A. Tvardovsky, S. Orlov et d'autres, qui ont reflété dans leurs œuvres le conflit historique complexe du temps.

Le désir de comprendre les grandes tendances de l'époque, de comprendre la portée des transformations sociales est caractéristique de la poésie de cette époque. Le thème du retour à la vie paisible faisait partie intégrante de l'œuvre de nombreux poètes, dont M. Lukonin, N. Gribatchev, Y. Smelyakov. Il est impossible de ne pas noter que, tout comme en prose, le conflit lyrique « sans conflit » s'est plus souvent réalisé dans le thème des transformations sociales et dans le thème du village. Cela reflétait apparemment la tendance générale du développement de la littérature de cette époque et le désir de refléter les aspects positifs de la vie. Par exemple, la représentation de la réalité dans le poème de N. Gribatchev « La ferme collective bolchevique » et dans le poème de M. Lukonin « La journée de travail » est quelque peu « légère », « sans conflit ». Le désir d'idéaliser la vie est également caractéristique des poèmes individuels. par E. Dolmatovsky, A. Prokofiev, Ya. Smelyakova.

Le conflit lyrique « sans conflit » a eu un impact négatif sur le développement de la poésie dans les années 50. Premièrement, cela a contribué à un énorme flux d'œuvres dénuées de sens, leur « quantité dépassait la qualité », et deuxièmement, cela a largement déterminé les limites thématiques et le faible niveau artistique de la poésie. Au fil du temps, à partir de la seconde moitié des années 50, la situation de la poésie, ainsi que de la littérature en général, a commencé à changer. « L'absence de conflit », reconnue comme intenable et nuisible, grâce aux discussions et à l'évaluation objective développée de ce phénomène, n'est devenue qu'une partie intégrante des poèmes individuels. Avec le dépassement de « l'absence de conflit » dans la poésie des années 50 et 60, des œuvres ont commencé à être établies dans lesquelles le conflit lyrique était construit non pas sur « l'artificialité », mais sur la profonde contradiction entre le héros lyrique et sa mémoire historique (A. Tvardovsky), sur une réelle conscience des problèmes de la vie du village (N. Rubtsov), sur une compréhension philosophique profonde des problèmes les plus complexes de la vie et du temps (A. Akhmatova, B. Pasternak), sur l'approbation de nouvelles opportunités pour l'humanité à l'ère des transformations mondiales (E. Yevtushenko, A. Voznesensky).

Littérature

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Paroles de "l'âge d'argent"

Les paroles de l’âge « d’argent » sont diverses et musicales. L’épithète « argent » elle-même sonne comme une cloche. L'âge d'argent, c'est toute une constellation de poètes. Poètes - musiciens. Les poèmes de « l’âge d’argent » sont la musique des mots. Dans ces versets, il n’y avait pas un seul son supplémentaire, pas une seule virgule inutile, pas un seul point déplacé. Tout est réfléchi, clair et... musical.

Au début du 20ème siècle. il y avait de nombreux mouvements littéraires. C'est du symbolisme, du futurisme, et même de l'ego-futurisme d'Igor Severyanin. Toutes ces directions sont très différentes, ont des idéaux différents, poursuivent des objectifs différents, mais elles s'accordent sur une chose : travailler le rythme, la parole, amener le jeu des sons à la perfection.

À mon avis, les futuristes y sont particulièrement parvenus. Le futurisme a complètement abandonné les anciennes traditions littéraires, la « vieille langue », les « vieux mots », et a proclamé une nouvelle forme de mots, indépendante du contenu, c'est-à-dire une nouvelle langue a été littéralement inventée. Travailler sur les mots et les sons devient une fin en soi, tandis que le sens de la poésie est complètement oublié. Prenez, par exemple, le poème « Perverten » de V. Khlebnikov :

Chevaux, piétinement, moine.

Mais ce n’est pas de la parole, c’est du noir.

Allons-y jeune, à bas le cuivre.

Le grade est annoncé avec une épée dans le dos.

Combien de temps dure la faim ?

L'esprit des pattes du corbeau est tombé et l'esprit du corbeau est tombé...

Il n'y a aucun sens dans ce poème, mais il est remarquable dans la mesure où chaque vers se lit de gauche à droite et de droite à gauche.

De nouveaux mots sont apparus, ont été inventés et composés. D’un seul mot « rire », un poème entier « Le sortilège du rire » est né :

Oh, riez, vous les rieurs !

Oh, riez, vous les rieurs !

Qu'ils rient de rire, qu'ils rient de rire,

Oh, ris joyeusement !

Oh, le rire des moqueurs – le rire des rieurs intelligents !

Oh, faites rire ces moqueurs !

Smeivo, smeivo,

Rire, rire, rire, rire,

Des rires, des rires.

Oh, riez, vous les rieurs !

Oh, riez, vous les rieurs !

Les cultes de la forme n'ont pas duré longtemps et de nombreux mots nouveaux ne sont pas entrés dans le langage de la société. Le futurisme est vite devenu obsolète. Mais le travail des futuristes n’a pas été vain. Dans leurs poèmes, le sens s'ajoutait à leur maîtrise presque parfaite des mots, et ils sonnaient comme une belle musique. Boris Pasternak « Blizzard » :

Dans le posad, où personne ne marche

Ne jamais mettre les pieds, seulement les sorciers et les blizzards

J'ai mis les pieds dans le quartier des démons,

Où et comment les morts dorment dans la neige, -

Attends, dans la banlieue, où personne ne peut aller

Aucun pied n'a marché, seulement des sorciers

Oui, le blizzard a mis le pied jusqu'à la fenêtre

Un morceau de harnais égaré m'a fouetté...

Je ne cite pas ce poème dans son intégralité, mais dès les premières lignes on entend le chant d'un blizzard. Une seule phrase et vous tourniez, emporté par une tempête de neige... Pasternak a commencé comme un futuriste. Le talent et la maîtrise de la forme de Pasternak - l'école du futurisme - ont donné des résultats époustouflants : des poèmes musicaux d'une beauté inhabituelle.

Tournons-nous maintenant vers les symbolistes. Le symbolisme proclame non seulement le culte de la forme du vers, mais aussi le culte des symboles : abstraction et concret doivent se fondre facilement et naturellement dans un symbole poétique, comme « un matin d'été, les rivières d'eau se confondent harmonieusement avec la lumière du soleil ». C’est ce qui se passe dans les poèmes de K. Balmont, semblable au bruissement des feuilles. Par exemple, son poème mystérieux et énigmatique « Reeds » :

Minuit dans le désert des marais

Les roseaux sont à peine audibles et hurlent silencieusement.

Chaque mot de ce poème utilise un sifflement. Pour cette raison, tout le poème semble bruisser et bruisser.

De quoi chuchotent-ils ? De quoi parlent-ils?

Ils scintillent, clignent des yeux – et encore une fois ils disparaissent.

Et la lumière errante se lèvera à nouveau...

Et ça sentait la boue. Et l'humidité s'infiltre.

Le bourbier va vous attirer, vous brûler, vous aspirer.

" Qui? Pour quoi?" - disent les roseaux.

Pourquoi les lumières brûlent-elles entre nous ?

La conversation des roseaux, le clignotement des lumières, le bourbier, l'humidité, l'odeur de la boue, tout crée un sentiment de mystère, une énigme. Et en même temps des lignes

Un visage mourant tremble dans le marais.

Ce mois cramoisi s'est malheureusement terminé...

Et répétant le soupir de l'âme perdue,

Les roseaux bruissent tristement et silencieusement.

souffle le souffle de la mélancolie mortelle. C'est ainsi qu'est née la musique mystérieuse et étrangement attrayante du poème...

Un autre poème de Balmont, très beau et symbolique, est « J'ai attrapé les ombres qui s'éloignaient avec un rêve... » la répétition constante des mots toutes les deux lignes crée une sorte de rythme chatoyant et murmurant :

Je rêvais d'attraper les ombres qui passent,

Les ombres qui s'éteignent du jour qui s'efface,

J'ai grimpé dans la tour et les marches tremblaient,

Et les marches tremblaient sous mes pieds.

Dans la répétition des mots « et les pas tremblaient, et les pas tremblaient », « plus ils étaient dessinés clairement, plus ils étaient dessinés clairement », « ils se faisaient entendre autour de moi, ils se faisaient entendre autour de moi », etc. Les sons «r» et «l» sont utilisés, grâce auxquels le poème ressemble au débordement murmurant d'un ruisseau. C’est une question de langage. Quant au contenu du poème, il est rempli de sens profond. Une personne traverse la vie de plus en plus haut, de plus en plus proche de son objectif :

Et plus je marchais haut, plus je voyais clairement

Plus les contours au loin se dessinaient clairement...

Plus je montais haut, plus ils brillaient,

Plus les hauteurs des montagnes endormies scintillaient...

Il laisse derrière lui les années passées - les « ombres qui s'estompent du jour éteint », la Terre endormie, mais son objectif est encore loin :

Pour moi la lumière du jour brillait,

L'astre ardent brûlait au loin.

Mais il croit qu’il réalisera son rêve le plus cher. Il a appris « à capter les ombres qui passent... d'un jour sombre », c'est-à-dire comment ne pas vivre en vain le temps qui lui était imparti dans ce monde et aller plus haut, plus loin, de plus en plus proche de son rêve.

Je voudrais citer encore un poème de Balmont. C'est une belle dédicace à l'amour.

« Femmes circassiennes »

J'aimerais te comparer à un tendre saule pleureur

Ce qui incline les branches vers l'humidité, comme si on entendait tinter des harmonies...

J'aimerais te comparer à cette bayadera hindoue,

Que maintenant, maintenant il va pleurer, mesurant ses sentiments avec des mesures stellaires.

J'aimerais vous comparer... Mais le jeu des comparaisons est sombre,

Car c’est trop évident : vous êtes incomparable parmi les femmes.

Je me tourne vers l'acméisme et vers mes poètes préférés : Nikolai Gumilyov et Anna Akhmatova. L'acméisme, un style inventé et fondé par Gumilev, impliquait un reflet de la réalité dans des mots légers et succincts. Goumilev lui-même était très critique à l'égard de ses poèmes et travaillait sur la forme et le contenu. Gumilyov, comme vous le savez, a beaucoup voyagé en Afrique, en Turquie et en Orient. Les impressions de ses voyages se reflétaient dans ses poèmes et ses rythmes exotiques sauvages. Ses poèmes contiennent de la musique des pays d'outre-mer, des chants de Russie, des rires et des larmes d'amour et des trompettes de guerre. Certains des plus beaux poèmes sur l'Afrique sont « Girafe » et « Lac Tchad ».

« Giraffe » est la musique exquise des « pays mystérieux ». Le poème tout entier est spécial :

Aujourd'hui, je vois, ton regard est particulièrement triste

Et les bras sont particulièrement fins, épousant les genoux.

Écoutez : loin, très loin sur le lac Tchad

La girafe marche d'une manière exquise.

Et commence un conte de fées particulièrement mystérieux et triste « sur une jeune fille noire, sur la passion d'un jeune leader,... sur un jardin tropical de plumes, sur des palmiers élancés et l'odeur d'herbes inimaginables... » La description de la girafe est étonnante :

Il reçoit une harmonie gracieuse et un bonheur,

Et sa peau est décorée d'un motif magique,

Seule la lune ose l'égaler,

Écrasant et se balançant sur l'humidité de vastes lacs...

comparaisons inhabituelles :

Au loin, c'est comme les voiles colorées d'un navire,

Et sa course est douce, comme le vol joyeux d'un oiseau.

Ce poème est si mélodique qu’à notre époque on y a écrit de la musique et il est devenu une chanson. Et voici un autre conte mystérieux : « Lac Tchad ». C'est comme une histoire d'amour en vers. Son intrigue est banale et triste, mais le langage du poème lui confère beauté et insolite :

Sur le mystérieux Lac Tchad

Parmi les baobabs centenaires

Découpes des étriers

A l'aube des majestueux Arabes.

Le long de ses berges boisées

Et dans les montagnes, sur les contreforts verdoyants

Adorez des dieux étranges

Prêtresses à la peau d'ébène.

Un lac mystérieux, des Arabes majestueux, des dieux étranges, des prêtresses vierges, tout cela crée une atmosphère mystérieuse et majestueuse dans laquelle le lecteur est plongé. Ici, il voit un beau couple : la fille du puissant Chad et son mari, un leader puissant et un Européen beau mais hypocrite. Il voit le monde beau et simple du Tchad et le triste monde « civilisé » de l’Europe, où règnent des tavernes, des marins ivres et une vie sale. « Lac Tchad » n'est pas un très long poème, mais il est écrit dans un langage si vivant et si expressif que toute une vie défile devant nous...

Goumilev a survécu à la Première Guerre mondiale. Dans ses poèmes, il a montré l'absurdité de cette guerre, qui n'apportait que du chagrin, du deuil aux villes et aux villages, un triste chant des morts... Les comparaisons entre la guerre et les images pacifiques sont intéressantes :

Comme un chien attaché à une lourde chaîne,

Une mitrailleuse aboie derrière la forêt,

Et les balles bourdonnent comme des abeilles

Récolter du miel rouge vif.

Et le "hourra" au loin, c'est comme chanter

Journée difficile pour les faucheurs diplômés.

Le poète dit que les belligérants et les pacifiques sont égaux devant Dieu :

Leurs cœurs brûlent devant toi,

Ils brûlent avec des bougies en cire.

"Pourquoi, dans quel but la guerre, au nom de quoi ?" - demande Goumilyov. Oui, cela apporte de la gloire, des titres et de la chance à quelqu'un. Mais

Les coulés seront-ils comptés ?

Lors de traversées difficiles,

Oublié dans les champs piétinés

Et une grande gloire dans les chroniques ?

Ou les aubes futures sont claires

Ils vous verront comme autrefois -

Oeillets rouges énormes

Et un sauvage dort sur des œillets ?

Alors ne vaudrait-il pas mieux arrêter de se détruire, se serrer dans les bras et se dire : « Chéri, ici, accepte mon baiser fraternel ! Les poèmes de Goumilyov sur la guerre sont une trompette de protestation de tous les peuples pacifiques contre la violence, une ode de colère contre les meurtres insensés.

On peut parler beaucoup et sans fin de la musique des poèmes de Goumilev. La poésie de Gumilyov, c'est toute sa vie, occupée par la recherche de la beauté. Ses poèmes reflétaient « non seulement la recherche de la beauté, mais aussi la beauté de la recherche ».

Anna Akhmatova. Sappho russe, prêtresse de l'amour... Ses poèmes sont des chants d'amour. Tout le monde connaît son époustouflant poème « By the Sea », dans lequel on entend le bruit des vagues et les cris des mouettes...

Il est ridicule de qualifier d'« ennemi du peuple », de « bourgeois vulgaire » celui qui a créé « Requiem » - la terrible vérité sur la Russie, et qui a écrit un poème qui exprime toute la beauté des anciennes villes de la Sainte Russie. En 12 lignes, A. Akhmatova a pu décrire toute l'atmosphère heureuse et paisible des anciennes villes russes :

Il y a des églises blanches et des glaces sonores et lumineuses,

Nuits russes en diamant au-dessus de la ville antique

Et la faucille du ciel est plus jaune que le miel de tilleul.

Là, des blizzards secs surgissent des champs de l'autre côté de la rivière,

Et les gens, comme les anges, sont heureux de la Grande Fête,

Ils ont nettoyé la pièce, allumé les lampes de la vitrine des icônes,

Et le bon livre repose sur la table en chêne...

Le poème entier est rempli du tintement des cloches de Noël. Tout cela sent le miel et le pain cuit, qui rappelle l'ancienne Russie orthodoxe.

Bien sûr, dans tous les poèmes d'Akhmatova, on peut trouver l'une ou l'autre mélodie (même certains de ses poèmes sont appelés « chansons », « chansons »). Par exemple, dans « Chanson de la dernière rencontre », on peut entendre une musique anxieuse et confuse :

Ma poitrine était si impuissante et froide

Je l'ai mis sur ma main droite

Gant main gauche

L'automne murmure entre les érables

Il a demandé : « Meurs avec moi !

Je suis trompé par ma tristesse

Destin changeant et mauvais.

J'ai répondu : « Chéri, chéri !

Et moi aussi, je mourrai avec toi… »

Et dans un autre poème « La lumière du soir est large et jaune… » une mélodie de bonheur et des sons calmes après la tempête de la quête :

Tu as plusieurs années de retard

Mais je suis quand même content de te voir

Je suis désolé d'avoir vécu dans le chagrin

Et j'étais peu content du soleil.

Désolé, désolé, et toi

J’en ai accepté trop.

Parlant de musique dans la poésie de l'âge « d'argent », on ne peut s'empêcher de s'attarder sur les poèmes d'Igor Severyanin, le roi des poètes, le fondateur de l'ego-futurisme. Le manifeste de l'égofuturisme n'a pas rejeté l'ancien, comme dans le futurisme, mais a également proclamé la lutte contre les stéréotypes et les stéréotypes, la recherche d'images nouvelles et audacieuses, de rythmes et de rimes variés. Igor Severyanin était sans aucun doute un maître des mots. La preuve en est le magnifique poème « Enchantements de Lucin », où dans chaque mot, commençant par le nom, il y a une lettre « ch ». Je ne citerai que les premières lignes :

Sad Lyuchin lisait le soir, de manière pratique et insinuante,

Ressentir avec tant de sensibilité le murmure d'un cri extravagant d'extraterrestre. .

Bien que le poème entier soit assez long, contrairement aux poèmes des futuristes, il a du sens. Et je voudrais vous parler de deux autres poèmes de Northerner. « Kenzel » est un poème profane, qui rappelle le blues avec son rythme et ses répétitions particuliers :

Dans une robe moirée bruyante, dans une robe moirée bruyante

Le long de l'allée enflammée, vous longez la mer...

Ta robe est exquise, ton talma est azur,

Et le chemin sablonneux est recouvert de feuilles -

Comme des pattes d'araignée, comme un jaguar fringant...

Et "Sérénade", qui porte le deuxième nom "Round Dance of Rhymes". Et c'est vraiment une ronde de rimes, étonnamment harmonieuses : « dans l'air du soir - il y a des parfums de roses délicates ! », « sur un lac clair - je deviendrai un stylo de rêve », « caille - j'ai scié toute la rosée », « à travers les vagues du lac - comme la vie sans roses », le soufre », etc.

J'ai parlé de musique dans les poèmes de l'âge d'argent, mais il y avait aussi des poèmes sur la musique, et il y en a beaucoup. Ce sont les « Médaillons » de Sévérianine, où se trouvent des sonnets sur les compositeurs : « Chopin », « Grieg », « Bizet », « Rossini », où Sévérianine dit : de tous les dieux, le dieu le plus pieux est le dieu de la musique. .» et « le monde de la musique survivra aux siècles où sa nature sera profonde ». Il s'agit de la « Chanson sur une chanson » d'Akhmatov, qui

D'abord, ça va brûler

Comme une brise froide,

Et puis ton cœur tombera

Une larme salée.

Ce sont les « Chansons abyssiniennes » de Goumilev avec leurs merveilleuses mélodies. Il s'agit de l'exotique « Kek-walk on cymbals » de I.F. Annensky, fractionné, retentissant, précipité :

Les cloches tombaient comme un piétinement, un piétinement,

La sonnerie est devenue un murmure, un murmure,

Puis j'appelle,

Puis en panne

Cela écrase le cristal.

Et enfin, l'étonnant poème de V. Maïakovski « Un violon et un peu nerveusement », où les instruments de musique sont personnifiés et présentés comme des personnes, différentes, avec des personnages différents, Maïakovski propose le violon, comme une fille : « Tu sais quoi, le violon, allons vivre ensemble! UN?".

Avec cela, je veux terminer mon essai. Combien de nouveautés l'âge « d'argent » de la poésie a apporté à la musique des mots, combien de travail énorme a été effectué, combien de nouveaux mots et rythmes ont été créés, il semble que la musique et la poésie étaient unies. C'est vrai, parce que... De nombreux poèmes des poètes de l'âge d'argent ont été mis en musique, et nous les écoutons et les chantons, rions et pleurons dessus...

En russe Paroles XX siècles, le thème de la poésie s’efface dans l’ombre. Premièrement, trop de choses ont déjà été dites à ce sujet par nos prédécesseurs, et deuxièmement, d'autres sujets deviennent plus pertinents (ou semblent l'être). Et pourtant, presque tous les poètes ont réfléchi au moins une fois à leur destin poétique, à la place du poète dans le monde et dans la société. Les traditions établies par la littérature classique russe perdurent à l’époque moderne. Ainsi, de nombreux poètes sont fascinés par la tradition de la citoyenneté, venant de Ryleev, Nekrasov, Mayakovsky. Avec peut-être la plus grande clarté et la plus grande puissance poétique, Evtouchenko a incarné cette tradition dans la poésie moderne. Ce n’est pas un hasard s’il refuse d’opposer ses paroles intimes à ses paroles politiques ; d’ailleurs, il appelle fièrement ces dernières ses paroles intimes : « Mais quand j’écrivais des poèmes sur les fascistes là-bas, en Finlande, par une nuit alarmante, mes lèvres étaient brûlantes. et sec, j’ai senti qu’il était impossible de ne pas écrire. J'ai écrit sans fermer les yeux jusqu'à l'aube, j'ai couvert chaque page de papier... C'était à la fois un ordre social direct et mes paroles intimes ! Et ce n'est pas un hasard si c'est ce poète qui a prononcé les mots significatifs de l'introduction du poème « Centrale hydroélectrique de Bratsk » : « Un poète en Russie est plus qu'un poète. Seuls ceux en qui erre l’orgueilleux esprit de citoyenneté, qui n’ont ni confort, ni paix, sont destinés à naître poètes. Le poète y est une image de son siècle et du futur, un prototype fantomatique. Tsoet résume, sans tomber dans la timidité, tout ce qui l’a précédé.

Appréciant grandement les génies de la poésie russe comme Lermontov, Blok, Pasternak, Yesenin, Akhmatova, Yevtushenko choisit toujours, en premier lieu, Pouchkine, Nekrasov et Mayakovsky comme points de référence, et le thème de la poésie est associé par Yevtushenko avant tout à un énorme sens moral. responsabilité envers les gens dont il exprime les expériences et les expressions. un poète doit avoir des pensées : « Oh, Dieu me donne d'être poète ! Ne me laissez pas tromper les gens.

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• essai sur la poésie russe du 20e siècle
• Essai sur les paroles russes du 20e siècle
• essai sur la Finlande

vous devez rédiger un essai sur le thème « Paroles russes du 20e siècle » (basé sur l'œuvre de n'importe quel poète). Je ne peux même pas imaginer quoi écrire. et j'ai obtenu la meilleure réponse

Réponse de Ama Hasla[expert]
Le début du XXe siècle dans la littérature russe a été marqué par l'émergence de toute une galaxie de mouvements, de courants et d'écoles poétiques divers. Les mouvements les plus marquants qui ont laissé une marque significative dans l'histoire de la littérature étaient le symbolisme (V. Bryusov, K. Balmont, A. Bely), l'acméisme (A. Akhmatova, N. Gumilyov, O. Mandelstam), le futurisme (I. Severyanin , V. Mayakovsky , D. Burliuk), l'imagisme (Kusikov, Shershenevich, Mariengof). L'œuvre de ces poètes est appelée à juste titre le lyrisme de l'âge d'argent, c'est-à-dire la deuxième période la plus importante de l'apogée de la poésie russe. Cependant, à côté des auteurs ci-dessus, l'histoire de l'art de cette époque en comprenait d'autres qui n'appartenaient à aucune école particulière, des poètes originaux et brillants, et tout d'abord Sergei Yesenin, dont l'œuvre se distingue dans le monde hétéroclite et diversifié de poésie au début du siècle.
Le destin complexe et intéressant du poète, de nombreux voyages, des changements de lieux et de modes de vie, combinés à une approche créative de la compréhension de la réalité, ont déterminé la richesse et la variété des thèmes et des motifs dans les paroles de Yesenin. Son enfance et sa jeunesse se passèrent dans le village de Konstantinovo, au bord de l'Oka, dans une famille paysanne ; Le thème principal des premières paroles de Yesenin "devient naturellement la description de la nature, des peintures indigènes, des paysages imprégnés de chaleur, des proches de l'enfance, des connaissances, des êtres chers. En même temps, le poète personnifie de nombreux phénomènes naturels, y voit un vivant, principe intelligent, attribue aux plantes les qualités des animaux :
Où se trouvent les parterres de choux
Le lever du soleil verse de l'eau rouge,
Petit bébé érable à l'utérus
Le pis vert est nul.

Réponse de 2 réponses[gourou]

Bonjour! Voici une sélection de sujets avec des réponses à votre question : vous devez rédiger un essai sur le thème « Paroles russes du 20e siècle » (basé sur l'œuvre de n'importe quel poète). Je ne peux même pas imaginer quoi écrire.

Réponse de Nikolaï Rodinov[débutant]
peux-tu le mettre en un mot ??

Réponse de Nikita Borzenko[actif]
pas mal

Réponse de Dima Morozov[débutant]
L'« âge d'argent » poétique russe s'inscrit traditionnellement au début du 20e siècle, en fait, son origine est le 19e siècle, et toutes ses racines remontent à « l'âge d'or », à l'œuvre d'A.S. Pouchkine, à l'héritage de la galaxie de Pouchkine, à la philosophie de Tioutchev, aux paroles impressionnistes de Fet, à la prose de Nekrasov, aux lignes frontières de K. Sluchevsky, pleines de psychologisme tragique et de vagues pressentiments. Autrement dit, les années 90 commencent à feuilleter les brouillons des livres qui constitueront bientôt la bibliothèque du XXe siècle. Depuis les années 90 ont commencé les semailles littéraires, qui ont donné lieu à des pousses.
Le terme « Âge d’argent » lui-même est très conditionnel et recouvre un phénomène aux contours controversés et au relief inégal. Ce nom a été proposé pour la première fois par le philosophe N. Berdiaev, mais il est finalement entré dans la circulation littéraire dans les années 60 de ce siècle.
La poésie de ce siècle se caractérise principalement par le mysticisme et une crise de la foi, de la spiritualité et de la conscience. Les lignes sont devenues une sublimation de la maladie mentale, du désaccord mental, du chaos interne et de la confusion.
Toute la poésie de « l’âge d’argent », absorbant avidement l’héritage de la Bible, la mythologie antique, l’expérience de la littérature européenne et mondiale, est étroitement liée au folklore russe, avec ses chants, ses lamentations, ses contes et ses chansons.
Cependant, on dit parfois que « l’âge d’argent » est un phénomène d’occidentalisation. Il choisit en effet comme points de référence l'esthétisme d'Oscar Wilde, le spiritualisme individualiste d'Alfred de Vigny, le pessimisme de Schopenhauer et le surhomme de Nietzsche. L'« Âge d'argent » a trouvé ses ancêtres et alliés dans divers pays européens et au cours de différents siècles : Villon, Mallarmé, Rimbaud, Novalis, Shelley, Calderon, Ibsen, Maeterlinck, d'Annuzio, Gautier, Baudelaire, Verhaeren.
En d’autres termes, à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, il y a eu une réévaluation des valeurs du point de vue de l’européanisme. Mais à la lumière d’une ère nouvelle, aux antipodes de celle qu’elle remplace, les trésors nationaux, littéraires et folkloriques apparaissent sous un jour différent, plus éclatant que jamais.
C’était un espace créatif plein de soleil, lumineux et vivifiant, assoiffé de beauté et d’affirmation de soi. Et même si nous appelons cette époque « l’âge d’argent » et non « l’âge d’or », il s’agit peut-être de l’époque la plus créative de l’histoire de la Russie.

Le grand écrivain russe Maxime Gorki a déclaré que « la littérature du XIXe siècle capturait les grandes impulsions de l’esprit, de l’esprit et du cœur des véritables artistes ». Cela se reflète dans les œuvres des écrivains du XXe siècle. Après la révolution de 1905, la Première Guerre mondiale et la guerre civile, le monde semblait commencer à s’effondrer. La discorde sociale s'est installée et la littérature se charge de tout ramener au passé. Une pensée philosophique indépendante a commencé à s'éveiller en Russie, de nouvelles orientations artistiques sont apparues, les écrivains et les poètes du XXe siècle ont réévalué les valeurs et abandonné l'ancienne morale.

Comment est la littérature au tournant du siècle ?

Le classicisme dans l'art a été remplacé par le modernisme, qui peut être divisé en plusieurs branches : le symbolisme, l'acméisme, le futurisme, l'imagisme. Le réalisme a continué à prospérer, dans lequel le monde intérieur d'une personne était représenté en fonction de sa position sociale ; le réalisme socialiste ne permettait pas la critique du pouvoir, c'est pourquoi les écrivains dans leur travail essayaient de ne pas soulever de problèmes politiques. L’âge d’or a été suivi par l’âge d’argent avec ses nouvelles idées audacieuses et ses thèmes variés. Le XXe siècle a été écrit selon une certaine tendance et un certain style : Maïakovski se caractérisait par une écriture avec une échelle, Khlebnikov se caractérisait par ses nombreux occasionnels et Sévérianine se caractérisait par des rimes inhabituelles.

Du futurisme au réalisme socialiste

Dans le symbolisme, le poète concentre son attention sur un certain symbole, un indice, le sens de l'œuvre peut donc être ambigu. Les principaux représentants étaient Zinaida Gippius, Alexander Blok. Ils étaient constamment à la recherche d'idéaux éternels, tout en se tournant vers le mysticisme. En 1910, une crise du symbolisme a commencé - toutes les idées avaient déjà été démantelées et le lecteur n'a rien trouvé de nouveau dans les poèmes.

Le futurisme a complètement rejeté les vieilles traditions. Traduit, le terme signifie « l'art du futur ». Les écrivains ont attiré le public avec le choc, la grossièreté et la clarté. Les poèmes des représentants de ce mouvement - Vladimir Maïakovski et Osip Mandelstam - se distinguent par leur composition originale et leurs occasionnels (mots de l'auteur).

Le réalisme socialiste s'est donné pour tâche d'éduquer les travailleurs dans l'esprit du socialisme. Les écrivains ont décrit la situation spécifique de la société dans le développement révolutionnaire. Parmi les poètes, Marina Tsvetaeva s'est particulièrement démarquée et parmi les prosateurs - Maxim Gorki, Mikhail Sholokhov, Evgeny Zamyatin.

De l’acméisme au nouveau paysan

L'imagisme est apparu en Russie dans les premières années qui ont suivi la révolution. Malgré cela, Sergueï Yesenin et Anatoly Mariengof n'ont pas reflété les idées sociopolitiques dans leur travail. Les représentants de ce mouvement ont soutenu que les poèmes devaient être figuratifs et qu'ils ne lésinaient donc pas sur les métaphores, les épithètes et autres moyens d'expression artistique.

Les représentants de la nouvelle poésie lyrique paysanne se sont tournés vers les traditions folkloriques dans leurs œuvres et ont admiré la vie rurale. Tel était le poète russe du XXe siècle Sergueï Yesenin. Ses poèmes sont purs et sincères, et l'auteur y décrit la nature et le simple bonheur humain, en se tournant vers les traditions d'Alexandre Pouchkine et de Mikhaïl Lermontov. Après la révolution de 1917, la joie éphémère fait place à la déception.

Le terme « acméisme » traduit signifie « période de floraison ». Les poètes du XXe siècle Nikolai Gumilyov, Anna Akhmatova et Osipa Mandelstam sont revenus dans leur œuvre sur le passé de la Russie et ont salué une joyeuse admiration pour la vie, la clarté des pensées, la simplicité et la brièveté. Ils semblaient se retirer des difficultés, flotter doucement avec le courant, assurant que l'inconnaissable ne peut être connu.

Richesse philosophique et psychologique des paroles de Bounine

Ivan Alekseevich était un poète vivant à la jonction de deux époques, son œuvre reflétait donc certaines des expériences associées à l'avènement des temps nouveaux, mais il a néanmoins poursuivi la tradition Pouchkine. Dans le poème "Soirée", il transmet au lecteur l'idée que le bonheur ne réside pas dans les valeurs matérielles, mais dans l'existence humaine : "Je vois, j'entends, je suis heureux - tout est en moi". Dans d'autres œuvres, le héros lyrique se permet de réfléchir sur la fugacité de la vie, qui devient motif de tristesse.

Bounine écrit en Russie et à l'étranger, où de nombreux poètes du début du XXe siècle se sont rendus après la révolution. A Paris, il se sent étranger : « l'oiseau a un nid, la bête a un trou », et il a perdu sa terre natale. Bounine trouve son salut dans son talent : en 1933, il reçoit le prix Nobel, et en Russie il est considéré comme un ennemi du peuple, mais ils ne cessent de publier.

Parolier sensuel, poète et bagarreur

Sergei Yesenin était un imagiste et n'a pas créé de nouveaux termes, mais a ravivé des mots morts, les enfermant dans des images poétiques lumineuses. Dès ses années d'école, il est devenu célèbre pour ses méfaits et a porté cette qualité tout au long de sa vie, était un habitué des tavernes et était célèbre pour ses aventures amoureuses. Néanmoins, il aimait passionnément sa patrie : "Je chanterai avec tout le poète étant la sixième partie de la terre avec le nom court "Rus" - de nombreux poètes du XXe siècle ont partagé son admiration pour sa terre natale. Yesenina révèle le problème de l'existence humaine. Après 1917, le poète fut désillusionné par la révolution, car au lieu du paradis tant attendu, la vie devint comme un enfer.

Nuit, rue, lanterne, pharmacie...

Alexandre Blok est le poète russe le plus brillant du XXe siècle qui a écrit dans le sens du « symbolisme ». Il est intéressant d'observer comment l'image féminine évolue de collection en collection : de la Belle Dame à l'ardente Carmen. S'il divinise d'abord l'objet de son amour, le sert fidèlement et n'ose pas le discréditer, les filles lui apparaissent ensuite comme des créatures plus terre-à-terre. A travers le monde merveilleux du romantisme, il trouve un sens, après avoir traversé les difficultés de la vie, il répond dans ses poèmes aux événements d'importance sociale. Dans le poème « Les Douze », il exprime l'idée que la révolution n'est pas la fin du monde et que son objectif principal est la destruction de l'ancien et la création d'un nouveau monde. Les lecteurs se souviennent de Blok comme de l'auteur du poème « Nuit, rue, lanterne, pharmacie… », dans lequel il réfléchit au sens de la vie.

Deux femmes écrivains

Les philosophes et les poètes du XXe siècle étaient majoritairement des hommes et leur talent se révélait à travers les soi-disant muses. Les femmes ont créé elles-mêmes, sous l'influence de leur propre humeur, et les poétesses les plus remarquables de l'âge d'argent étaient Anna Akhmatova et Marina Tsvetaeva. La première était l'épouse de Nikolai Gumilyov, et de leur union est née la célèbre historienne Anna Akhmatova. Elle ne montrait pas d'intérêt pour les strophes exquises - ses poèmes ne pouvaient pas être mis en musique, ils étaient rares. La prédominance des couleurs jaunes et grises dans la description, la pauvreté et la pénombre des objets rendent les lecteurs tristes et leur permettent de révéler la véritable humeur de la poétesse, qui a survécu à la fusillade de son mari.

Le sort de Marina Tsvetaeva est tragique. Elle s'est suicidée et, deux mois après sa mort, son mari a été abattu. Les lecteurs se souviendront toujours d'elle comme d'une petite femme blonde liée à la nature par les liens du sang. La baie de sorbier apparaît particulièrement souvent dans son œuvre, qui est entrée à jamais dans l'héraldique de sa poésie : "Le sorbier était éclairé avec un pinceau rouge. Les feuilles tombaient. Je suis née."

Qu'y a-t-il d'inhabituel dans les poèmes des poètes des XIXe et XXe siècles ?

Au nouveau siècle, les maîtres de la plume et de la parole ont adopté de nouvelles formes et de nouveaux thèmes pour leurs œuvres. Les poèmes et les messages adressés à d'autres poètes ou amis sont restés d'actualité. L'imagiste Vadim Shershenevich surprend avec son œuvre « Toast ». Il n'y place pas un seul signe de ponctuation, ne laisse pas d'espaces entre les mots, mais son originalité est ailleurs : en parcourant le texte avec ses yeux de ligne en ligne, on peut remarquer comment certaines lettres majuscules qui forment le message se détachent parmi en d'autres termes : À Valery Bryusov de la part de l'auteur .

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L'œuvre des poètes du XXe siècle frappe par son originalité. Vladimir Maïakovski est également connu pour avoir créé une nouvelle forme de strophe : « l'échelle ». Le poète écrivait des poèmes en toute occasion, mais parlait peu d'amour ; il a été étudié comme un classique inégalé, publié à des millions d'exemplaires, le public l'a aimé pour son caractère choquant et son innovation.